NICK CAVE & THE BAD SEEDS: DURO TE ES DAR COCES CONTRA EL AGUIJÓN (Parte V)

PUSH THE SKY AWAY (2013)

Hasta que llegamos a la última entrega sobre Nick & The Bad Seeds, la etapa correspondiente a su reciente álbum, lanzado a inicios de este 2013, y que espero no se convierta en el final de la historia del crooner infernal y sus malas semillas, pues con Push The Sky Away, nos hacen ver que en ellos aún la creatividad y ganas de apostar por la innovación sonora permanecen intactas, además de demostrar a través de su gran calidad musical, su vigencia,  integridad y autenticidad a lo largo de sus casi 30 años de existencia como banda. Algo de lo que muy pocos pueden jactarse.     

Push The Sky Away  es la culminación de los intentos bosquejados desde Dig, Lazarus Dig!!! (2008) Y  los álbumes del proyecto paralelo Grinderman, por la exploración sónica, pero esta vez alejados del lado rockero y estridente como los realizados en los trabajos antes mencionados.  Push The Sky Away  es un álbum calmado pero a la vez seductor, está vez Nick no se vale de extensas historias o relatos para mostrarnos sus bajos mundos, sino lo hace mediante liricas muy contundentes,  pero sin llegar a lo escueto, Cave nos aplica su mensaje de manera directa, sin anestesia. 

Warren Ellis el nuevo lugarteniente de Nick

El álbum es también una muestra del talento creativo de su nuevo lugarteniente sónico, Warren Ellis, tras la partida de Mick Harvey, ofreciéndonos composiciones musicales muy visuales, paisajísticas, desarrollando una sonoridad que en muchos pasajes, colinda entre el ambient y lo etéreo, y de radiante belleza con solo  aplicar una ejecución minimalista de los instrumentos.  Sobre el aporte de Ellis en el álbum, Cave describió a su nuevo trabajo como “un bebé metido en una incubadora, cuyos pequeños y temblorosos latidos de corazón son los loops de Warren Ellis”.

Tuvieron que pasar casi cinco años para que Nick & The Bad Seeds nos entreguen un nuevo manjar sónico, pero la larga espera ha sido altamente recompensada. Para muchos fans desilusionados por sus últimos trabajos del crooner y su banda, en donde el talento y la magia parecía que se había ido, al escuchar este álbum, han tenido que reconocer el poder redentor de su ídolo, y simplemente arrepentirse por las blasfemias vertidas contra su ídolo, y más bien han renovado su fe, en estos seres que parecen tener un pacto mefistofélico para nunca terminar de asombrarnos con cada nueva entrega y su don para reinventarse mediante ellas.

Entre abril y junio del 2012, Nick Cave comienza a pulir una serie de composiciones, y con los Bad Seeds, en esta ocasión conformados por Warren Ellis, Martin Casey, Thomas Wydler, Jim Sclavunos y Martin Savage, y otra vez en la producción, la participación del viejo conocido, Nick Launay, se dirigen a Francia, para iniciar las grabaciones de lo que sería el nuevo álbum. Que también marcaría el retorno, aunque solo fue para dos temas, “Finishing The jubilee Street” y “Push The Sky Away”, del excepcional bajista y miembro fundador Bad Seeds, Barry Adamson.

Cave ha dicho que sus canciones fueron escritas inspirado por  “googlear curiosidades”, largas horas  navegando en la web,  indagando entre asuntos “profundos” y frivolidades, nuevos hallazgos y cosas fascinantes.   Nick Cave ha señalado que la intención perseguida para este álbum: “…es intentar crear un lenguaje colectivo musical, rico y complejo, donde se reconozca con facilidad los instrumentos que está tocando la banda…”, y vaya que otra vez los Bad Seeds le atinaron, pues han logrado plasmar a la perfección las intenciones del compositor.

PUSH THE SKY AWAY (2013)

La banda durante la grabación

Vayamos a las canciones del disco. “We No Who U R” es la excelente pieza pausada, calmada y repetitiva que da inicio al álbum, en donde el sonido de un extraño órgano, loops, bajo y riff de guitarra que se conducen de manera cíclica, nos construye un ambiente de aparente serenidad y hasta acogedor a pesar de su tono sombrío, como dándonos un aviso de que en este álbum, Nick & The Bad Seeds no estarán dispuestos a perturbar nuestra alma sino a hacérnosla pasar muy bien, claro, a su peculiar manera y es que “Wide Lovely Eyes” es otro tema cuya música, producida básicamente por el rasgueo de cuerdas, bajo y el tenue sonido de teclados,  transita nuevamente de manera repetitiva y que será una característica para este álbum, pero no para llegar hasta el hartazgo, sino de ofrecer una atractiva variedad de sonidos en cada tema, pero siempre la sonoridad de cada uno de ellos, fluyendo cíclicamente.

En “Water’s Edge”  los sonidos punzantes del bajo, nos van introduciendo a un ambiente brumoso, mientras que el violín de Ellis se encarga de darle una atmósfera más tenebrosa, que acompañados por la misteriosa recitación de Cave, se confabulan para entregarnos una canción majestuosa y exótica. Prosigue otra joya, “Jubilee Street”, en donde una bella y delicada línea instrumental de cuerdas va en ascenso, repitiéndose  acordes y luego se uniéndose  al extraordinario violín de Ellis, que finalmente estallarán junto a las voces de un ¿angelical?  Coro, y un sonido de feedback, que sólo sabrá Ellis con qué instrumentos fueron producidos.       

En “Mermaids” las melodías mantienen la emotividad y belleza dejada por la pieza anterior, guiadas por el sonido de una delicada guitarra acústica. Luego, “We Real Cool”  es una tierna sinfonía, que parece en cualquier momento va a estallar, sin embargo, a cambio, diferentes instrumentos de cuerda se van incluyendo, así como el sonido de un desolado piano, ofreciéndonos una emotiva melodía. 

“Finishing Jubilee Street” es otra pieza experimental y minimalista, de ciertos aires fantasmales, construida solo con una batería que es tocada con lo justo, delicados punteos de guitarra, bajo, loops,  piano,  teclados, y un coro que susurra a nuestros oídos.   Pero el ambiente se endurecerá con “Higgs Bosson Blues”, otorgándonos el único momento blusero del álbum,  y como siempre los Bad Seeds estupendos en la ejecución de estos tipos de temas, y Nick relatándonos una especie de jornada surrealista en búsqueda del origen el universo, entre califas, el diablo y Miles Cyrus (¡Hannah Montana!).  “Push The Sky Away” es el tema que da título al álbum, y le da un magistral cierre al mismo, canción de sonoridad dramática y misteriosa, gracias al estupendo sonido creado por esos alucinantes teclados.  

Nueve temas, que apenas pasan los 42 minutos, quizás uno de los álbumes de menor duración de Cave, y con liricas que en su mayoría no pasan de los cuatro párrafos pero suficiente para dejarnos encandilados y conectados con su nueva obra. Un álbum bello,  exótico, ecléctico y oscuro a la vez, de una sonoridad exquisita y virtuosa, y en donde nuevamente la interpretación vocal de Nick Cave,  reafirma su posición como el legendario crooner infernal que es y parece seguirá siendo por largos años, su mejor álbum en mucho tiempo, me atrevería a decir desde su época noventas.     
Push The Sky Away fue lanzado el 18 de febrero pasado, en ediciones CD, LP y una deluxe edition conformada por el cd del álbum, más un  Bonus dvd que contiene los videos de los temas “Needly Boy” y “Lightning Bolts”, dos extraordinarias “marcianadas” electrónicas, no incluidas en el álbum, pero que son realmente alucinantes, de irrupciones impresionantes por parte del violín de Ellis, y de finales intempestivos, que sirven de ensoñador fondo musical para la voz de Cave, y que nos deja con las ganas de ver y escuchar más, pero por sobre todo con la expectativa de esperar religiosamente el próximo trabajo de la banda. Los videos fueron dirigidos por Iain Forsyth y Jane Pollard, quienes también dirigieron el serial de documentales “Do You Love Me”, que acompaña a cada una de los álbumes de las ediciones remasterizados de la colección de Nick Cave & The Bad Seeds.

El Cd y Dvd, es presentado dentro de un elegante libro que contiene una especie de réplica del cuaderno de notas o apuntes, y hasta borrador, de las respectivas anotaciones que hizo Cave en la composición de cada una de las canciones del álbum, se pueden apreciar las correcciones que les hizo a cada una de ellas, así como su sello con fecha, demostrando el registro de la aparente aprobación por parte del crooner, además de fotografías de la banda. El libro irradia una ambientación añeja, algo “retro”, al observarse que el tipiado parece haberse escrito a máquina de escribir, y por la tonalidad amarillenta tanto de cada una de las hojas, así como de las imágenes de las fotografías. Sencillamente una edición excepcional.      

REPERCUSIONES

New Musical Express (NME)  escribió sobre el álbum “una obra maestra que emerge de la experimentación y la libertad  de sus proyectos paralelos,  con Cave el más delicado  artesano de canciones”.  All Music Guide  comentó: “el mar sónico cambiado es deliberado, pero dando lo que una banda de vasta experiencia  y los Bad Seeds siempre han dado, colisionando y brindando deleitosa incertidumbre.”

La banda iniciaría a fines de febrero en Australia, el respectivo tour, teniendo muy buen acogida con muchos “Sold Out” en su haber, presentándose en diversos festivales y con una agenda copada hasta los últimos días del presente año.  

Push The Sky Away, es una gran obra post-rock, creativa, experimental de música bella, oscura, fascinante, extraña y maravillosa, con una instrumentación que se puede jactar de haberse preocupado hasta el más mínimo de los detalles, logrando hipnotizar  a sus seguidores. Por estas razones, el álbum se convierte en  uno de los firmes  candidatos a disco del año, y por qué no decirlo, quizás también de la década.  Es un testimonio de que tenemos Nick Cave & The Bad Seeds, para muchos años más y seguir creyendo en ellos. ¡Larga vida a Nick Cave & The Bad Seeds!

U2: ZOOROPA- 20 AÑOS DE UN MENOSPRECIADO ÁLBUM

Hace 20 años, en mis vacaciones de medio año, esperando el inicio del segundo ciclo de la universidad, paseando por la Colmena  me di con la grata sorpresa que mis proveedores musicales ya tenían en sus “maletas”  el nuevo álbum de U2, Zooropa.  Cuando los fans aún permanecíamos asombrados por el extraordinario Achtung Baby!  Y veíamos en las revistas la espectacularidad de su gira Zoo T.V. , U2 nos ofrecía otro gran álbum, quizás el más experimental que haya producido la banda, pero también el menos apreciado  y olvidado con el pasar de los años, por seguidores de la banda, prensa  o aún, los mismos integrantes del grupo, denominándolo simplemente como “un buen interludio”, para hacer más atractiva la segunda parte de la gira. Si tomamos en cuenta toda la publicidad, promoción y hasta alabanzas  que se le dieron a los álbumes posteriores, que realmente no alcanzaron los niveles de calidad expuestos en Zooropa.

Lanzado el 5 de julio de 1993, bajo el sello Island Records, el álbum contó con la producción de Flood, Brian Eno y The Edge.  Inspirados por su gira Zoo Tv, y pretendiendo seguir por la senda de la experimentación, ya trazada por su álbum Achtung Baby!, los U2 iniciaron el proceso de una nueva producción musical que en un comienzo se proyectó como en un EP pero luego terminaría convirtiéndose en un álbum. Cabe resaltar, hecho entre conciertos, aeropuerto y estrechas sesiones de grabación, realmente una locura.

El resultado fue por demás interesante, desde la sorprendente apertura del tema “Zoroopa” que da nombre al disco, cuya sonoridad yuxtapuesta es realmente alucinante, pasando por el coqueteo pop de “Babyface”, el intento de rapeo de Edge en medio de las distorsiones de su guitarra y los delirantes ambientes sónicos de “Numb”, los raros efectos de guitarra de “Lemon”, la tierna tristeza de “Stay (Faraway So close!), las exploraciones sónicas maquinales de “Daddy’s Gonna Pay For You Crashed Car”, la desesperanzadora “The First Time”, las corroídas distorsiones de “Dirty Day” hasta llegar a la extraordinaria pieza experimental “The Wandererer”, una especie de country o blues industrial(intentándole dar una definición a su sonoridad) interpretada por el legendario Johnny Cash. 
Zooropa sólo alcanzaría a vender 7 millones de copias, pero a pesar de ello en 1994 ganó el Grammy al mejor álbum de música alternativa. Estuvo posicionado en los principales rankings durante bastantes semanas, pero sus singles no alcanzarían la repercusión esperada. Sin embargo es un disco que vale la pena darle el sitial que se merece.    
A continuación algunos detalles sobre el álbum, desde su concepción hasta su salida, según sus propios protagonistas.

ZOOROPA UPCOMING!

CONCEPCIÓN “La gira norteamericana finalizó en noviembre (1992), y la etapa al aire libre por Europa empezaba en mayo, así que teníamos unos meses de descanso” Adam Clayton, bajista.

“Empezábamos nuestro segundo año de gira. Entonces se me ocurrió algo: ‘Tenemos un poco de tiempo libre y algunas ideas por aquí esperando desde el último disco. Hagamos un EP, con algunas canciones nuevas para animar un poco la próxima etapa de la gira. Será divertido…estuvimos en el estudio The Factory de Dublín durante un par de semanas de febrero de 1993. Pero a medio trabajo, Bono…sugirió: ‘Si nos tomamos la molestia de hacer un EP, démonos un empujocinto más e intentemos hacer un álbum completo’…¿Podía u2 hacer un disco en doce semanas-que era todo el tiempo que teníamos- o nos habíamos vuelto tan mimados a causa de los ingresos inagotables de los discos que necesitábamos todo un año para hacer un álbum?”  The Edge, guitarrista   

“Desde que Achtung Baby! había empezado a materializarse como un álbum completo, Bono y yo hablábamos del llamado ‘puñetazo un-dos’, que significa dos álbumes en una sola campaña. Cuando tienes a gente que te presta atención, ¿por qué no golpearla otra vez rápidamente? Y así fue como apreció Zooropa.” Paul McGuinness, Manager  

PRODUCCIÓN “Que Eno y Flood estuvieran en el teclado fue de gran ayuda, pero el escaso tiempo, nos obligó a trabajar intensamente. No podíamos entretenernos…debíamos escribir, producir y grabar, nada más. Una parte del material había sobrado de las sesiones del Achtung Baby! como ‘Stay’, sacada de una melodía en verso para una canción que nunca se grabó, y ‘Numb’, que era el acompañamiento instrumental de una canción completamente diferente. Algún otro material lo improvisamos allí mismo, como ‘Babyface’ y ‘The Wanderer’. Y el resto salió de ideas que habíamos tenido durante la gira. ‘Zooropa’ eran dos piezas musicales separadas que encontré escuchando casetes de pruebas de sonido e improvisaciones. Las cogí, vi que encajaban bien y acabamos haciendo una canción a partir de esos dos elementos completamente distintos. Pasábamos por una buena racha. Las canciones fluían rápidamente. Pero cuando tuvimos que volver a  salir de gira, todavía no habíamos terminado el disco, y Brian y Flood habían concertado ya otros proyectos, así que nos encontramos en un dilema. Todo el mundo nos decía: ‘Bien, esto es un EP. Pero queda todavía mucho trabajo para acabar algunas de estas canciones’. No tenían en cuenta nuestra determinación absoluta”  The Edge

“Nuestro entusiasmo iba por delante de nosotros. La gira europea empezó en mayo, y nos pasamos el primer mes regresando del espectáculo para ir al estudio y trabajar unas horas durante la noche o al día siguiente por la mañana. No solamente fue una gran gira muy larga, sino que además grabamos un álbum en la mitad. Es una enorme locura.” Adam Clayton

“El espectáculo terminaba a las once de la noche. Tan pronto como salíamos del escenario nos metíamos en el coche, directos hacia el aeropuerto, para salir volando. Como los conciertos eran en Europa, normalmente íbamos con una o dos horas de antelación respecto de Irlanda, así que llegábamos allí a medianoche, nos metíamos en el estudio, trabajábamos un par de horas y después nos íbamos a casa, a dormir. A menudo teníamos un par de días entre concierto y concierto, así que volvíamos a trabajar por la tarde, seguíamos por la noche, nos levantábamos al día siguiente, íbamos al aeropuerto y volábamos hacia la siguiente ciudad. Estuvimos así un mes entero. Fue una locura, pero una locura positiva.” Larry Mullen Jr. Baterista

ZOOROPA

EL ÁLBUM, “Desde el punto de vista de Polygram, era un regalo de Dios porque no esperaban ningún álbum de U2 hasta un par de años después. Si Achtung baby! era el primer plato, éste era el momento perfecto para ofrecer a nuestro público algo más experimental y esotérico, y eso fue Zooropa. Todavía es uno de mis álbumes favoritos de U2 porque es muy libre” Paul McGuinness

“Zooropa es el sonido de U2 pero sintiéndonos cómodos con el ambiente de grabación. Después de Achtung Baby!, estaba claro que la tecnología era útil, que no era el demonio ni el enemigo, y que podíamos manejarla. Edge todavía estaba explorando la cultura dance y hip hop, las mezclas de discoteca y todo este tipo de cosas, Él experimentaba y U2 éramos sus conejillos de indias”. Larry Mullen Jr

“Es un disco extraño y es mi favorito. Sonaba un poco estrafalario, no tenía ninguno de los himnos de U2, había sido sacado de las sesiones de estudio…” Adam Clayton

“Fue nuestro intento de crear un mundo, más que simplemente canciones y resultó ser un mundo hermoso.” Bono      

CANCIONES

Zooropa “es absolutamente fascinante” Adam Clayton

“…era nuestro nuevo manifiesto: ‘No tengo compás, no tengo mapas, y no tengo ninguna razón para volver atrás’. Brian Eno estaba como pez en el agua. El estudio se convirtió en un instrumento, en un patio de recreo, montones de ataques de su teclado DX7, montones de sorpresas de Larry y Adam…Era el equivalente en audio a Blade Runner en video. Si cerrabas los ojos podías ver el neón, las pantallas brillantes anunciando todo tipo de cosas efímeras” Bono

Numb “es el sonido del interior de la cabeza de alguien, con una fantástica letra e interpretación de Edge. Es el retrato cruel de lo que él sentía en ese momento y de lo que un montón de gente de todo el mundo siente por los medios de comunicación.” Bono  

“Era una canción que había sobrado de Achtung Baby!...Brian le añadió un teclado fantástico. Cuando estábamos intentando ordenar el material para zooropa, apareció esa grabación de acompañmiento y no supimos qué hacer con ella. Edge se la llevó a otro estudio para mostrar algunas ideas y, al cabo de unas horas, había encontrado la forma de grabar un rap encima. Es una obra maestra sonora y la parte de Edge es fantástica.” Adam Clayton

Lemon  “se convirtió en una de las canciones más destacadas del álbum. Era una melodía que había conseguido con una caja de ritmos y un bajo, muy rítmica. Sin embargo me resultó difícil encontrar las partes de guitarra hasta que utilicé un efecto poco habitual…” The Edge

“[De unas imágenes tomadas en súper 8 de la madre de Bono en una boda] ella era la dama de honor con un precioso vestido de color limón. Canté con mi voz de Fat Lady pero dándole patetismo a la letra. Había dos cosas en juego, el recuerdo y la pérdida, el retrato de una chica en un reluciente vestido limón que la hacía sexy y divertida y el patetismo de un hombre (el viudo papá de Bono) separado de todo aquello que quería” Bono

Stay (Faraway So Close!) “es una canción en la que Bono y Edge trabajaron durante algún tiempo. Bono solía decir que era para Frank Sinatra, pero necesitábamos  canciones para Zooropa, así que pensamos que podíamos probarla. Fue difícil resolver cómo hacerlo. Nos decidimos por un sonido muy modesto de conjunto y funcionó.” Adam Clayton

The First Time “es una canción muy especial. En medio del caos y de las luces intermitentes de las evasiones del futuro nacía un momento simple y poético. Es la historia del hijo pródigo, pero aquí el hijo pródigo decide no regresar. Trata de la pérdida de la fe…” Bono

Dirty Day “Es una canción de un padre y un hijo. ‘Es un día asqueroso’ era una expresión que mi padre solía utilizar, y hay mucho de él en esta canción… ‘Dirty Day’ trata de un personaje que dejó a su familia y, años después, encontró al hijo que había abandonado…” Bono

The Wanderer “He tenido muchos tipos de padre en mi vida. ¡Vaya lista podría confeccionar! Pero en algún lugar, por encima del todo, debe estar Johnny Cash, para quien escribimos ‘The Wanderer’ y a quien convencimos para que viniera a cantarla con nosotros, y cerrar así el álbum. Escribí la letra basándome en el libro del Eclesiastés, del Antiguo Testamento, que en alguna traducción la llaman el Predicador. Es la historia de un intelectual con pasión por viajar. El predicador quiere encontrar el sentido de la vida y prueba un poco de todo. Intenta acumular conocimiento y educarse a sí mismo, lee todos los libros que le caen en las manos, pero no funciona. Intenta viajar, visita muchos paisajes, pero no funciona. Insiste con la bebida, las mujeres y la canción, pero tampoco funciona. Todo es vanidad dice, vanidad de vanidades…

 La canción es  el antídoto al manifiesto de indecisión de Zooropa…presenta una posible solución.

¿LEGADO?

“Las canciones no son clásicos, pero son más experimentales e interesantes que la mayoría de canciones pop… Queremos algo potente, y algunas de esas canciones no lo son particularmente. Sin embargo, a veces, mis discos favoritos no son precisamente los que están hechos con golpes geniales. Me gusta la parte más sutil y estrafalaria de la gente. ” The Edge   

 “En ese momento pensaba en Zooropa como la obra de un genio. Realmente creía que neustra disciplina pop encajaba con nuestra experimentación y que ése era nuestro Sergeant Pepper. Estaba un poco equivocado. La verdad es que nuestras disciplinas pop nos estaban defraudando. Nosotros no creábamos hits. Pero ¿qué hubiera sido de Sergeant Pepper sin canciones pop?”. Bono

“Nunca pensé en Zooropa como algo más que un interludio…pero muy bueno, como los interludios de verdad. Sin duda nuestro interludio más interesante.” The Edge

 *las declaraciones de los integrantes de la banda y de su manager, fueron tomadas de su obra autobiográfica “U2 by U2”

BJÖRK: DEBUT- 20 AÑOS DE POP ALTERNATIVO

El 5 de Julio de 1993, Debut el primer álbum en solitario de Bjork, luego de su alejamiento de los Sugarcubes, fue lanzado a través del sello One Little Indian en el Reino Unido. El disco toma elementos de la música dance, house, pop, jazz y clásica,  matizándolas con beats,  samples  e histriónicos alaridos, aullidos y tiernos susurros, además de un emergente género, el trip-hop, dando como resultado una exquisita sonoridad ecléctica contundente para los sentidos.

El pequeño sello había estimado vender un número de ejemplares basado en los seguidores de los Sugarcubes (40 mil copias), sin embargo el álbum llegó a vender 600 mil copias en tan solo tres meses.  Tal impacto, llevó al disco a colocarse rápidamente en los primeros lugares de los rankings musicales, en Reino Unido ocupó el puesto tres mientras que en EEUU alcanzó el sesenta y uno. Para el 2001  Debut  había vendido un millón de unidades en los Estados Unidos y más de 4 millones y medio a nivel mundial.   

Hoy 20 años después de su lanzamiento, Debut sigue sonando fresco e innovador, capaz de hacernos estremecer con su excepcional música y hacernos bailar y conmovernos al compás de su eclecticismo musical. A continuación unas breves líneas que pretenden recordar su concepción y darle un merecido homenaje a esta obra maestra del mundo moderno.    

ONE DAY

Primer álbum de Björk, 1977

Debut, no fue el primer álbum de Björk, la oriunda de Reykjavik, Islandia, ya de pequeña había dado signos de inconformismo musical, pues a los once años grabó un disco en solitario que tuvo  singular éxito. Luego formó parte de diversas bandas punks de espíritu vanguardistas, hasta que llegó a The Sugarcubes, pero apenas obtuvo su primer hit internacional en 1991, decidió desertar de la banda.

Björk comenzó a abrirse espacio en la escena  de clubes underground de Londres, con una cinta de grabaciones de música tradicional en la que los intérpretes ejecutaban sus composiciones infantiles, y apoyada por uno de los pioneros de la música de baile, Gragham Massey (808 State) daría rienda suelta a la exploración sónica en la búsqueda de plasmar su ideal musical.

Desde su época Sugarcube, Björk había trabajado algunos temas, los cuales grabó en un demo y se los entregó a la gente del  One Little Indian, entre las que figuraban “The Anchor Song” y “Aeroplane”. Otras canciones datan de fechas aún más antiguas, como “Human Behaviour” que fue escrita cuando era una adolescente. En cierta manera Björk tenía la mitad del álbum hecho algunos años antes de su aparición. 

De su experiencia con Massey, recogió las bases electrónicas para su obra, pero Björk deseó trabajar con un productor de jazz, conociendo a Paul Fox quien le presenta una serie de músicos que darían su aporte en diferentes temas de la islandesa, como los saxofones que se dejan escuchar en “Aeroplane” y “The Anchor Song”. Luego su novio Dominic Thrupp le presentaría a Nelle Hooper, quien había trabajado en los álbumes de  Sinéad O’Connor, Soul II Soul y Massive Attack. Con este productor congeniaría en esa búsqueda de innovadoras ideas sonoras, escribiría cinco canciones de la futura producción, y terminarían de completar la obra, a inicios de 1993.   

DEBUT (1993)

Nellee Hooper y Björk, algunos años después

"Debo haber escuchado cada una de estas canciones más de 500 veces desde que las comenzamos. Aún desde que las terminamos, pero todavía las sigo escuchando cada día. Estoy maravillado... ¡¿esto nunca se detendrá?! ¡¡Somos tan afortunados de tener la voz de Björk!!"                          Nellee Hooper.

El álbum fue para su época, una revelación musical sostenida sobre la extraordinaria voz de Björk, oscilante entre chillidos, alaridos, susurros y tiernos suspiros infantiles. Su sonido toma diferentes estilos musicales, algunos más electrónicos como el dance o el house, siendo temas como “Human Behaviour”, “Crying”, “Big Time Sensuality”, “There’s More To Life Than This” y “Violently Happy”, una muestra de ello, o  una atmosfera de música más académica, como los violines y vibráfonos de “Venus As A Boy”,  así como “One Day” y el jazz, como en las ya mencionadas “Aeroplane” y “The Anchor Song”. “Play Dead” tema grabado posteriormente y añadido en el relanzamiento del álbum, muestra la unión entre la electrónica y la música clásica, otorgándonos  una notable dosis de placentero dramatismo sónico. En ese ambiente cálido  y tierno también está el sonido de la armoniosa arpa de Corky Hale en “Like Someone In Love”.

La temática del álbum gira en torno a la preocupación que Björk muestra hacia el amor por otra persona. En “Venus As a Boy” habla acerca de la sensibilidad hacia su novio de entonces, en “Aeroplane” otra vez menciona su relación amorosa, además que la escribió mientras ella vivía en Islandia y su romeo en el Reino Unido.  

Debut tuvo cinco singles: “Human Behaviour”, “Venus As A Boy”, “Big Time Sensuality”, “Violently Happy” y “Play Dead”.  Todos alcanzarían buenas posiciones en los charts de música dance y modern rock, tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. El álbum fue muy bien aceptado por la crítica musical, otorgándole altas calificaciones en la mayoría de reseñas, NME comentaría: “un álbum que cree que la música puede ser mágica y especial”. 

En noviembre de 1993, el álbum fue reeditado en el Reino Unido, añadiéndose como bonus track el single “Play Dead”, una canción escrita para el film The Young Americans. En el 2006, se lanzó su versión más completa, un dual-disc, de Elektra/ Rhino Records, que contiene todo el álbum remasterizado y los videoclips de sus exitosos singles.     

Hay que destacar que el video de “Human Behaviour” fue nominado a uno de los premios Grammy de 1994. Mientras que en el Brit Awards de ese mismo año, Björk ganó las categorías “Best Newcomer” y “Best International Female”.  

Dvd, MTV Unplugged

El dvd Björk MTV Unplugged, es una excelente muestra, de lo placentero y ensoñador que podía resultar observar la actuación de la islandesa y sus músicos, quienes con diferentes instrumentos como el clavicordio o copas con agua, entre otros, nos muestran que eran capaces de sacar música aún  de las piedras. Escuchar la voz de Björk, se convierte en toda una experiencia, demostrándonos  con cuanta facilidad podía pasar de los graves a los agudos, de los gritos al susurro, de los aullidos y  chillidos a darle melodía a su voz, simplemente nos termina conmoviendo y cautivando con su encantadora y peculiar manera de cantar.  

Debut con el pasar de los años se convertiría en un  clásico de los noventas. En sus recuentos de finales de la mencionada década,  muchas revistas la colocarían entre los mejores álbumes de ese decenio. Björk  nos sacudió los sentidos ante su ecléctica propuesta, embargada de sensualidad sonora, aquella que nos seducía a ver al pop de una manera diferente y que nos invitaba a ir diciéndole adiós a nuestros “endiosados” ochentas, la vanguardia e innovación sonora había llegado, Björk estaba dispuesta a que su obra no sea tratada con indiferencia por sus oyentes, pues era un atinado golpe a los sentidos. En sus siguientes entregas, la islandesa nos seguiría entregando una serie de álbumes, uno más alucinante que otro, pero Debut  fue el punto de partida para caer rendido a los pies de esta adorable criatura sónica.