miércoles, 5 de diciembre de 2018

LOS MEJORES DISCOS MUNDANOS 2018

Sinceramente este no ha sido un año auspicioso. A pesar que los medios digitales han permitido que uno tenga a su disponibilidad un sinnúmero de producciones, su proporcionalidad en cuanto a calidad musical no es la misma.  No llegamos ni a diez obras maestras, pues esta mención superlativa solo se ajusta a las que ocupan nuestras dos primeras casillas. Hay álbumes buenos, con un grupo de canciones de gran factura, pero cuya diferencia no llega a redondear la faena, siendo completada en la mayoría de casos, solo por composiciones aceptables. Y así se fue este año, con contadas emociones que compartimos a continuación.
1 
DOUBLE NEGATIVE
LOW
Sub Pop
Cada disco lanzado por la pareja de Duluth, Minnesota, durante la presente década ha sido colosal, The Invisible Way (2013) marcó su sosegada despedida con sonoridades electroacústicas, a pesar de mostrar un sonido algo más acelerado, mientras que One And Sixes significó su gran salto hacia la experimentación sonora, con resultados increíbles. En esta nueva entrega, el brinco ha sido de niveles estratosféricos, consiguiendo que la banda suene mejor que nunca. 
El pop abstracto de “Quorum”, nos atrapa en una, nos resulta familiar, como si hubiéramos intuido que este sería el futuro de Low. Siguen los ambientes oscuros y claustrofóbicos de “Dancing and Blood”, con la enigmática interpretación de Mimi Packer flotando por la densa atmosfera del tema, para luego lucir sufrida en la emotiva “Fly” e ir transitando sobre lúgubre “loops”, sutiles cuerdas y grises sintetizadores. Más ambientaciones misteriosas se suceden en “Tempest”, además de alterarnos los nervios con sus saturaciones sonoras. La belleza minimalista de “Always Up” resulta sedante. En “Always Trying to Work It Out” construyen parajes surrealistas para volarnos la cabeza y el dueto de voces procesadas, Alan Sparhawk y su esposa Mimi, nos haga más delirante la travesía. 
La fantasmal “The Son, The Sun”, es otra pasada. “Dancing and Fire” es quizás lo más aproximado a su “sadpop”. Otro pico del disco es “Poor Sucker”, con su abstracto sinfonismo y nuevamente el coro de voces de rasgos etéreos emprendido por la pareja mormona. Mientras que percusiones telúricas, sintetizadores bizarros y guitarras procesadas, tornan densa la escucha de “Rome (Always in the Dark)”, con sus cercanías al industrial, las cuales se prolongaran con los complejos “synths” de “Disrray”, y como siempre las voces de los Sparhawk, transportándonos a lugares de ensueño. Un espectacular final, para una maravillosa jornada sónica. Larga vida para mis hermanos, y sus innovadores ensayos. 



2
AVIARY
JULIA HOLTER
Domino Records
Cuando tuve la oportunidad de presenciar el gran show de Julia Holter en Lima hace dos años, y soltó un adelanto de su próxima producción, jamás pensé que el sucesor de su extraordinario Have You In My Wilderness (2015), llegaría a límites ni paisajes sonoros tan majestuosos. Recuerdo que, apenas salido este álbum, mi amigo Carlos Quinto hizo algunos comentarios al respecto en su muro de Facebook, le comenté que el disco sonaba increíble y como es su sana costumbre, “un paso adelante”, a lo que él me replicó: “En realidad son dos pasos atrás para tomar vuelo para tremendo salto”. Efectivamente, pues la artista, en esta entrega nos trasporta por ambientaciones inéditas en su trayectoria.
La inicial “Turn the Ligth On”, es realmente una alucinada, introduciéndonos a un mundo “real mágico”, merced a su barroca instrumentación acompañada de su esplendorosa voz, sonando como nunca para embargarnos de emociones encontradas frente a tremenda belleza surrealista. Sigue el inquieto órgano de “Wether”, junto a intensos teclados y amenazadoras percusiones creando más ambientes delirantes. Etéreos arreglos de viento y teclados, y complejas voces para la misteriosa “Chaitius”. En “Another Dream”, Holter extrae de su paleta sonora, sugestivas atmosferas de emotivo “ambient music”, que con el transcurrir de la pieza se tornan perturbadores. Seguirá la fantasiosa “I Shall Love 2”, con unos ensoñadores arreglos de voces, que nos llevará hacia un extrañísimo paisaje celestial. Otro paraje mágico difícil de describir es el que edifica para “Underneath The Moon”. Más sonidos enigmáticos transitan en “Colligere”.
Conmovedora música irá desfilando a lo largo del álbum, como en los violines de “Words I Heard”, hasta su reflexivo final con “Why Sad Song”. Con este disco que ya podemos proclamar a nuestra adorada Julia Holter como la artista de la década.  



3
7
BEACH HOUSE
Bella Union
El dúo dinámico de Baltimore, Victoria Legrand y Alex Scally, Beach House, desde su obra maestra Teen Dream (2010), no ha parado de alumbrar álbumes superlativos. Su séptimo disco, justamente titulado 7, no ha sido la excepción, pues la pareja sigue creando música espacial, de ambientes que inspiran esperanza, sueños, y también añoranzas, pero ya no tan depresivos como los del Bloom (2012).
Su trabajo anterior, B Side and Rarities (2017) les sirvió “para limpiar el armario creativo, poner el pasado en la cama, y comenzar de nuevo”. Una vez trazado el renacimiento sonoro de BH, se separaron de su productor Chris Coady y se asociaron con el productor de MGMT y ex Spacemen 3, Peter Kember (Sonic Boom), colocándose algunas metas, como repasar “métodos antiguos y eliminar algunas limitaciones autoimpuestas”, y dejar que el instinto creativo dicte la sensación del álbum.
La creación de su estudio, edificado sobre lo que había sido su sala de ensayo, les permitió mantener el entusiasmo por las composiciones más antiguas, pues podían registrarlas en el momento preciso y no como en ocasiones pasadas, tener que esperar largos periodos de tiempo hasta completar los temas necesarios para registrar un álbum, además de la presión de pagar carísimas sesiones de grabación. Con un ambiente idóneo, se tomaron el tiempo necesario para experimentar y combinar libremente con diversos instrumentos, pedales de efectos y lo que quisieran. Es así, que en el registro podemos escuchar el empleo de nuevos recursos para redefinir su sonido, como distorsiones de guitarra, saturación de sintetizadores y sorpresivas percusiones, que adquieren mayor contundencia que en anteriores registros, enriqueciendo de esta manera sus texturas sonoras. 
Esta vez las melodías de ensueño de Beach House, están conducidas por efectos de distorsión que, en lugar de sonar irritantes, el dúo las procesa para otorgarles calidez, desde “Dark Spring”, las distorsiones de su guitarra, yendo en forma progresiva, se encarga de ambientar hermosos paisajes o en “No Mind” jugando con etéreas percusiones y mágicos teclados, para luego vibrar ligeramente junto a inquietos “synths” y cajas de ritmo para “Lemon Glow”. Los coros celestes de la etérea “L´Inconnue”, nos transporta a los paisajes fantásticos y relajantes del Depression Cherry (2015), con Victoria embelesándonos los oídos con su canto en francés, como ambientando un relato épico, asomándose sorpresivamente el sonido de una espectral percusión desde el “casiotone”.  Luego, en “Drunk In LA”, tensos teclados, con otros de rasgos híbridos se van mezclando hasta crear un dramático ambiente para que la nostálgica voz de Victoria de la estocada final y juegue con nuestras emociones y ser asediados por ásperos riffs. Lo opuesto sucede con la aletargada “Black Car”, cuyos enigmáticos teclados iniciales lentamente van transitando al compás de una “seca” percusión. Los cansinos teclados de “Lose Your Smile” evoca algo del desencanto del Bloom (2012), es más, se asemeja al “track” oculto con el que cierran ese álbum, cuyas melodías tienen la capacidad de arrullarnos hacia el sueño placentero. Para el tramo final, Victoria y Alex, nos cautivan con aquellas melodías que suenan a despedida del ser amado, que golpean el corazón. En la primera de ellas, “Woo” somos hipnotizados por un elegante “loop” de percusión, nostálgicas notas de teclados, y la bella voz de Legrand, escarbando en nuestros penosos recuerdos, además de sus sintetizadores construyendo parajes celestes, y que en “Girl Of The Year”, sus rasgos espaciales y reflexivos, recrearán ambientes glaciales, pero a la vez transportándonos hasta la infancia. A las quietas notas de piano de “Last Ride”, se suman, intensos sintetizadores, reverberaciones y una serie de distorsiones de cuerdas hasta su estratosférico final. 
7, plasma la visión caótica y dolorosa, que el dúo percibe del mundo actual, para en medio de ello, ir descubriendo la verdadera felicidad. 

*Fragmento extraído del especial publicado en F/NZIN 0.2



4
DIONYSUS
DEAD CAN DANCE
PIAS
Si bien en esta ocasión, el resultado del trabajo de Brendan Perry y Lisa Gerrard no alcanza los ambientes fantásticos de su maravillosa reparación, Anastasis (2012), igual siguen consiguiendo música ecléctica, espiritual y dispuesta a purificar el alma, al transportarnos por parajes del cercano oriente y del mediterráneo, cuyos sonidos son capaces de hacer recrear en nuestras mentes una serie de rituales y cultos aledañas a esas zonas.
Dionysus ha sido distribuida en siete actos, siendo el primero de ellos, “Sea Borne”, donde somos conducidos por una entusiasta y envolvente comparsa de sintetizadores, arpas y espaciales coros étnicos. Luego, “Liberator of Minds” prosigue por esa senda, aunque más ralentizada, para después hacernos sacudir las caderas con la delirante “Dance of Bacchantes”, tentándonos a ensayar un “raqs sharqi” o “danza del vientre”. 
En “The Mountain” somos abrazados por la oscura interpretación de Brendan, haciéndonos creer que estamos por la meca. Las estimulantes sonoridades étnicas de “The Invocation”, “The Forest” y “Psychopomp”, nos sigue atestiguando de la grandeza y elegancia de de Dead Can Dance, aunque se extrañe la supremacía de la voz de Gerrard. Finalmente, es Dead Can Dance y nadie en la actualidad es capaz de hacer está música sinigual.     



5
CRIMINAL
THE SOFT MOON
Sacred Bones Records
Luis Vasquez se muda a Berlín y alquila un solitario estudio ubicado en un sótano de la sombría ciudad para sentirse completamente libre de explorar sus demonios y emprender la catarsis a través de la composición musical.  
“Esta es una autobiografía de mi vida, es como un diario, y se trata de comprenderme a mí mismo y aprender a crecer” declararía a un medio, a otro manifestaría: “He pasado los últimos ocho años tratando de curarme, y no ha funcionado, así que [este registro] es una especie de acto de desesperación, está dirigido a mí mismo. Tengo mucha culpa en la conciencia”.  Por todo esto, el nombre de su confesional álbum. La idea de criminalizarse a sí mismo por cada cosa que ocurre, enfrentándose con su propia persona y con una infancia rodeada de violencia y abuso.
En Criminal, las liricas se tornan más explicitas.  Allí tenemos, "Like A Father", vociferando de manera monótona y acelerada contra el padre que nunca tuvo e increpándole todas sus culpas. “Burn”, expulsando ese perturbador odio hacia sí mismo, que lo acompaña continuamente y sus intentos de sortearlo. En “Choke” abordando situaciones tóxicas o en "Give Something", componiendo su primera canción de amor.
Para Vasquez haber producido su álbum, ha sido “un manifiesto de su vida y evolución como ser humano”, le ha resultado embarazoso reconocer y revivir sus tormentos, llegando a confesar: “Necesito trabajar en mí mismo, porque no quiero sentirme así…estoy un poco arruinado”.
Si bien Criminal no es un álbum fácil de escuchar, además de los tortuosos gritos y lamentos de Vasquez que recorren todo el registro, posee un extraño poder seductor, irresistible y placentero, casi sádico, así de sencillo, cuyas texturas sonoras son más severas y rugosas. Donde sus melodías agridulces, surten efectos masoquistas y su aspereza llega a embelesar. De hecho, la influencia “kraut” y electrónica también están presentes, y probablemente se deba a su estancia en Berlín.    
“Burn” arranca de manera furiosa y descontrolada, con guitarras incendiarias y voces del inframundo, abriéndose paso en medio de chirridos industriales, haciéndonos recordar al Nine Inch Nails o Ministry más rabioso, derramando toda su ira y enojo, producto de sus traumas, depresión y culpa. La estridencia industrial continua con la siniestra “Choke”, cabalgando sobre unas contundentes percusiones, nuevamente al mejor NIN, para susurrar mensajes ambiguos de referencias sadomasoquistas. La pista resultará aplastante. La romántica, aunque claro al estilo Soft Moon, “Give Something”, nos cautiva con sus lóbregos ambientes, rozando con lo tétrico, además de presentar como herramienta, un elemento ya empleado en trabajos anteriores, simular el bajo de Simon Gallup para el Pornography, mientras, que los crujidos electrónicos que desfilan sobre el final del tema, generan aún mayor zozobra.  Mientras que la ya comentada “Like a Father”, trae envolventes golpes EBM, guitarras procesadas, sintetizadores disonantes, y la voz robotizada de Vasquez dispuestos a retorcernos los sentidos con una febril danza. “The Pain” nos coge del cogote y nos tira al medio de una turbia pista de baile, gracias a sus hipnóticas guitarras y gótico bajo, un recontra revival ochentero, envolviéndonos también sus irritantes líneas de sintetizador que sirven de narcótico postludio.
La fiesta oscura en que se convierte de pronto Criminal, prosigue con la palpitante “It Kills”, cuyos brincos de saturadas guitarras y sintetizadores, acompañados por fragorosas percusiones, suenan emotivos, además de dibujarnos ambientes desolados. El tramo más enfermo del álbum, justamente lo presenta la industrial “Ill”, con sus agresivos “loops”, chirridos, acoples y otros ruidos paranoicos, predisponiéndonos a ensayar una bizarra danza que nos lleve a la locura, toda una cacofonía sónica la pista. Los ambientes grises de “Young”, con maquinal caja de ritmo acompañando toda la pieza, por momentos se tornan tenebrosos, ni qué decir de sus alterados sintetizadores, transportándonos por algún ambiente de un filme surrealista.  Entre empujones, gracias a sus arrebatadas percusiones y guitarras aterradoras, ingresa “Born Into This”, queriendo sonorizar algún film de terror. Finalmente, la pieza que da título al disco, “Criminal”, inicia con densos punteos y sintetizadores claustrofóbicos, para luego dar paso a peculiares percusiones, y ambientes, reflexivos, por darle alguna definición, dentro del lenguaje sonoro de Vasquez y cerrar con algunos chirridos. 
*Fragmento extraído del especial publicado en F/NZIN 0.2



“OTROS”
Son buenos, pero… igual te los dejamos…


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martes, 4 de diciembre de 2018

“BONUS TRACK” NACIONALES 2018: EPS Y OTRAS YERBAS

LOS MEJORES EPS PERUANOS 2018 
El número de lanzamientos de EPs durante este año, ha sido realmente alucinante. Agradecemos a quienes nos hicieron llegar sus trabajos, en lo posible hemos tratado de compartirlos y los que no, las disculpas del caso, pero nuestras obligaciones personales nos impiden cumplir con todos. 
Finalmente, nos quedamos con quince producciones como nuestras favoritas. También, aprovechamos la ocasión para compartir algunos trabajos destacadísimos que nos ha dejado este año y no entran dentro de esta categoría y con ellas comenzamos.

SINGLES

Hemos considerado los que no forman parte de algún álbum o EP. Cuatro son nuestros favoritos:  

1

D
Silvania
Mario Silvania nos dio la sorpresa, y noticia del año, al anunciar el regreso de nuestra querida banda. En esta ocasión reaparece con un “single”, conformado por dos temas, y ejecutados con nueva formación, donde Antonio Ballester (Blue Velvet), Rolando Serra y Antonio Benaumont completan la alineación.  
Desde las primeras cuerdas de “Gene”, de clara influencia Belkings, la ensoñadora ambientación del tema y las etéreas voces de Mario, nos transporta por bellos parajes surrealistas colindantes con una naturaleza mágica, solo capaces de ser recreados en “Un bosque en la memoria”.  Mientras que en “A Cocó…” tema dedicado a quien fuera su pareja en Silvania y Ciëlo, Mario y compañía conducen hermosas resonancias de cuerdas (con ciertos toques orientales) que adquieren dimensiones espaciales, para transpórtanos por esferas celestes y allí ser recibidos por densas líneas de teclados que caminan en paralelo con otras de trazos intensos.
Tras escuchar ambas pistas, uno solo atina a quedarse estupefacto con música tan maravillosa y fascinado con los cuadros mágicos que salen de la paleta sonora de este remozado Silvania y con la expectativa al tope de lo que será su próximo álbum.  





2
SIMBIOSE
YUME STATION-SIAM LIAM
Chip Musik
La ex bajista de Ruidósfera, Karen Huacasi a.k.a. Yume Station, y Alexander Fabian a.k.a. Siam Liam, presentan un adelanto de sus respectivos álbumes. En esta entrega ambos músicos nos exponen diversos paisajes sonoros, embargados por el suspenso, la intriga, el misterio, muy sugestivos para hacer volar nuestras mentes y emprender viajes oníricos y sobre el final aún levitar sobre el agua.     



3

EL PODER DEL SOL
VERANO DEL 83
La nueva composición de los trujillanos, resulta fresca y encantadora, pues el sonido protagónico que asume las ensoñadoras cuerdas del ukele, a lo largo del tema, resultan acogedores, transportándonos hacia ambientes embargados por la inocencia y el sosiego, exhibiendo sonoridades oscilantes entre el “folk” y el “dream-pop”.

Lee más sobre Verano del 83 aquí…


4
LLUVIA
EL CLUB DEL FIN DEL MUNDO
Catenaria Discos
Melodías finas y delicadas, con ciertos rasgos “folk”, son las que se dejan escuchar en este nuevo tema de la banda limeña, tras su EP debut, Luna (2017), demostrando un sonido más pulcro, como para continuar siguiéndoles la pista a estos chicos. 


EPS
15
EL MEJOR DE LOS ESCENARIOS
EL KAMIKAZE
Catenaria Discos
Por su nombre podríamos sospechar de música agresiva y visceral, todo lo contrario, pues la banda conformada por Plinio Cárdenas (Guitarra y Voz Principal), Ohmar Cachay (Guitarra y Voz), Eider León (Bajo), Daniel Fonseca (Baterista), ejecutan un correcto pop-rock tamizado por densas guitarras. Sobresaliendo temas como “De Javu”, las ásperas cuerdas de “Limagris” o la nostálgica ambientación electroacústica para la trágica “Kamikaze”, con irrupción final de corrosivas cuerdas.  



14
EL OTRO INFINITO
UN ANTIGUO ENEMIGO
Bifronte Records
Este segundo trabajo del año de Alfonso Noriega (quien rompió su racha y se mandó con tres EPs), sigue exhibiendo esa incursión de distorsiones atmosféricas incluidas en su disco antecesor. Con sonidos más espaciales y minimalistas, Noriega, permanece en su trinchera de idear ambientaciones enigmáticas y noctámbulas o cuasi terror como en “Theszé” y plenas de tensión como en “El corazón del diamante”.    



13
THE CHURCH OF THE PUPPIES IN THE SUN
THE PUPPIES IN THE SUN
Buh Records


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https://tesorosenlatierra.blogspot.com/2018/11/the-church-of-puppies-in-sun-ep-puppies.html







12
ECOS
IVÁN CASTRO


Lee aquí su reseña y otros trabajos de Iván Castro…






11
KAKUAN SIMPHONY
ANIBAL SMITH BROWN
Desde Rancas, Cerro de Pasco, Aníbal Smith Brown, es la identidad virtual que asume Aníbal Smith Meza Cajahuamán, para referenciar su pasión bohémica e inspirado en esta, ir desarrollando música insinuante, que transita entre lo minimalista y lo versátil, que van dirigiéndose desde las guitarras hasta los instrumentos sintéticos.

En este EP, se presenta un lado experimental y otro convencional. Allí tenemos los ambientes inhóspitos de “Sólido Platónico”, cuyos metales y demás sonidos peculiares e instrumentación minimalista, desfila al compás de un fagot, los parajes marcianos de “Vértice”, más orientado hacia el IDM y de la misma manera “El Mapa de Siete Colores” pero con una hibrida electrónica, donde transitan arreglos de cuerdas, consiguiendo quizás el tema más experimental del registro y a nuestro gusto lo más atractivo de la placa. Mientras que “Energía Taquiónica”, “Cubo Metratónico” (con coquetos punteos y ligeras ráfagas de distorsión) y “La Ley de Uno” el músico dispara sonoridades “dream-pop”, cautivándonos con sus embelesadoras melodías.


10
OXÍMORON
ALEC MARAMBIO

Pop atmosférico, cercano al “shoegaze”, es lo que se deja oír desde el comienzo del primer tema “No Puedo Escapar”, con sus brochazos de “free”-ruido, así como ambientes más serenos transitan en la melódica “Mañana” o la sosegada “Cicatrices”. Sea cual fuere la sonoridad que emprende el guitarrista Alec Marambio siempre les impregna a sus piezas sus respectivas cuotas de ensayos ruidistas. 




9
FORMAS HIPNÓTICAS
IVO

Bifronte Records

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8
EL ABISMO EN CADA OBJETO
EL OTRO INFINITO
Chip Musik
Alfonso Noriega, la mente de El Otro Infinito, en esta ocasión a su consabida electrónica de rasgos trasnochadores, le añade guitarras procesadas en mayor volumen, para otorgarle a su sonido rasgos atmosféricos y salir de su introspectivo individualismo.  El ritmo avasallador de precarios "loops" y "beats" sobre ambientaciones misteriosas en "White city, black city" resulta adictivo, así como los enigmáticos parajes que construyen para "Saigon", o la pista de corte IDM, "Las mareas traen tu nombre".


7
L.I.E.S
LA TERMINAL
Si bien se trata de un material de ocho pistas, la mayoría de estas son brevísimas y su duración total no llega ni a los 15 minutos. Por esta razón, lo consideramos dentro de nuestro conteo.
José María Málaga, el cerebro de los arequipeños La Terminal, recopiló sus caóticas epifanías sonoras, durante el periodo 2013 – 2018. De sonido artesanal y electroacústico, sus siete pistas que colindan entre el “noise” y lo etéreo, nos termina de sobrecoger, producto del valle de lamentos por donde transitan, además de cautivarnos con su espectral sonido. Allí están las ambientaciones enajenadas de “Hebefrenia”, las cuerdas acústicas de trazos arrítmicos en la breve “Tan Sola La Navaja”, los “riffs” de guitarra de palo en “De Mis 200 enemigos” acompañadas por una atmosfera fantasmal, peculiar sonoridad que se repetirá en “Hate & Rhythm is Love”. Así como en la versión acústica de “Besando el Suelo” y la precaria “Nuestras Esperanzas. Mientras que la pasión de Málaga por el ruido y la disonancia más enferma, queda expuesta en la terrorífica “Sin Cuello”.




6
TÍMIDAS FORMAS DE CONVIVENCIA
SATELITE MENOR
Catenaria Discos
Melodías cálidas y ensoñadoras son las que nos dejan el primer EP de SATÉLITE MENOR, "Tímidas formas de convivencia", editado por el sello Caterina Discos. Cuatro piezas electroacústicas que nos envuelven en atmósferas embargadas por la nostalgia y la introspección, resaltando el dueto de voces entre Sofía Araya y Antonio Espinoza (Guitarra acústica), sobre todo en el embelesador “Persona Bajo La Lluvia”. Los acompañan Vicente García (Guitarra eléctrica), Mirko Bailón (Bajo), Julio Guillén (Teclado) y Jesu Ccopa (Batería), quienes provienen de diferentes proyectos sonoros como Marfilia, Prealba, Lynejami y Panoptia; y el registro fue mezclado y producido por Daniel Quiñones Mollo. 

5
UNHEARD
PUPPIES IN THE SUN
Buh Records

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4
ECHOES
JUAN NOLAG
Buh Records


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3

PERRA VIDA
El nuevo proyecto de la arequipeña, Diana Matos (Alias La Gringa), ahora radicada en Lima, quien junto a Tina Crisis (Bajo), Alejandro (Guitarra) y José (Batería) recibe el nombre de Perra Vida, y acaban de lanzar su primer EP de contundente, incendiario y contestatario “hardcore-punk”, dispuesto a meternos una “cachetada” ante la indiferencia con la que asumimos algunos problemas sociales, como por ejemplo la denigración contra la mujer. Es más, el nombre de la banda está inspirado en el epíteto que el funesto PKK lanzó contra Verónica Mendoza en la pasada campaña presidencial.
De arranque las aceleradas, corrosivas y abrasivas guitarras de “Célebres Plumíferos”, nos introducen al visceral ambiente que se experimenta a lo largo del registro, donde prevalece los gritos de Diana. En la combativa “Acoso” (¡qué tales aporreos lo del baterista!), Diana denuncia el constante hostigamiento con la que la mujer peruana tiene que convivir en una sociedad como la nuestra, infectada por estereotipos machistas. Luego en la aplastante “Dime Que No”, Matos sarcásticamente habla del desengaño (“…Y si no me quieres, ¡No me florees!”).
La desilusión y ambientalismo de “Heroína”, la antirreligiosidad de “Nobles e Infames” y los rollos políticos de la pista inicial, son otros temas que desfilan rabiosamente durante nueve minutos dispuestos a sacarnos la mugre de la apatía y el letargo con los que estamos embarrados.  




2
ROZA CRUZ
LA MECÁNICA POPULAR
Names You Can Trust
Este disco llegó aquí gracias a la recomendación de nuestro amigo y colega Achorao’, Gonzalo Díaz, tan solo algunos días atrás, y de inmediato nos quedamos alucinados con la “salsa psicodélica” que ensaya el combo dirigido por el etnomúsico peruano radicado en New Jersey, Efraín Rozas a lo largo de los cinco actos que comprende su delirante obra.
Desde el arranque La Mecánica suelta todo el arsenal, con el ritmo endiablado de “Bienvenida” y su saturada e intensa guitarra haciéndonos retorcer el cuerpo junto a timbales y otros instrumentos de percusión. El vértigo se frena y las revoluciones se reducen con la narcótica dupla “Descenso/Abra”. Sobre sabrosos ritmos transitan ásperos y densos arreglos de guitarra, logrando efectos hipnóticos en “Visiones”, más vehemencia experimental es practicada en “Ofrenda”, con unos solos y efectos de “delay” realmente deliciosos.  Finalmente, la experimental “Dividuación” es otro episodio para la alucinación, merced a la improvisación (aun explorando con cumbia y sonidos andinos) y la gala técnica que ofrecen los músicos.



1
ALBA
ALOYSIUS ACKER
Bifronte Records
El músico, compositor y artista multidisciplinario José Alfredo Rodríguez, nos sorprende con un nuevo EP bajo su alias Aloysius Acker, donde el atractivo de su música ensoñadora y paisajista, esta vez reside en su exploración con el ruido, a lo largo de las cuatro piezas que lo conforman, persistiendo esas imágenes surreales y etéreas que recrean nuestra mente al disfrutar de su escucha, consiguiendo así, otra hermosísima producción.  
El registro alza vuelo con la celestial “Pastoruri”, cuyas guitarras atmosféricas de rasgos “noise” nos ofrece un recorrido aéreo por ambientes gélidos como el mencionado, sentenciando la maestría con la que Rodríguez trabaja el ruido. Prosigue “Madreselva” y ese suculento “brebaje”, de etéreos sintetizadores, guitarras electroacústicas, “feedbacks”, distorsiones y “hit-hats” dispuestos a alterar nuestros sentidos. Luego en “Luz de otoño”, sobre la marcha cíclica de una caja de ritmos, desfilan más distorsiones de corte grisáceas y cuerdas procesadas, con los mismos efectos embriagadores con los que hasta ahora hemos experimentado.

lunes, 3 de diciembre de 2018

CATERVAS: ENTREVISTA


"Si antes la búsqueda era componer la canción Pop perfecta, ahora la idea fue crear el ambiente perfecto…”                                        Raúl Reyes                           
Más de dos décadas de carrera e impecables álbumes respaldan la trayectoria de Catervas, la banda de los hermanos Pedro (Voz y guitarra), Raúl (Bajo) y Javier Reyes (Batería), y ahora, con Juancho Esquivel (Teclados) por segundo álbum consecutivo.
Días antes de proclamar su nueva entrega, “Los Cielos Vuelan Otra Vez”, como la mejor del 2018, sostuvimos una conversación virtual con Pedro y Raúl, tal como lo hicimos para la primera edición física de Tesoros Mundanos; y muy remotamente en un parque cercano a su hogar, por la Avenida Encalada, Surco, junto con la macha de Crisálida Sónica, allá por 1997. Aunque suene a “cliché”, resulta increíble como ha pasado el tiempo velozmente. Aquí nuestra conversa, como siempre Pedro ha denominado a nuestras charlas.

Tras el lanzamiento de su anterior álbum, ustedes manifestaban tener muchas expectativas de llegar a lugares y públicos inéditos, ¿Creen que se concretaron aquellos anhelos?
Raúl: Eso lo medimos en la gente que nos dice les ha llegado tu música, quienes se ven atraídos por lo que hacemos, gente de 16 o 17 años que ni nacían cuando empezamos, pero que conectan con tus canciones o también gente mayor que nosotros que ni sabíamos que les gustaba la banda y te dicen que la escuchan en sus cuartos o su sala.

A diferencia de los lanzamientos de álbumes anteriores, a éste le han precedido tres videos promocionales, y su respectiva edición en CD aparece con la revista Urbanoide. ¿Qué factores influyeron en promocionar con más fuerza este nuevo trabajo?
Pedro: En realidad siempre se ha trabajado el aspecto visual en nuestros discos, cada lanzamiento lo hacíamos en conjunto con un videoclip. Lo que hemos hecho esta vez es sacar 3 singles a lo largo del año para darle más durabilidad al álbum y así no ‘quemarlo’ rápidamente (por así decirlo). En el camino la gente de Cuaderno Roto (Camilo y Jano) junto a Danny Calderón de la revista Urbanoide nos propusieron sacar el disco físico en doble edición: Cover CD (sobre promocional junto a la revista) y en formato Digipack (con booklet, polo y la reedición de la maqueta del 98’ en formato cassette). Así que estamos sumamente agradecidos por ello y ha sido una chamba en conjunto de la cual estamos contentos del resultado.

¿Por qué “Los cielos vuelan otra vez”? ¿Es acaso una referencia al retorno del ruido atmosférico a su música? Además, que forma parte de las liricas de su primer single “¡Boomerang!”.
R: Lo que sugieres es interesante y válido, el significado del disco también puede leerse desde esa perspectiva, sin embargo la idea original fue decir algo como: “Ya vamos otra vez”, “otra vez al ruedo”, sin embargo es mostro que cada uno se haga una idea del porqué del título del álbum…..Y la lírica de “Boomerang!” trata de esos momentos efímeros pero mágicos, de total felicidad, que aparecen a lo largo de la vida, aunque también puede tratar de la magia en retomar algo que te gusta y te hace feliz por algunos instantes…

¿Cómo se fue gestando el álbum?
P: Los primeros bocetos o demos vienen desde el 2015, existían ideas o algunas melodías las cuales íbamos puliendo en los ensayos, pero durante este tiempo y aparte de nuestras chambas habituales, teníamos espacios vacíos ya que Raúl y Javier se convirtieron en padres y yo me casé. Sin embargo, buscábamos el espacio necesario para seguir avanzando en la sala y grabar bastantes demos, improvisaciones, bastantes improvisaciones y muchas ideas a las cuales le dábamos muchas vueltas hasta decidir entrar al estudio.
R: Cada uno por su lado, tanto Pedro como yo íbamos avanzando en componer melodías o semi-canciones que se prestaran para el jameo y la improvisación sonora en la sala de ensayo, que sigue siendo la casa de nuestros papás, aunque ya no vivamos ahí.

En este nuevo registro retoman muchas de sus primeras influencias (Lo cual me parece fabuloso), por ejemplo, en “Desde París”, su ruido suena muy My Bloody Valentine del “Isn’t Anything”, en “Cristales” ciertos toques The Jesus & Mary Chain, “Enter Asesino” resulta un manjar new wave, el “shoegaze” de los primeros Silvania en “Soltar”, mientras que “Premoción” evoca al Cure del “Disintegration”, ¿por qué lo decidieron así o estoy equivocada?
P: Como bien dices, a veces es espontáneo, hay tantas influencias en la cabeza que es inevitable que a la hora de ensayar o grabar estas fluyan en el estudio. Tu cerebro es como una licuadora que mezcla todo lo escuchado durante aquellos años, lo que forma tu ADN musical y adaptarlo a tu rollo, eso de alguna manera se plasma cuando creas tus propias canciones.
R: También pasa que en la búsqueda constante que significaron los discos anteriores, como que sentíamos que estábamos alejándonos de la esencia original de la banda, además empezamos por esos meses a tocar en vivo temas antiguos como “Clave de Ángeles” o “Cíclica” y sentíamos que esa vertiente musical nuestra, ese lado más sónico o etéreo se estaba perdiendo, es así que empezamos a explorar esas coordenadas como nunca antes lo habíamos hecho, desde una perspectiva ya madura. Si antes la búsqueda era componer la canción Pop perfecta, ahora la idea fue crear el ambiente perfecto, la sonoridad perfecta.

Los ambientes ensoñadores siempre han estado presentes en la obra de Catervas. En “Porcón” exploran con el “dream–pop”, mientras que en “Sin Fin” con el “ambient”, ¿cómo surgen ambos temas?
R: Esos ambientes creo son más profundos en este nuevo disco y a la vez, mas intencionales y se dieron, pues la idea inicial era no poner limitantes de tiempo a los temas, hacerlos durar lo que tengan que durar, darle más importancia a la sonoridad, a crear ambiente, ser más libres en ese aspecto.
P: Parte también de este proceso era no perder el “feeling” de los ensayos, cosa que a veces sucede cuando uno entra al estudio a “pasar en limpio” los temas y se puede perder esa soltura casera que te da la frescura de un demo. “Porcón” por ejemplo, es un registro en vivo de un ensayo al aire libre y grabado con un solo micro. Quisimos grabarla igual en el estudio, pero perdió eso que te comento, fue así que la dejamos como la original.

"...Tu cerebro es como una licuadora que mezcla todo lo escuchado..." Pedro Reyes 
Para el cierre de su álbum, lo hacen con dos temas experimentales, “Vértigo en Saturno”, de misteriosos teclados y tambores, y, “Metrópolis”, de peculiar sonido maquinal, cuasi industrial, con caótico final incluido, ¿cómo fueron sus respectivos procesos creativos?, y la decisión para que ambas sean las últimas pistas del álbum.  
P: Son los temas en los cuales nos dejábamos llevar durante los ensayos, probar y probar sonoramente muchas ideas que buscaran crear sensaciones acordes a lo que te pedía el tema.
R: Para esos temas se tenía una melodía base, eso siempre, pero el vuelo se fue dando en largas sesiones instrumentales que se iban grabando casi al instante para registrar improvisaciones y eso nos permitió armar los temas poco a poco.
P: Coincidentemente son 20 años de haber editado la maqueta del 98 y quisimos ordenar el disco como si fuera un cassette: el lado A que contenga lo más ruidoso, “noise pop” y a su vez enérgico y en el lado “B” que contenga lo más sobrio, introspectivo, experimental si se puede decir, y que cierre con algo que de alguna manera te invite a pensar si es que ese será el camino por el cual transitaremos luego. Quién sabe.
R: La parte final de “Metrópolis” salió en una sola toma, ensayando, menos mal la grabadora estaba en ON y pudimos registrarla.

En las portadas de “Semáforos” (2004), “Lo que brilla en tu paisaje” (2014) y en este disco aparecen autos y autopistas. ¿Existe alguna “obsesión” con estos?
P: Manya, no nos habíamos percatado, fácil sí. Para esta vez, con “Los Cielos Vuelan Otra Vez” la idea era representarnos como un auto “vintage” (ya no somos tan jóvenes) que aún sigue recorriendo el camino de la música, pero se le suman estas alas que representan a los hijos de Raúl y Javier y que definitivamente te dan un nuevo impulso, las ganas de dejarles algo, y porque no, que ellos también quieran continuar, quizá en algún otro tipo de arte.

¿Cada disco de Catervas es mejor que el anterior?
P: Yo creo que cada disco es diferente más bien. Tienen su propio proceso y su propia historia. Eso es lo que nos anima, pues puedes tener en mente muchas ideas, pero igual sentir la incertidumbre de como sonará esta vez hace que esto sea constante, un reto.

En toda su trayectoria, ¿alguna vez se les pasó por la cabeza, “ya no podemos seguir con esto”?
P: Yo creo que musicalmente no, el día que se te acaben las ideas o las melodías que rondan en ti es mejor decir basta. El camino siempre ha sido difícil en cada álbum, pero las tocadas, la gente, eso hace que haya un equilibrio.
R: Pero a veces si se siente pesado el trabajo de mover a la banda en medios, redes, que es algo que cuando empezamos no había mucho, pero que ahora es indispensable hacer para dar a conocer que como banda sigues vivo, ese aspecto a veces abruma y te desgasta, pero una vez que ensayas tus nuevos temas te regresa la fuerza que te mantiene en el camino tanto tiempo.

¿Qué sigue intacto de aquella banda que debutó en el Árabe Pub en 1996?
P: La certeza de creer en tus canciones, puede sonar egoísta, pero a la hora de componer o hacer cada disco solo debes pensar en que te guste a ti primero. El tratar de no repetirse en cada entrega, las ganas de aportar y claro, construir tu propio estilo.

¡Qué rico pack!
De las bandas de la presente década, ¿cuáles les parecen la más interesantes?
P: A pesar de no tener tanto tiempo como antes siempre trato de estar pendiente de la música nueva, de las bandas que van apareciendo, incluso redescubriendo grupos a los cuales por alguna razón no les había prestado atención. Me vienen a la mente en estos momentos Beach House, The War on drugs, Wild Nothing, Warpaint, Mark Lanegan, The KVB, Belong, Drab Majesty, Still Corners, Viva Suecia, Midnight Faces, etc. De las bandas peruanas hay bastantes, justo ahora para nuestra presentación tocaremos con Taneli Lucis y Baby Steps que tienen propuestas muy interesantes, y bueno, bandas que también tienen tiempo en la escena como Liquidarlo Celuloide, Gomas, Blind Dancers, Moldes, Grupo Miel, Futbol en la escuela, Felyno y un largo etcétera.



RETROSPECTIVA














LOS MEJORES DISCOS MUNDANOS 2018

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