ECHOES OF BLUE : JAKO. Reseña

ECHOES OF BLUE

JAKO

(2018)

Hacer un degree en música, llevó a nuestro compatriota, Jack Prizant, Jako, a trasladarse hasta Inglaterra y asentarse en la zona costera de Brighton, para “crear desde el espacio, la calma, la ansiedad y la melancolía” su primer álbum, el cual le tomó año y medio su producción.

Son trece piezas de pop atmosférico, que transita entre el “vapor wave”, “trip hop”, “chill-out” y el “dream pop”, sobre bases “hip hop”, de singular estética “lo-fi”, embargadas por la melancolía y dispuestas a generar sosiego en su oyente.  Es así que, a lo largo del disco podemos disfrutar de sutiles percusiones, suaves “beats”, cálidas ambientaciones, guitarras etéreas, voces procesadas y otros elementos sonoros, que se encargar de recrear música para estar en un lar costero, divisando paisajes relajantes. En esto quizás haya influido bastante el grato ambiente de su residencia actual.

Jako en Brighton. Foto: Facebook Jako

Lindos y melódicos arpegios, a lo R.E.M, con reciben en la inicial “Pixy”, que resultan sedantes para nuestra alma, así como su volátil percusión. Sintetizadores híbridos, sobre percusiones espectrales y minimalistas, giran lentamente en “Blue”. Audios de voces transmitidas por radio, sobre nostálgicas líneas de teclados transitan en la enigmática “11.11”.

Acompañada por unos suaves “beats”, pero de contagioso ritmo, emerge la espectral voz de Jako en la vaporosa “Perspectiva”, con unos finos punteos continuando una delirante marcha. Con quietud y de manera hipnótica, se suceden los misteriosos sintetizadores y guitarras de “Hologramas”. Bajo ese mismo ambiente de calma, sigue su melliza sonora “April”, aunque de tonos menos brumosa, y seguidas por moderados bongoes y guitarras de rasgos hawaianos.

En “Melancholia”, nuevamente agradables arreglos de cuerdas caminan sobre otros de caja de ritmo, casi artesanal. Los sintetizadores tenebrosos e incógnitos de “Figures”, algunos agudos y otros más intensos, nos intimidan sobre la base de un fantasmal y aletargado “loop”, exhibiendo trazos más cercanos al IDM. Por cierto, uno de mis temas favoritos del disco.

En el Patchest Festival. UK. Foto: Facebook Jako 

Los resonantes punteos de “Prisms”, son capaces de ir creando emotivos parajes oníricos en quien los escuche, otra joya del disco. Más hermosos sonidos cuerdas, de dimensiones atmosféricas, nos apacigua el cerebro en “Sunsets”. Mientras que las conmovedoras ambientaciones tanto en “Cronos” como en “Κατσίκια”, resultan narcóticas. Finalmente, los etéreos riffs acompañados por un precario arreglo de percusión en “Dreamer”, ponen el punto final para esta bella jornada por los senderos del relax, por donde Jako nos ha conducido.

Este álbum es sencillo, minimalista, volátil e hipnótico, y a su vez nos sorprende con su contundente belleza sonora, con la que nos vemos inmersa al disfrutarla. Un ensoñador trabajo, del cual deseamos no despertar. Sin duda, estamos ante el mejor debut del 2018.  

TODO ES PARTE DE TODO Y TODO SE DESVANECE EN EL AIRE : MF1914. Reseña

TODO ES PARTE DE TODO Y TODO SE DESVANECE EN EL AIRE

MF1914

(2018)

Tiempo atrás, no recuerdo bien si fue el año pasado, me encontraba buscando y escuchando lanzamientos que habían quedado relegados de los recuentos anuales. Uno de ellos, y que llamó mi atención fue MF1914, por la calidez de sus sonoridades “chill-wave” y “vapor-wave” o el frenético techno de “Una temporada en el nintendo”. Su obra A propósito de flores ¿y dónde están los poetas?, me dejó con las ganas de saber más sobre el proyecto.

La vida, sus vicisitudes y el tiempo, borraron de mi memoria cualquier plan para editar algo sobre MF1914, hasta que al comenzar el mes de noviembre me llegan innumerables mensajes a la bandeja de entrada del Messenger de Tesoros Mundanos, incluso del 2017, que por razones desconocidas me habían sido retenidas. Bueno uno de estos (con fecha agosto), pertenecían a un tal “Jean Bastian”, invitándome a escuchar su nueva canción, “Sint-ética” de su proyecto de música electrónica MF1914 y que sería parte de su nuevo LP. Vaya sorpresa. Fue así que inmediatamente fuimos en la búsqueda de su nuevo registro en el bandcamp.  

Todo es parte de todo y todo es desvanece en el aire a decir de su creador es un disco conceptual inspirado en la cultura Cyberpunk (“Blade Runner”, “Ghost In The Shell”, “Animatrix”, “Akira”, “Lain”, etc.), cuya imagen de portada, evoca al emblemático film de Ridley Scott. Un trabajo donde trata de encontrar su propio significado de lo que llama VIDA, una jornada sónica a través de diversos senderos del sonido sintético, para finalmente “fundirse” en ellos como sentencia.  

Las once pistas instrumentales que conforman el álbum, fueron compuestas desde el 2017. Siendo su conmovedora “Primer Acto”, su primer “track” en elevarnos vuelos surrealistas. Este preludio transita como una mixtura de “ambient” y electrónica, con voces orientales (tomados de los filmes antes citados) y ambientaciones de ciudad nocturna, como figura en su carátula. Luego, fluye la cibernética hibridez de “Sint-ética”, con unos retumbantes “pads” de percusión, dispuestos a crear fisuras en la ambientación.

Sintetizadores disonantes y espaciales transitan a placer en la vaporosa “Todo es parte de todo”, acompañada de “beats” minimalistas. 
Más ambientaciones gaseosas se suceden en “Solo suspiros”, para quedar a solas sobre el final, finas percusiones, riffs y delicados teclados. Caótico rock transita por “72826”, sobre envolventes audios espectrales, capas “noise”, atronadoras percusiones, "loops" de cortes industriales, para un final entre distorsiones atmosféricas, tambores de rasgos tribales, y cuerdas melódicas. Una verdadera delicia.  

Los sintetizadores etéreos y ambientaciones gélidas retornan con “Materia en movimiento”, alternado singulares teclados de trazos saturados, densos y dramáticos, junto a arreglos de guitarra New Order. Tras un inicio claustrofóbico, el misterioso “ambient” de “Actualización”, exhibe un halo de luz, merced a sus melancólicos arpegios. La astral “Solo después será lo que es”, es un brevísimo viaje por parajes oníricos.

Los disonantes teclados vuelven a hacer acto de presencia en la volátil “Todo se desvanece en el aire”, y adquiriendo niveles más intensos en “Cierre”, pista precedida por el sampleo de la voz de Roy Batter (en medio de la lluvia), en las escenas finales de Blade Runner. Finalmente, la reflexiva “Segundo Acto”, con sus agudos sintetizadores, suena realmente conmovedora.

El “incógnito” Jean Bastian, tiene mucho porque sentirse satisfecho, pues lo que realiza con sus sintetizadores (y también con guitarras y percusión) en MF1914 resulta apasionante. Quizás el sonido repetitivo de algunos teclados puede jugar en su contra, pero es parte de su característica y estilo, del que avizoramos un prometedor futuro y que lo viene forjando desde su estreno en el 2015.

RETROSPECTIVA

UNA NUEVA ERA:GELATINA MAGMA. Reseña

UNA NUEVA ERA

GELATINA MAGMA

Dorog Records

(2018)

Tras la publicación de sus EPs “3R3MIX3S” y “Triada”, el dúo de pop experimental, Gelatina Magma, por fin lanza el sucesor de su auspicioso debut Así de Simple (2015). Se trata de Una Nueva Era, que, al decir de sus autores, su temática (Y nombre del disco) se centra en la búsqueda de la belleza y la reflexión personal frente a un entorno lleno de cambios vertiginosos.

Es así, que, bajo ese anhelo estético, el segundo álbum de la pareja conformada por Ángela Ruesta y Giancarlo Samané, sentencia una renovada etapa en su música, que quizás no capture de inmediato, pero varias escuchas, nos revelará que estamos ante un exquisito trabajo de fusión pop, de singulares rasgos psicodélicos, donde se explora con sonoridades electrónicas, ritmos afroperuanos, toques de bossa-nova, jazz, huayno y vals, concibiendo varios cortes destinados para la danza. Así como samplers de destacados artistas peruanos: Nicomedes y Rafael Santa Cruz, Susana Baca, Alex Acuña y José Watanabe.

Foto: Facebook del dúo.

La orientación poética en sus liricas, es otra característica del álbum, aunque esta práctica viene desde el disco anterior y los trabajos de Samané como Polvos Azules, apelando también a sus reconocidas críticas satíricas y tomando prestadas composiciones de los poetas como José Watanabe, Blanca Varela y la cantautora Susana Baca.

Esta “nueva era”, arranca con la melódica “Comas”, con su inquieto, inocente y juguetón pop de sintetizador. Más sonidos sintéticos se ensayan con “Caminante Nocturno”, sumándose a ellos, percusiones y saxofón, para converger en una reconfortante pieza de rasgos bossa nova, por donde Ruesta en dueto con Samané intercalan el canto y lectura, respectivamente, sobre la capital, una característica que siempre hemos celebrado en las composiciones de los Gelatina Magma.      

Foto: Facebook del dúo.

El primer single del álbum, “Reflejos (Original Mix)” exhibe bases de sutiles percusiones, repetitivos golpes de teclados y otras eclécticas líneas de sintetizador, con las creativas rimas presentes nuevamente, para terminar, tras su comienzo minimalista, con aproximaciones jazzísticas.

El misterioso y progresivo preludio de “Epitafio en el Parque”, encaja a la perfección con las voces y susurros etéreos de Angela Ruesta, al interpretar el poema de Blanca Varela, resultando hermosas las enigmáticas cuerdas in crescendo que se ejecutan, confabulándose ruidos, ambientaciones, zumbidos de moscas y la irrupción de percusiones de rasgos andinos, para crear una atmósfera extraña y elegante a la vez, que en verdad resultan irresistibles. El mejor corte del disco.  

Giancarlo Samané. Foto: Facebook GM

En “Juguete”, de sonidos inocentes y lúdicos, pero enrarecidos, junto a la armónica, acordeón y xilofón, se recrea un infante carrusel, dejándonos en el ambiente ciertos tufillo vals. Luego, “Diadema” (Segundo single del álbum), se erige como una joyita de pop ecléctico y bizarro, además de poseer un contagioso ritmo, de embelesadores sintetizadores new wave, cerrando con intrigantes teclados.

La pista más experimental del registro, es sin duda, “La Piedra Alada”, cuyos ensayos electrónicos, y exploración con diversas sonoridades de teclados, algunos sonando saturados, otros híbridos y de aproximaciones “extraterrestres”, conciben una pieza compleja, dejándose escuchar sobre su final el sonido de los pelícanos y las liricas del poema en referencia, pertenecientes a José Watanabe.  

Ángela Ruesta. Foto: Facebook GM

Más fusión pop, se presenta con los intrigantes teclados y extrañas sonoridades de “Tome Aire”, reforzada por sus golpes “synth-pop” de orientaciones futuristas, para finalmente ser seducidos por el atractivo festejo, ¿electro?, de “Oda a Malanga” de Susana Baca. Cerrando el disco, el remix de Luján para el tema “Reflejos”.

Gelatina Magma, nos vuelve a encandilar con estos cortes de gran factura, dentro de los terrenos del pop psicodélico, listos para deleitarnos en cuerpo y mente. Que siga el delirio Ruesta-Samané.

RETROSPECTIVA

THEREMYN_4: ENTRE LA DANZA INTROSPECTIVA. Dossier.

El tiempo ha pasado como un chasquido de dedos, desde aquella tarde del 2001, cuando un joven José Gallo se presentaba en el programa televisivo de Pedro Cornejo, “Distorsión”, para sorprendernos con la presentación de Theremyn_4, su proyecto electrónico, bien abstracto por aquel entonces, pues los antecedentes del músico se remontaban a su paso como baterista de la banda “grunge” Huelga de Hambre. Así que observarlo interpretando música sintética representaba un giro de 360° en su carrera. Diecisiete años después, tras cuatro años de último disco, el músico y productor está de vuelta con un nuevo álbum, Lost Moments.  

BIO

Narcosis marcó la adolescencia de José Gallo e impulsó a hacer música, formar parte de una banda y componer canciones. Pero tres aspectos lo condujeron hacia la música electrónica: sus estudios de ingeniería de sonido, su pasión por las matemáticas y el impacto del Dig Your Own Hole de los Chemical Brothers, así como el ritmo divino de Massive Attack. Justamente, al seguir un curso de historia de la música electrónica, lo terminaría de convencer de abrazar este género (El jazz y el pop serían otras de sus pasiones musicales).

Al conocer la historia de León Theremin, queda cautivado con esta y decide honrarlo, poniéndole su apellido como nombre de algún futuro proyecto. Mientras tanto seguía tocando la batería en Huelga de Hambre y aplicando sus nuevos conocimientos, como insertarle secuencias a la percusión, pero, aun así, sentía que sus afanes experimentales tenían un límite dentro de la banda, factor que lo llevaría a retirarse y partir a Los Angeles, donde continuaría sus estudios de rock y jazz en el Musician Institute de Hollywood.

La adquisición de nuevas experiencias, y sus anhelos innovadores, lo llevan a fundar Theremyn_4 en 1999, cumpliendo así con la inspiración recibida años atrás. El “_” adicional, lo colocaría por la manía suya, como programador, de no dejar espacios en los nombres de los archivos y el “4” según él, por cuestiones personales. Había nacido uno de los proyectos electrónicos más interesantes de nuestra historia.  

FLUORESCENTE VERDE EN EL PATIO (2000)

La presentación en sociedad de Gallo como solista, nos muestra una obra plagada por “breakbeats” y “drum’n’bass”, como en la frenética “AM”. Más tirada para el “trip-hop” se muestra la enigmática “Motel”. Mientras que en cortes de rasgos “electro-rock” como “Al fin te encontré mañana” o “Intraterreno”, el ex baterista combina ese pasado rockero con su novedosa inquietud sintética. También se aprecian trazos experimentales, como los sampleos de sonoridades andinas para “Chambi” o la abstracta “Carmín Ciclón”, pista más emparentada con el IDM. Finalmente, su bagaje pianístico quedaría demostrado en la reflexiva “El aire que respiramos es el mismo”. Sin duda, Gallo conseguiría un estupendo debut que despertaría el interés de los medios alternativos de la época.      

Posterior a la edición del álbum, ingresaría el guitarrista Chisco Ramos para las presentaciones en vivo, para realizar peculiares arreglos y riffs.

MI VIDA EN INFRARROJO (2001)

En esta ocasión los ritmos galopantes desaceleran, para dar paso a ambientaciones de rasgos introspectivos y enigmáticos, donde Gallo traslada su influencia jazzística en temas como “Metro de Lima” o “Cine Balta” y experimentando con sonidos más lánguidos como en la extensa “Cristo Infrarrojo” o “trip-hop” en “Quién es Barry”. El único acto que se sale del cuadro de la obra, es la electrónica vertiginosa de “Cetáceos”, que por momentos transpira gotas “jungle”.

Todos los cortes del disco fueron extraídos de la muestra de seis horas "Modular 12º 06' s / 77º 01' o Park-O-Bahn" que Gallo compuso para la maratónica transmisión de música electrónica peruana que se realizó en el parque Kennedy de Miraflores, junto a otros actos electro.

Por aquella época José Gallo se asocia al VJ Renzo Signori para trabajar con las instalaciones y fiestas experimentales. Luego, el músico prepararía algunas remezclas para discos compilatorios, como el alabado Tributo a la niñez (2002) participando con el tema del anime japonés de finales de los 70’s “Festival de los robots”, la versión de “Danza de los cristales” de sus adorados Narcosis para el recordado Caleta Finale (2002) y “Basura Humana” de los subterráneos Flema, toma que fue parte del CD tributo al rock subterráneo.  

LIMA/TOKIO/LIMA (2004)

Aquí convergen los sonidos experimentados en anteriores actos, para reproducir un sonido maduro, desde la maquinaria misteriosa de “El efecto mariposa”, el irresistible frenesí de “Escape en un simulador de vuelo”, la ambientación cibernética de “Hong Kong film”, el desenfadado “electro-rock” de “Deconstruyendo Tokyo”, la psicodélica “Supertrain ‘74”, que llegó a ser la característica de un programa de Tv por cable,  las resonancias etéreas de “Clavícula”, el jazz espacial y alucinado de “Panasonic Jazz Suite”, el “dowtempo” de “Hypervínculo” hasta la meditabunda “Lucidez”, logrando un sobresaliente trabajo que sería sindicado entre lo mejor de aquel año por varios críticos.

Ese mismo año (2004), Theremyn_4 editaría un registro inédito, y por lo tanto pionero para nuestro medio, un álbum de remixes de temas de bandas peruanas como Catervas, Gaia, Zen, Sónica, entre otras, y “reworks” de sus propias pistas, titulado Peruvian Remixing Co.

SPACETIMEBOMB (2006)

Quizás el disco más ecléctico de Gallo, donde se suman a sus ya visitadas ambientaciones electrónicas de fusión jazz, “breakbeats” y “electro-rock”, el techno y el “acid house” para concebir piezas (salvo un par) que tienen por destino la hedonista pista de baile. Además de ser el primero donde introduce liricas e invitados en las voces, siguiendo el patrón de sus adorados Chemical Brothers.

En "Rocknho", ensaya con sampleos de "Vida Actual" de Narcosis, para entregarnos una pista compacta de rock sintético. En "El Futuro Buda" nos lleva al delirio gracias al sonido de un saxo sampleado y asfixiante bajo. Los susurros etéreos que preceden al canto de Paco Holguin (The Emergency Blanket) flotan sobre delirantes y frenéticas sonoridades “acid house” en “1984”, así como la volátil “Supercontexto”. Más atropello electrónico, pero de rasgos enigmáticos se exhibe en "Ciudades Invisibles".

El lado introspectivo del disco lo pone "Guernica", mientras que el minimalista y experimental, está a cargo de "Vesica Piscis", así como "Sputnik", donde se deja escuchar fragmentos de una retransmisión de cosmonauta ruso Yuri Gagarin. El arrebato de “breakbeats” y “drum’n’bass” de "Propaganda” resulta palpitante, y los nostálgicos teclados de “Barranco", seguidos por sonoridades sinfónicas hasta su culminación, pondrían el final para un disco elegante y creo poco entendido en su época. 

INFLAMABLE (2009)

El 2008 José Gallo invita al DJ Nicolás Miranda a ser parte de su proyecto. La idea era tornar algo más bailable la música de Theremyn_4. Se ensayaría con reversiones de los temas ya compuestos, para presentarlos posteriormente en vivo, surgiendo la idea de preparar un álbum de “remixes”, pero esos trabajos primigenios y así como retazos sonoros extraídos de las canciones, dieron pie a crear nuevos temas, partiendo del concepto del “cut-up” inspirado en William S. Burroughs y sus experimentos en conjunto con Brion Gysin.

Así tenemos, por ejemplo, en “Shangai Girl” el piano de “Hong Kong Film”, las secuencias de “Rocknho” para “La vida actual” y de “1984” para “Milnueve84” respectivamente, o la colaboración de Cocó Ciëlo para el remix de “Ciudades Invisibles” quedando firmada como “Soy Invisible”. En sus performances en vivo el dúo exhibiría sus temas con rasgos más compactos y duros, como fuimos testigos en su presentación para abrir el concierto de Alan Wilder (Recoil) en Lima.   

Para conmemorar los 10 años de Theremyn_4, José Gallo prepararía “Espacio Circular (1999-2009)”, un video de nueve minutos que resumiría su trayectoria electrónica.  

FICTION BEATS (2011)

En este disco, José Gallo vuelca todo su bagaje electrónico para tamizarlo con estructuras pop, logrando un álbum más cromático en relación a sus antecesores, quizás se deba a ello el color amarillo de su portada, cuyo diseño, además, evoca las obras artísticas de la “Madchesteriana” Factory Records.

Otro aspecto destacado del álbum, fue su producción, donde Gallo logró armar un equipo de trabajo, que contó con la colaboración de Gabriel Lucena (Entre Ríos), Jason Fashe (Vorace) y Jorga Azama (El sonidista en vivo de T_4). También cabe destacar la esmerada concepción de las liricas, pues casi todos los cortes las contenían y podríamos sentenciar que Fiction Beats es el primer disco de Theremyn_4 en contener “canciones” más que temas instrumentales o voces sampleadas. Entre estas resaltan la colorida “Fiat Lux”, con Paco Holguín nuevamente colaborando en voces, toma que resulta toda una delicia para el cuerpo. El adictivo “house” de “Colors Fade Away”, la embriagadora “Urban Daemon” con sus ambientaciones ibicencas, la repetitiva y envolvente instrumentación sintética de “The Spin of all Things”, la cuasi balada “Bye Bye Mars”, el galopante techno de “Enigma Machine” y la densa “Zen Billionaire”, además de un abrasivo “track” oculto, atestiguarían de un disco redondo.

Fiction Beats marcaría un punto de quiebre para Theremyn_4, llevándolos a presentarse en países como Canadá y Argentina, y hacerse merecedores de premios y distinciones dentro del ámbito nacional como internacional. Para las presentaciones en vivo, Gallo reclutaría nuevamente a Chisco Ramos en guitarras y Lu Falen en voces, con el apoyo de Rafo Pereira en los visuales, es decir casi una banda, aspecto que cimentaría las bases para su siguiente entrega.

THE NEXT WAVE (2014)

Justamente, para su octava entrega, José Gallo armaría su “banda”, con Lu Falen en las voces y José Mendocilla en las guitarras, proporcionándole mayor versatilidad, matices y texturas al sonido de Theremyn_4, apreciándose en sus temas, sonoridades orientadas al new wave, denotando trazos y guiños New Order, “acid house” tipo Cabaret Voltaire o 8O8 y trayéndonos a la memoria lo realizado por los primeros Electronic y, aun, yendo en pos de sonidos más rockeros.

The Next Wave nos envuelve con sus ambientaciones siderales y futuristas, introduciéndolos por un universo de “beats”, programaciones, “grooves” y sintetizadores. Con respecto a sus “tracks”, podemos resaltar las guitarras sintetizadas de “Roads under the river”, presentando influencias New Order y Electronic. El avasallador electro pop de “Cygnus”, el “big-beat” de “Find My Self Tomorrow”, el pegajoso “house mancuniano” de “Airport Blues”, surtiendo efectos narcóticos, las maquinales percusiones con sutiles guitarras expuestas en “Dance Till The Live Is Gone” o la alucinante “Empire”, son temas perfectamente bailables. Mientras que “Pull Plug” evoca las sonoridades industriales y guitarreras de Nitzer Ebb en su etapa “Showtime - Ebbhead”.

Por otra parte, en este disco, también se presentan trazos de fusión, como en “All We Adore”, donde sus repetitivos y punzantes golpes de “synths” recrean casi una marcha “dub” o “reggae”. De lo más arriesgado y exquisito del álbum. Finalmente, como todo disco de T_4, la cuota introspectiva la ofrece “A Tree Is a Lightning Is a Tree”, cuyo relajante “downtempo” resulta somnífero.  

LOST MOMENTS: ENTRE LA DANZA INTROSPECTIVA 
(2018)

Hypersfera

José Gallo emprende esta nueva aventura en solitario, aunque como es su costumbre con invitados y colaboradores, presentándonos un registro sonoro que transita desde lo bailable, pasando por lo experimental, hasta llegar a lo intimista, entre la danza introspectiva, y teniendo a la melancolía como aliada.

Dos años le tomó a Gallo construir las estructuras pop de este registro, concebido en paralelo a su serie de remixes denominada Lost Data (2017). Con respecto a sus influencias para este disco, el músico y productor ha manifestado que “han sido la música para cine y la literatura”.

Las bases “big beat” en "Decoherence Process”, reproducidas con languidez, llenando el ambiente de cierto misterio, junto a sus marciales percusiones y enigmáticos timbres, nos dan la bienvenida a un mundo sonoro que nos deja en la intriga de lo que irá sucediendo con el resto del disco. El embelesador pop de “Walking With You”, interpretado por Paul Marabotto, cantante y compañero de colegio de Gallo, quien radica en Florida, es la gran pieza del disco y la que nos ofrece el primer brochazo melódico del mismo.

En “Burning Streets of Sound", escuchamos la voz de Paco Holguín (Emergency Blanket) y el bajo de Diego Larrañaga (Huelga de Hambre) recorriendo por senderos electrónicos de rasgos dancísticos. La intimidad “soul” se hace presente con la participación de la bajista y cantante colombiana Ana Gonzáles, del proyecto Brina Quoya en "Oleaje de ligera intensidad". Luego, la intricada electrónica, sumada a percusiones inconexas, resultan sumamente sugestivas en la abstracta "The Speed of Dark".

José Gallo retorna a la batería, en el "track" "Dignity of an Iceberg"

"Dignity of an Iceberg" se convierte en el primer tema de Theremyn_4, donde José Gallo retorna a las baquetas, una delirante mixtura se sonoridades Vangelis y Rush (una de las bandas favoritas del músico) en franco ascenso al espacio. El sonido de percusión que ofrece el baterista, me recuerda mucho a las ejecutadas por Alan Wilder (Depeche Mode) para el Songs Of Faith And Devotion (1993) y su respectiva gira. Siguen, los elegantes arpegios de piano para la reflexiva “Uchronia".  Sonidos surrealistas, futuristas y por momentos tétricos se suceden lentamente en la misteriosa "Diamond Glory". El punto final, lo pondrá la “ambient” "Gone, Like a real Girl". Sentenciando una jornada entre ambientes festivos, fantasiosos e íntimos.

Lost Moments como señalamos en el título, es un disco que nos sitúa entre la danza y la introspección, y como cada disco de Theremyn_4, nos sugiere nuevas emociones; y como para conmemorar sus casi dos décadas de trayectoria, presenta otro efectivo acto más de experimentación electrónica, que esperamos “non stop”. 


RETROSPECTIVA



https://open.spotify.com/playlist/40ZEg820rIIR9WuWPqZgZb

ECHOES EP : JUAN NOLAG. Reseña

ECHOES EP

JUAN NOLAG

Buh Records

(2018)

Juan Nolag es el seudónimo que utiliza el productor Juancho Esquivel, también tecladista de Catervas, para firmar sus obras sintéticas, cuya “idea principal es transmitir musicalmente las sensaciones, percepciones y experiencias que ocurren en diferentes momentos de la vida de un ser humano”.

Apelando al uso de sintetizadores, para armonizar bellas pistas de corte “synthwave”, Esquivel presenta a través de su EP, el primer episodio de una serie de obras que irá editando y que formarán parte de su proyecto al que denomina "historia de toda una vida".  

Foto: Facebook del músico

Echoes es un trabajo que nos impulsa a deambular por diversos sentimientos, como la nostalgia o la esperanza. Las enigmáticas sonoridades de su tema inicial, sobre tensos teclados y rítmicas secuencias, nos trasladan por dramáticas ambientaciones, de rasgos melancólicos. Más sintetizadores sobrecogedores irrumpen en “Long Journey”, con espaciales percusiones electrónicas, convirtiéndose en una pieza ideal para amasarnos el cerebro, transportarnos hacia la estratosfera y conducirnos hasta un triunfal final.

Más resonancias espaciales atravesando el firmamento se suceden en “The Ocean Around”. Luego la fluida electrónica de “First Breathe”, de sonidos densos, nos introducirá por ambientes más tensos. Finalmente, el retrofuturismo de “Homecoming”, merced a sus líneas de sintetizador, y pads, de rasgos IDM, nos recuerdan a actos como los Boards of Canada.  

Esta primera entrega conceptual de Esquivel, nos deja embelesados, pues su música posee el don hurgar en la memoria nuestros recuerdos de infancia, adolescencia y ahora de “viejos”, ese placer de visitar el pasado, cuando creíamos en la utopía futurista.

THE CHURCH OF THE PUPPIES IN THE SUN EP : PUPPIES IN THE SUN. Reseña

THE CHURCH OF THE PUPPIES IN THE SUN EP

PUPPIES IN THE SUN

Buh Records

(2018)

La dupla nacional, Cristóbal Pereira (Percusiones) y Alberto Cendra (Sintetizadores y samplers), Puppies in the Sun, nos presentan su segundo EP en lo que va del año, nuevamente a través del sello capitalino Buh Records.

En esta nueva entrega, el dúo reúne tres pistas que exhiben un sonido más orgánico en relación a las sonoridades etéreas y tribales que presentaban en su anterior trabajo, dando mayor protagonismo a las percusiones y distorsiones. Tres instrumentaciones predominan en cada “track”: distorsiones de sintetizador, tambores y platillos, respectivamente. Los ambientes que recrean siguen siendo intrigantes y misteriosos, pero sus distorsiones sintéticas, que parecieran samplers de guitarras, adquieren rasgos más densos, trayéndonos a la memoria a los inquietantes Sunn o))) y sonidos emparentados con el "drone".

Puppies in the Sun, Cristobal Pereira y Alberto Cendra.Foto:Facebook del dúo. 

La breve “The Church of the Puppies in the Sun”, nos asalta los sentidos con su maciza sonoridad, soportada por corrosivos sampleos de distorsiones guitarreras, listas para hacer combustión, teniendo a portentosos arreglos de percusión como fondo. En “Esto es Puppies in the Sun” sus oscuras y enigmáticas ambientaciones giran en torno al compacto sonido de la tarola, con distorsiones y osciladores que se disputan la supremacía del paisaje sonoro, concluyendo con una robotizada voz replicando “esto es puppies in the Sun”.

Para el final, la pareja nos prepara una marcha metálica, donde el baterista Cristóbal Pereira desfoga su euforia contra los platillos, seguida por perturbadoras ambientaciones, cuasi claustrofóbicas, de rasgos industriales, por momentos siniestras, sembrando más intriga en el panorama, los intensos teclados que surgen sobre el final y los estallidos de percusión que cada vez se tornan más ensordecedores. Este arrebato de furia recibe el nombre de “Unidades Astronómicas”.

A pesar de su corta duración, pues no hubiera gustado disfrutar de más minutos de música, podemos sentenciar el sonido de Puppies in the Sun en esta ocasión se presenta más contundente y directo, de frente a la vena sin rodeos, o divagaciones por paisajes volátiles, un “cachetadón” en primera, como para “madrugarnos”.  Finalmente, nos quedamos con la incógnita respecto al título del registro, ¿acaso alguna referencia a una hermandad secreta de la que forman parte, o nos invitan a ser parte?

SPACE SURFER : PIERRE CUETO. Reseña

SPACE SURFER

PIERRE CUETO

Mosquito Records

(2018)

Lo que realiza el bajista Pierre Cueto, a través de su correcta placa debut, Space Surfer, no es un simple y efectivo acto más de revival “surf-rock”, “garage rock” o psicodelia, sino agrupa ocho piezas instrumentales de trazos arriesgados y frenéticos en búsqueda del delirio, que resultan ideales para emprenden “vuelos” retrofuturistas con vista al mar.

Para este disco, el bajista reclutó al saxofonista Luciano Cadenas, el otro gran artífice del sonido del disco, Jack Bastante (Batería y guitarra), y otros músicos quienes participaron en algunos temas, como Stefano Obregón y Alejandro Malpartida en las guitarras. La gesta del disco comienza cuando Pierre Cueto comparte sus registros a Eloy Stomia (Los Stomias), una de las cabezas del naciente sello Mosquito Records, discográfica avocada a los sonidos 60’s surf y garage, y éste no duda en editarlo como su primer lanzamiento oficial.

Sobre Space Surfer, el sello sentencia: “una mezcla de sonidos y tiempo, una visión surrealista del surf que cruza la frontera del surf sesentero hacia estilos propios de los setentas como el punk, funk y jazz...”

Con respecto a los “tracks” que conforman el disco, todo empieza con una cresta vertiginosa de riffs y frenético saxofón dispuestos a sacudirnos el esqueleto, en la pieza inicial que da nombre al trabajo, cuyas retorcidas cuerdas nos somete a un ambiente repleto de adrenalina. Siguen las “robustas” guitarras y saxofones de “Verano Púrpura” que, junto a otras cuerdas de rasgos etéreos, corrosivos y delirantes arreglos, nos elevan los sesos por las nubes. Con ciertos toques de jazz experimental prosigue “Tres”, donde transitan solos de saxofón, arreglos de “wah-wah”, reverberaciones, intrigantes resonancias de guitarras y densos arreglos de bajo.  Un demoledor y áspero riffs nos captura en “Anubis En La Luna”, abriendo paso para ambientes volátiles, por donde flotarán sugestivos sonidos de saxofón, con arreglos de percusión y bajo, alternando roles estelares.

La desacelerada “Blues Space”, nos propone momentos de relax y confort, donde nuevamente nos vemos envueltos por las seductoras sonoridades del saxofón, pero luego unos saturados, ásperos y filosos riffs, nos impulsa hacia la divagación de pensamientos, donde las guitarras se tornan cada vez más abrasivas y distorsionadas, alterando el sosiego y llevándonos a la enajenación hasta su caótico final. Bajo esa enturbiada atmosfera continua la marcha progresiva de “Apocalipsis Nibiru”, de hipnótico saxo, rítmica percusión y una guitarra que luce más punk que nunca, logrando ritmos que nos animan a ensayar una danza enferma. Mientras que volátiles arreglos con el “fuzz” y el “wah wah”, más un narcótico saxofón, nos acogen en “Reloj Lunar”.  

Finalmente, en “Enki Swing” asoman nuevamente los arreglos de “wah wah”, saxo y percusión, y algunos rasgos jazz sobre el final, donde Cueto resume las sonoridades expuestas a lo largo del registro.

La pintoresca y psicodélica portada del álbum, donde se observa la caricatura de Pierre surfeando y tocando su bajo, llevando un casco puesto, sobre una gran ola y en medio de un colorido paisaje, con una asustada sirena y monstruo marino incluidos, al igual que el diseño tipo cómic para “Pulp Ficition –Surf Themes” de Los Stomias, son aspectos que parecen englobar el concepto artístico que el sello desea imponer a sus obras.

Mosquito Records anuncia el próximo lanzamiento de un registro de una banda extranjera y el anhelo de fichar nuevas propuestas a nivel nacional e internacional.    

“EL PODER DEL SOL”-VERANO DEL 83.

RESEÑA VIDEOCLIP

“EL PODER DEL SOL”

VERANO DEL 83

Los trujillanos de Verano del 83, acaban de lanzar el video de “El poder del sol”, el primer single de su próxima producción que será lanzada en unos meses.

Se trata un simpático clip donde se aprecia a su compositora creando en solitario las líricas del tema, acompañadas por un dibujo, para luego buscar al resto de los integrantes de la banda e iniciar un “peregrinaje” por Otuzco (Provincia de la sierra Liberteña), paralelamente también participan dos féminas quienes representan una relación que pareciera va más allá de la amistad.

La nueva composición de los norteños, resulta fresca y encantadora, pues el sonido protagónico que asume las ensoñadoras cuerdas del ukele a lo largo del tema, resultan acogedores, transportándonos hacia ambientes embargados por la inocencia y el sosiego, exhibiendo sonoridades oscilantes entre el “folk” y el “dream-pop”.

El videoclip fue producido y dirigido por Jairo Rubén Valdivia Cabello-León, mientras que la producción musical estuvo a cargo de Anderson Ponte, quien también se encargará del trabajo del segundo disco que, con tan encantador adelanto, nos deja con la expectativa al tope.

BIO

Conformada por por Miky Bendezú (Guitarra), Hanny Del Castillo (Voz y segunda guitarra), Diana Ruiz “Derc” (Guitarra, Ukelele y voz), Christie Muñoz (Bajo), Carlo André Lozano (Batería) y Alisson Vilela (Teclado), la banda lanzó el año pasado su primer trabajo, “Llévame a Casa”, editado por el sello internacional Emma’s House Records de México.

La carrera de Verano del 83, se inicia el 2011, en su natal Trujillo, por el puro anhelo de crear música simple y hermosa, teniendo su soporte sonoro en las guitarras melódicas de rasgos atmosféricos y ensoñadores, acompañadas por tiernas letras. La banda cataloga a los estilos que desarrolla en su música como “’dream-pop’ y ‘twee pop’ fresco y adolescente”.  Su carismática propuesta, los ha llevado a presentarse en sesiones en vivo para la cadena irlandesa BalconyTV (Sucursal Lima) y ya dos videoclips oficiales han circulado por las redes, como “amigos” y “Llévame a casa”.

Portada del disco tributo a Silvania, donde participa Verano del 83

Entre los sellos que se han visto embelesados por el sonido de Verano del 83, están los nacionales de Trilce Discos, quienes los invitaron a participar en el álbum tributo a Silvania, denominado ‘‘¿Cuánta distancia hay entre tu alma y el sol?’’ a lanzarse próximamente. 

Mientras esperamos el arribo de su segundo álbum para el siguiente año, vamos disfrutando de toda la ternura que nos deja “El poder del sol”, como suculento aperitivo. 

TUTAMANTA: BRAGEIKI. Reseña

TUTAMANTA

BRAGEIKI

SUPERSPACE RECORDS

(2018)

Las influencias vernaculares, electrónicas y experimentales de Braigan Vega, Aka Brageiki, lo ha llevado a concebir una serie de peculiares obras vanguardistas como El Espejo de la Iris (2014), Wayta (2015) y su nuevo trabajo Tutamanta, no es la excepción. La simbiosis sonora que ensaya para concebir delirantes texturas, resulta excepcional. En esta nueva aventura, las cuerdas andinas, como la del charango, emprenden vuelo sobre etéreas ambientaciones. Logrando que sus reflexivas sonoridades

consigan efectos purificadores sobre su oyente.

Y es que en esta ocasión pareciera que el músico del cono norte de Lima, radicado en Ayacucho, ha bosquejado sus piezas para sacar al oyente de sus vicisitudes mundanas y a través de parajes sonoros de rasgos andinos y experimentales, ofrecerle solaz.  

Unos sigilosos “loops” dan paso a las bellísimas sonoridades que emanan de su charango en la inicial “Anqasnina”, cuyas emotivas cuerdas flotan sobre mareas etéreas, con incursiones espontaneas de quenas. Luego, en “Atardecer para una noche” su respectivo “beat” y percusiones minimalistas se desplazan sobre enigmáticos teclados, para proseguir con sintetizadores disonantes que se retuercen sobre ambientaciones de desértico IDM en “Infrazul”, cuasi ambientando contactos con “seres del tercer tipo”.        

En “Pukaray”, los reconfortantes punteos del charango, embargándonos de nostalgia, son acompañados por sutiles sintetizadores. Sigue la misteriosa “Luna nueva para el Perú”, donde una singular instrumentación andina de vientos, apoyada por efectos sonoros, nos transportan por inhóspitos parajes. Más sonoridades vernaculares, dispuestas a apaciguar el alma, hacen su aparición en la relajante “Wayrasqa”, cuyas ambientaciones espaciales nos trasladaran por las alturas andinas. Mientras que lo más caótico del álbum lo presenta “Recónditos espacios”, con una serie de irritantes sonidos, logrando momentos de enigmático y enloquecido ruidismo.

En “Purikuq”, resonantes acordes y punteos de charango, nos vuelca hacia la añoranza, en medio de ambientes atmosféricos, donde imperceptibles “feedbacks” hacen su incursión. Unos sugestivos comentarios sobre sonidos de vanguardia, como la electrónica versus el rock, se dejan escuchar en “Todo está químicamente planeado”, sucediéndole de inmediato un inquietante “loop”, con lúdicos sintetizadores y cajas de ritmo de por medio. Más ecléctica electrónica se exhibe en la ondulante “Solo cierra el diafragma”, cuyos pads y teclados resultan hipnóticos.  Por esa vertiente electro, transita la introspectiva “La procesión del tono”, como pista de cierre, donde nuevamente se unen minimalistas caja de ritmo con intensos teclados.

Si bien, Tutamanta parte de sonoridades de rasgos andinos para lograr efectos catárticos, su electrónico trayecto final, consigue los mismos resultados. Es un disco que te envuelve y conmueve con sus reconfortantes ambientaciones, consolidando a Brageiki como uno de los exponentes más notables de la música de fusión de nuestro medio.