viernes, 8 de junio de 2018

ENTREVISTA CON ALE-HOP + BODILESS-Reseña


“…He construido los ‘tracks’ como quien construye el diseño sonoro de una película”


Foto: Brayan Flores
Bodiless es sin duda alguna la obra más abstracta de Ale Hop. Donde uno queda cautivado por la multiplicidad de enrarecidos sonidos que desfilan espontáneamente de principio a fin, cuyos “tracks” dibujan bizarros paisajes caracterizados por la tensión y el pavor. Conversamos con la innovadora artista sobre su inspiración y conceptos plasmados en su nuevo acto sonoro. De otro lado, conocimos sobre sus orígenes y admiración por personajes de la escena local, como el fenecido Leonardo Bacteria o el músico electrónico Dante Gonzáles. Aquí nuestra asincrónica charla con Ale, quien gentilmente nos atendió desde Berlín.   

Antes de Las Amigas de Nadie, fuiste por una temporada parte de Pestaña, un proyecto electrónico distante de la música que ahora desarrollas. ¿Cuáles son tus recuerdos de esa experiencia y qué rescatas de la misma?

Todo fue muy fortuito. Casualmente asistí al concierto despedida de Insumisión, el proyecto de Leo Bacteria anterior a Pestaña. Ya me había cruzado antes con su música, pero no le había prestado atención. Me impactó la visceralidad de su performance, retorciéndose y gritando en el suelo de un bar del centro de Lima. Me acerqué al final del show y me presenté, y desde entonces mantuvimos contacto. Tiempo después lo invité a mi fiesta de cumpleaños y tras confesarle mi admiración por su performance él me invitó a tocar la guitarra en su banda Pestaña. Eso fue hace doce años. Aprendí de Leo y del tecladista en ese entonces, Dante Gonzales, más que del proyecto Pestaña en sí. Leo me enseñó a samplear “beats” de la manera más precaria en el editor de audio más básico de todos, en una Pentium4. Su forma de concebir la música de hecho ejerció cierta influencia en mí. Por otro lado, Dante Gonzales, es uno de los músicos más honestos y constantes con los cuales he compartido banda. Recomiendo escuchar su proyecto solista.


¿Cómo llegas a ser parte de la Red Bull Music Academy?

Bueno ellos tienen programas de residencias musicales. Yo postulé en el 2012 y asistí en el 2013 a su programa en Nueva York. Si no me equivoco, cada dos años abren convocatorias. Me animé a participar porque varios peruanos habían ganado y decidí probar mi suerte con mi proyecto solista que recién estaba en incubación.


Luego de la separación de las Amigas de Nadie y el lanzamiento de Pangea (2015) te vas vivir a Berlín. ¿Qué factores influyeron en esa decisión?  

En realidad, decidí irme a vivir a Berlín en 2013, pero me demoré dos años en ahorrar el dinero suficiente para hacerlo. Las Amigas de Nadie era un proyecto insostenible porque no nos llevábamos bien y tenía ganas de tomar otro rumbo. El lanzamiento de mi álbum Pangea fue porque me parecía importante como documento de mis últimos años en Lima.


En tu primer disco, La Guerra Invisible (2013), destacan el empleo de guitarras “noise” en temas como “All Beast Must Die” y “La Guerra Invisible”, hasta arreglos electroacústicos como en “Autopsia 2025”, aunque ya trabajabas con bases programadas y cajas de ritmo, sin embargo, noto que cada vez le das menos presencia a las cuerdas en tus obras. ¿Cómo ha sido la evolución de tu música e instrumentación en tus diversos registros?

Creo que las cuerdas no tienen menos presencia. Lo que pasa es que hay menos riffs rockeros. Las guitarras de mi último álbum se han vuelto más etéreas y ambientales, y se han fusionado más con las texturas electrónicas. La instrumentación sigue siendo la misma: guitarra, voz, “beats” y sonidos electrónicos. Lo que ha cambiado es la intención y la forma.


Pangea (2015) fue un proyecto muy ambicioso, pues se trataba de un DVD-álbum. ¿Cómo te fue, conseguiste los objetivos planteados con el mismo?

Llevaba tres años con mi proyecto solista, que comenzó muy tímidamente, abriendo conciertos en bares de Lima de bandas amigas. Sentí que lo que estaba haciendo por fin empezaba a cuajar y tenía que lanzar un álbum contundente y ambicioso. Así me embarqué en Pangea, un álbum de once canciones en el que cada canción tiene un videoclip. Me demoré seis meses en grabar las once canciones y un año y medio en producir las piezas audiovisuales con diversos directores y realizadores. Sí, creo que conseguí lo que quería, y me encuentro hasta ahora muy agradecida a las más de cien personas que ayudaron a concebirlo.


En Bodiless los ambientes son más tensos e intrigantes que sus antecesores. ¿Por qué esa orientación hacia sonoridades misteriosas y enigmáticas? ¿Cuáles son las influencias de este nuevo trabajo? ¿Tu nueva vida en Alemania ha influido en ella?

Foto: Juan Pablo Murrugarra
En Bodiless los procesos de música electrónica son más complejos que en mis trabajos anteriores. Ya no se trata de un “beat”, un teclado, una guitarra y una voz. Son decenas de capas de sonidos por cada pieza. No sé si esto lo hace más misterioso, pero me imagino que la instrumentación es más irreconocible. Hay tres influencias importantes en el álbum. Primero, que no he pensado en el formato canción, he construido los “tracks” como quien construye el diseño sonoro de una película, creando paisajes sonoros, efectos especiales y momentos de tensión cinematográfica. La segunda influencia relevante está en la narrativa y en las voces inspiradas en el género Radio Drama. Hay tres canciones en las que ellos se hace totalmente evidente: “Migration Data”, “Bodiless, Pt. III (Cosmic Ocean)” y “Bodiless, Pt I (Matter and Resistance)”.  La palabra es la base sobre la cual se construye la forma musical, y no al revés. Y por último destacaría la sinestesia. Lo visual para mi está muy presente en este álbum, tanto como en Pangea, quizás no es tan evidente como tener un videoclip para cada tema, pero todos los “tracks” se construyen con imágenes como punto referencial. En cada canción he tenido una contraparte visual en mente. Incluso a dos “tracks” les incluí la extensión “.jpg”, porque están inspirados en fotografías que existen en una carpeta en mi computadora.


El título del registro se replica en tres pistas del mismo, a manera de episodios. ¿Es Bodiless un álbum conceptual?

No es un álbum conceptual. Sin embargo, esas tres canciones que llevan el mismo nombre en un comienzo eran una sola. La compuse ad hoc para una performance en una exposición de arte sonoro, en el cual el tema de la muestra giraba alrededor de un concepto griego, sobre un espacio que no tiene características en sí mismo y que no puede contener de manera permanente nada más que medios sin cuerpo (bodiless) y efímeros. Compuse “Bodiless”, una pieza que en un principio duraba 15 minutos, acompañada de un videoclip que yo misma hice, y que trataba de entender el tema del sonido en el espacio sin cuerpo desde la memoria. Y la memoria musicalmente la quise retratar a través de la reverberación y el “sampler”.


En medio de sonoridades bizarras, que predominan a lo largo del registro, surge un tema de corte “dance” como “As You Seek Faintly The Shore”. ¿Ya lo tenías preparado o salió de manera espontánea durante la grabación del álbum? ¿Cómo decides incluirlo?

Por ahí alguien posteo que es la única canción digerible del álbum, ja,ja,ja. Tenía ganas de componer un tema pop y tenía esa letra, que escribí a raíz de una relación fallida. Quería hacer un tema de amor y ese fue el resultado. Me cuestioné varios días sobre si incluirla en el álbum y al final lo hice. Y me alegra, es un rayo de luz en medio de la tensión.


En “The Way Of Love” (2017), disco que trabajaste con Ignacio Briceño, empleas las voces de William Burroughs para el corte final, “Advertencia”. En Bodiless cierras con “therubberboom.jpg”, ensayando nuevamente esa fórmula. En esta ocasión, ¿a quién escuchamos?  

En "therubberboom.jpg" la voz sampleada proviene de un Radio Drama, "La damisela en apuros", del programa radial "Box 13" narrado por el actor Alan Ladd. Por cierto, en mi EP de 2013 La Guerra Invisible, en el tema "La guerra invisible ft. Dante Droid" también uso el mismo recurso. Tiene una voz sampleada de una emisión radial de la segunda guerra mundial.


Foto: Raúl García
Escuchando tu disco, observo que posee atractivos pasajes de experimentación como el final maquinal y disonante de “Bodiless, part I (Matter And Resistance)”, los vigorosos “loops” y “beats” de “Today” o los extraños paisajes sonoros de “Home”. ¿Crees que estamos ante el trabajo más experimental de tu carrera?

No me gusta mucho repetir la palabra experimental hasta el agotamiento, preferiría decir que es un trabajo exploratorio.

Cuéntanos sobre tus próximos proyectos

Planeo una gira por Europa para promocionar mi nuevo álbum. Si todo va bien la realizaré entre julio y agosto de 2018.




RESEÑA

BODILESS
ALE HOP
Buh Records
(2018)
Mejor elección, no pudo tener Ale Hop para la elección del nombre de su nuevo trabajo (presentado en formato casete), pues en esta aventura musical, su obra luce más abstracta que nunca. Bodiless es el resultado de la sumatoria de ruidos, diversas sonoridades y artefactos electrónicos, aún golpes sintéticos de rasgos EBM, que fluyen espontáneamente a través del hilo conductor en que se convierte su extraña interpretación vocal a lo largo del registro, donde el oyente no encontrará armonía sino simplemente un menú de sonidos para degustar.
Ale explora a más no poder con las múltiples posibilidades que le ofrece sus artilugios electrónicos, concibiendo sendas pistas (totalmente alejadas del formato canción) que recrean ambientes surrealistas, bizarros y enajenados. Desde el saque, el desconcierto se apodera de nuestro ser ante el caos sonoro que impera en la extensa “Bodiless, Pt. I (Matter And Resistence)”, desfilando procesadas capas sintéticas, enigmáticos sintetizadores, voces que nos escarapelan la piel y otras sonoridades que lucen transgresoras, hechizadas e inconexas que buscan confabularse de manera anárquica, hasta concluir con un final perturbador merced a su maquinal instrumentación.
Bodiless - casete disponible vía Buh Records
El descontrol o mejor dicho la naturalidad con las que transitan los peculiares ruidos y sonidos, como si quisieran succionarse uno al otro en “Today”, acompañados por riffs de guitarras y enmarañadas secuencias electrónicas, resulta pavoroso. Además de sacudirnos los sentidos con sus contundentes descargas de “loops”.  Sigue “Migration Data”, cuyas sonoridades cibernéticas, evocando añeja tecnología, entre la que destaca la de un Atari, se suceden de manera improvisada en medio de atmosferas misteriosas.
En medio de este festín de ambientaciones experimentales, irrumpe la única pieza “convencional” de la obra, “As You Seek Faintly the Shore”, una correcta pista “synth-pop”, cuyas sonoridades “new wave” nos enamoraron y narcotizaron desde la primera vez que la escuchamos, además de las ensoñadoras voces que ensaya Hop, pero el tema pese a su trazo embelesador mantiene ese bizarro sello con el que Ale firma sus obras, demás está decir que su sonido nos inca los nervios de las piernas en para ensayar pasos de baile. Luego, Ale interpreta angustiosas onomatopeyas y lamentos para su dolorosa “Bodiless, Pt. III (Cosmic Ocean)”, así como monólogos en medio de compactas percusiones. En la paisajista “Home.jpg”, explora con los teclados en pos de una marcha inconexa.
Foto: GPB
La rarísima “Bodiless, Pt. II (Ritual Vs. Indiscriminate Felling), nos ofrece un abanico sonoro, donde desfilan desordenadamente timbres, palos de lluvia, casiotones, guitarras sampleadas y atronadores “loops”. Mientras que en “Therubberboom.jpg” apela a recursos técnicos empleados en anteriores obras, como su trabajo colaborativo con Ignacio Briceño para el tema “Advertencia”, al trasladar voces grabadas sobre exploraciones sonoras. En esta ocasión se dejan escuchar ligeramente violines, junto a “loops” y “beats”, intentando ensayar armonía en medio de lo inhóspito. Cierra, “You”, donde la voz de Ale incursiona en medio de atmosferas impregnadas de misticismo.
Sin duda, estamos ante el episodio sonoro más extremo de la carrera de Ale Hop, cuya riqueza reposa en su complejidad, cualidad que resulta adictiva a lo largo de sus temas. Si este acto de pop-abstracto fuese presentado por algún personaje sonoro del primer mundo, seguramente muchos lo aclamarían y sería mentado en todo lugar, de la misma forma anhelamos que este trabajo sea tratado con la camarería y objetividad que se merece.  


RETROSPECTIVA






martes, 5 de junio de 2018

ENTREVISTA CON LAIKAMORÍ + PERSŌNA-Reseña

“…Lo que de verdad moldea las composiciones es nuestro inconsciente, y teorizarlo siempre ha sido complicado”.
Foto: Oscar Burotto
Persōna el nuevo álbum de Laikamorí, no hace sino consolidar la expectativa que nos generó la dupla misteriosa, desde su impecable EP debut °°°°°°° (2014), pues a su ensoñadora propuesta, embargada por la nostalgia y lo enigmático, se ve esta vez robustecida por la inclusión de trazos “ambient” y electrónicos, además de la participación del gran Mario Silvania en la producción.
Conversamos con el dúo sobre sus orígenes, presentaciones dentro y fuera del país, su próxima gira por España y por supuesto de su reciente trabajo que, será presentado en vinilo, disco compacto y casete próximamente.


NÚCLEO
Foto: Oscar Burotto
Vuestro proyecto está rodeado por lo enigmático y misterioso. Desde sus atuendos, composiciones y videos. ¿Cómo surge el concepto de lo que sería Laikamorí? 
¿Quiénes influyeron en su música e imagen?
La idea surge de querer sumergir al espectador y oyente en una experiencia diferente y surreal, pero sobre todo completa. En donde lo visual y sonoro se mezclen con la performance, y formen una amalgama que estimule y empatice con quien nos vea. Eliminar los rostros, nombres y pretensiones. Creando personajes que nos representen y ayuden a que todos puedan sentirse identificados con las emociones de las canciones. Para eso nos han influido bandas como Cocteau Twins, Sigur Rós, Sleep Party People, Radiohead, Beach House, o Slowdive.

¿Qué simbolizan sus rostros oscuros con diamantes?
El vacío, la nada, un cúmulo de estrellas salpicadas en el infinito.
Foto: Oman Morí


"…Ocultarnos detrás de máscaras nos libera de nosotros mismos…”




ENCUENTROS CERCANOS...
Foto: @Blinkexposure
¿Qué recuerdan de sus primeras presentaciones en vivo y las reacciones del público?
Curiosidad, extrañeza, no saber cómo reaccionar ante una presentación donde el “pasarla bien” o “rockear” no eran el objetivo, sino generar una complicidad con el público en donde ellos también busquen involucrarse. Es por ello que las presentaciones han sido un aprendizaje también para nosotros, el proceso se va afinando poco a poco. 

A parte de Lima, ¿en qué otras plazas nacionales y foráneas se han presentado? ¿Qué tal la recepción ? 
Hemos ganado el fondo Ibermúsicas en dos ocasiones, eso nos ha permitido tocar tres veces en Chile en el 2016 y nos permitirá viajar a Europa entre septiembre y octubre de este año. También hemos estado en el Cusco, donde sentímos que la recepción y la asistencia fue mucho más comprometida que en Lima. Asimismo, también viajamos a Sao Paulo, Brasil y en dos ocasiones a Cajamarca.

DEBUT
Su EP °°°°°°° (2014) recibió buenos comentarios de varios medios virtuales del continente. ¿Cómo las tomaron y qué reflexiones les generó para la producción de lo que sería el nuevo disco?  
Nos sorprendió el recibimiento que tuvo nuestra música en la escena. Nos descubrieron accidentalmente en "Soundcloud" meses después de emitir esas 5 canciones, nunca tuvimos como objetivo tener un proyecto musical serio y constituido.
Las reseñas nos motivaron, pero lo que de verdad moldea las composiciones es nuestro inconsciente, y teorizarlo siempre ha sido complicado.

PERSōNA

Foto: Oman Morí
En Persōna se aprecian sonoridades más cristalinas, ensoñadoras y nostálgicas con respecto a °°°°°°°, así como también de rasgos “ambient” o electrónica de trazos “dance” en temas como “Saudade” o “Anonyma”. ¿Cuál fue la propuesta o plan inicial de Laikamorí para este álbum? ¿Qué ideas fueron apareciendo en el transcurso de su grabación?

Para el segundo disco la idea era hacerlo de manera profesional, ya que el primer EP fue hecho en casa. Fue un proceso largo y minucioso.
Asimismo, Laikamorí tuvo ciertos cambios que exacerbaron la melancolía en las melodías. Poco a poco se empezó a ejercitar la capacidad creativa que todos tenemos en el sopor, que es un estado entre el sueño y la vigilia, en donde la realidad se va distorsionando por la invasión de los sueños y resultan pensamientos especiales.

¿Por qué el misticismo, el misterio, la tristeza y las líricas ininteligibles se convierten en los postulados de su obra musical?
Foto: Oman Morí
Muchas veces las letras (y buscar entenderlas) provocan que el pensamiento sobre la canción sea muy terrenal, consciente, arraigado a una superficie. Las letras ausentes o ininteligibles son un factor más para que la música sea la protagonista, que, como un mantra, estimule a quién quiera estar en sincronía con ella.
La intriga y el anonimato son los principales elementos que ayudan a focalizar la atención en la experiencia y no en el físico o el sexo de dos personas. Alejar lo humano. También ocultarnos detrás de máscaras nos libera de nosotros mismos, nos lleva a ejecutar la música de una manera que de lo contrario no haríamos.

Foto: Jaume ML
¿Qué factores fueron determinantes en la elección de Mario Silvania como el productor de Persōna?
Silvania ha sido siempre un referente en la creación de paisajes sonoros, algo que nos atrae mucho construir. A Mario le gustó la idea de ayudarnos y emprendió el proyecto después de no trabajar en música durante varios años.

¿Qué tal la experiencia de trabajar con Mario Silvania? ¿Cuáles consideran que fueron los aportes más importantes que Mario les brindó como productor?
Mario estuvo a lo largo de todo el proceso, y de manera muy disciplinada nos guió hacia el sonido que buscábamos. Fue una pieza clave en motivar al equipo y hacer que todo sea más fluido y coherente.

Jaír Ramírez de Pumuky ejecuta sintetizadores adicionales para el tema “Endlos”. ¿Cómo llega a concretarse su participación en el disco?
Uno de nosotros conoció a Jaír en el Festival Paraíso Vacío del año 2016 en donde tocamos junto a Pumuky. Desde las dos partes sentimos una conexión sensorial y musical entre los dos proyectos, y es por ello que después de varias conversaciones, Jaír accedió a colaborar con nosotros en el nuevo disco, con una atmósfera que sobrepasó nuestras expectativas.

Foto: @Blinkexposure
Justamente en octubre de este año, participarán en el festival Keroxen en Islas Canarias organizado por el dúo español. ¿Cómo está la expectativa para esa participación? ¿Existen posibilidades de hacer una gira por el viejo continente?
El festival Keroxen, que se dará a finales de octubre, será el final de nuestra gira por allá, que comenzará un mes antes. Aún estamos agendando fechas, pero también podemos confirmar que el concierto inicial será en el Festival Autoplacer 2018 en Madrid.

VIDEOS 
No quiero quedarme con algunas dudas sobre sus impecables videos. Si bien se entienden sus secuencias narrativas tanto de “Norfolk” como de “Psi Gamma”, ¿qué representan o simbolizan? ¿Qué desean transmitir con ellos?
Son pequeños retazos de la fábula de los personajes del dúo, de su historia u origen. Buscamos escenarios oníricos que se alejen de la realidad, pero partiendo de esta, de una manera minimalista y de fácil identificación. Son imágenes que ayudan a profundizar en el aura de la canción.

¿Cuándo saldrá la edición física de Persōna?
En unas semanas estará disponible el disco en formato CD, posteriormente será emitido en vinilo y casete.


RESEÑA

Foto: Oman Morí
PERSŌNA
LAIKAMORÍ
PLASTILINA RECORDS
(2018)
El enigmático dúo capitalino de ensoñador sonido, retorna con nueva discografía bajo el brazo, tras cuatro años desde la aparición de su magnífico EP debut °°°°°°°. Se trata pues de su primer larga duración, titulado Persōna, con el cual la dupla intenta transmitir o reproducir las emociones y sensaciones que emanan de su inconsciente y que contó con el apoyo de Mario Silvania en la producción.
El nombre del registro hace referencia a una palabra en latín que significa “máscara” y que plasma el concepto del conjunto, pues como lo han explicado en algunas entrevistas, con sus identidades incógnitas se desinhiben del “yo”, para convertirse en entes que liberan sus ideales sonoros, de rasgos oníricos, incrustados en lo más recóndito de sus almas.
Foto: Raymond Rodríguez
Persōna encierra una misteriosa y enigmática musicalidad, que nos incita a fascinar la mente, evocando añoranzas, utopías, sueños, esperanzas, fracasos o pérdidas, como si fuera la banda sonora que saca a flote nuestro subconsciente, en algunos momentos para escarbar en nuestras heridas más profundas y en otros para brindarnos un halo de fe.
Foto: Raymond Rodríguez
Si uno realiza una exhaustiva revisión de los títulos de las pistas y su contenido, irá descubriendo aspectos que giran alrededor de lo cosmopolita, psíquico y ecléctico. Así podemos encontrar palabras de origen alemán, latín o portugués, referencias a lugares despoblados, espíritus ancestrales, mitos, films, números binarios, entre otros términos cuyo engranaje resulta misterioso y que en esta reseña intentamos descifrar e interpretar, pero ante todo somos también conscientes que nuestras suposiciones pueden estar erradas.      

La elegiaca “Sísifo” da inicio a una jornada introspectiva, con una reflexiva melodía de guitarras y sintetizadores, que nos invita a meditar sobre el propósito de nuestra existencia, enrarecida por la rutina, tal como insinúa el nombre de la pieza, que alude al rey de Corinto, que Albert Camus representa en su mito, presentando la repitencia del “algoritmo de existir”. La pista armoniza esa perseverancia de seguir una y otra vez a pesar de lo insignificante que puede resultar vivir así, cuya melancólica sonoridad nos hace recordar a los islandeses de Sigur Rós.    
Flotantes cajas de ritmo, nos impulsan a alzar vuelo con el arrebato de nostálgicos sintetizadores y cuerdas, en la volátil “1957”. Luego, en “Masken” (máscara en alemán) somos atrapados por una atmosfera envolvente (y ascendente) de sintetizadores espaciales, cristalinos punteos y riffs, etéreas percusiones y extrañas voces, que trasladan nuestros pensamientos hacia inhóspitos paisajes. En “Anima” (alma en latín, pero también término de referencias psicológicas y filosóficas) nos capturan con sus taciturnos teclados y sonoridades semejantes a olas crepusculares, conduciéndonos al frente de un nebuloso horizonte en medio de un paisaje de playa invernal, peguntándonos ¿por qué estoy aquí?

La electrónica “in crescendo” de la psíquica “Psi Gamma” combinándose con atmosferas “dream-pop”, nos sitúa en trance y a cuestionar la realidad que nos rodea. La misteriosa, y por momentos tenebrosa “Nurikabe” (palabra japonesa que hace referencia al yōkai, el espíritu del folklore japonés), nos sumerge dentro de una lóbrega ambientación, para luego convertirse en una delicada pieza, capaz de sedarnos los sentidos, gracias a sus finos arpegios que van circulando acompañados por una ralentizada percusión, para evaporarse de manera imperceptible.

En “Saudade” (vocablo portugués relacionado con la melancolía), gratas melodías “dream-pop”, junto con espectrales sintetizadores y ligeros “beats”, van sucediéndose cual suspiros, logrando recrear música que nos hace divisar anhelos indescifrables, pero sentimos reales, depositando la fe en algo abstracto, cuyos bellos sonidos mutarán hacia una extraña, pero emotiva marcha zigzagueante de “synths” y sonoridades reproducidas por una maraña de artilugios electrónicos, que finalmente entrarán en reposo.
Casi en el tramo final del disco, nos encontramos con dos títulos numéricos, el primero de ellos “M111”, donde (¿se referirán acaso a una carretera despoblada de Madrid en el distrito de Baraja?) tras un breve preludio de oscuros sonidos, irrumpe de manera triunfal, un añejo órgano de Iglesia y luego la voz de uno de los entes de Laikamorí, se expande con esplendor, embargándonos de nostalgia su peculiar melodía, dejándose escuchar el resueno de metales y teclados en notas altísimas; mientras que el segundo, “100110” (cifra relacionada con lo binario y hexadecimal), el acto más breve de la obra, resulta lo más etéreo de la misma, por sus rasgos gaseosos y vaporosos.  

Finalmente, cierra el álbum dos piezas de nombres germanos, “Anonyma” y “Endlos”, cortes donde participan en los sintetizadores Mario Silvania y Jaír Ramírez (Pumuky) respectivamente. El primero es una galopante marcha electrónica precedida por atmosféricos “synths”, interviniendo también nostálgicos arpegios y las voces procesadas del dúo alcanzando rangos siderales. Su título nos remite a una película alemana, sobre una mujer berlinesa (ex fotógrafa y periodista) que sobrevivió durante el final de la segunda guerra mundial, a los vejámenes de las tropas rusas, al entablar un romance con un oficial. Mientras que la última se refiere a lo interminable e infinito, y donde incursionan nuevamente las voces de los entes poblando el espacio, con sintetizadores dispuestos a alzar vuelo con una potencia sideral, además de poseer arreglos de sonoridades rocosas y líneas de sintetizadores de influencia Kraftwerk, coronado de manera magistral Persōna, además de ofrecerle un épico final.
El álbum fue grabado en el Dragón Verde de Lima, con Juan José Salazar en los controles y mezcla, para luego ser masterizado por Juan Stewart en El Árbol, de Buenos Aires Argentina. El registro será editado primero en disco compacto y posteriormente en ediciones en vinilo y casete por el sello Plastilina Records y desde ya animamos a hacer lo imposible por obtener una copia física del mismo, pues estamos ante uno de los trabajos que lidera lo mejor del presente año.     




RETROSPECTIVA

miércoles, 4 de abril de 2018

ENTREVISTA CON SEXORES


“East / West es un experimento y a su vez un tributo a la música con la que crecimos”
Emilia Bahamonde

SEXORES
ENTREVISTA
Este mes de abril tendremos la visita de una de las bandas más atractivas del momento en nuestro continente, Sexores, quienes estarán presentándose los días 13 y 27 de abril en Lima gracias al sello Buh Records, casa discográfica que lanzará en breve los formatos físicos, Vinilo y doble Cd, de su reciente álbum East/West, disco donde relegan ligeramente su reconocida atmósfera “shoegaze” y “dreampop” , para dar mayor relevancia a las ambientaciones “synth-pop”, además de presentar adicionalmente ocho piezas experimentales, de corte instrumental y trazos “ambient” y etéreo. Sin duda, un registro que encantará a los amantes de los sonidos ensoñadores y las programaciones.
Dialogamos con los líderes de esta hipnótica propuesta proveniente del Ecuador, la pareja sónica conformada por Emilia Bahamonde y David Yépez, quienes nos contaron sobre su trayectoria, registros sonoros y último disco, el cual tuvieron la gentileza de comentarnos pista por pista. Además, de dejarnos entrever que el futuro del sonido de Sexores, proseguirá la senda innovadora de East/West.
Si bien, la carrera de la banda se inicia el 2010, con el single “001”, el EP Amok & Burnout (2011) y otro single “Titán” (2013), además de contar con una formación diferente a la actual, su álbum Historias de Frío (2014), fue el que marcó el punto de quiebre para los ecuatorianos y desde ese hito, parte nuestra tertulia virtual.

TM. Sé que deben estar “cansados” de absolver esta pregunta, pero para quienes todavía no los conocen, ¿Podrían contarles sobre los orígenes de Sexores?
Sexores. Empezamos en 2010 como un proyecto de música industrial, sacamos nuestro primer disco, cambiamos de integrantes y encontramos el sonido que nos caracteriza hasta ahora.

¿Qué bandas han influenciado en el sonido de Sexores?
S. Depende de la etapa, en Historias de Frío, por ejemplo, nos influenció mucho el trabajo de Phil Spector, The Jesus and Mary Chain, Cocteau Twins, Glasvegas, Blonde Redhead, en la etapa de Red Rooms escuchábamos mucho Lush, My Bloody Valentine, Beach House... ahora en esta etapa tenemos la influencia de toda esa oleada de bandas synth-pop de principios de los 80s, The Human League, OMD, New Order, Culture Club, Pet Shop Boys...

Si no me equivoco, ustedes se mudan para Barcelona y editan su álbum “Historias de Frío” (2014), disco de rasgos estéreos e introspectivos ¿Cuál fue su repercusión?
S. Fue el disco que nos dio a conocer, todo empezó con esa etapa. El hecho de vivir en Barcelona, tener la oportunidad de girar en Europa, ir a algunos festivales de Estados Unidos. Editar Historias de Frío fue nuestra declaración de intenciones.

Luego, editan el casete de edición limitada (también disponible en digital) del EP Red Rooms (2016), de características más melancólicas que su antecesor, ¿Por qué no salió en Cd? ¿Consideran que los formatos físicos están en vías de extinción?   
S. Absolutamente. El formato físico se extingue, creo que son artículos más para coleccionistas o para verdaderos fans. Para mí es una reliquia tener algo físico de alguna banda que sigo, pero la mayoría de personas no piensan igual. Nuestra idea de editar nuestra música en distintos soportes, es para experimentar en términos de sonoridad y de mercado.

Han tenido la oportunidad de participar en diversos festivales, ¿cuáles recuerdan con mayor añoranza?
S. El SXSW en Austin, el Integraciones en Lima y el VAQ en Quito. También recordamos nuestra primera vez en Quito después de haber regresado de Barcelona, fue en la Fiesta de la Música, la gente no entendía lo que hacíamos, era la primera vez que escuchaban algo así.

Ustedes (Emilia y David) son una pareja por decirlo de alguna manera, “académica”, ambos son profesionales en música, docentes y cuentan con especializaciones ¿Cómo éste aspecto ha contribuido en evolución sonora de Sexores?
S. Tal vez en el cuidadoso manejo de cada proceso. Somos muy meticulosos a la hora de componer, escribir letras o buscar la imagen adecuada. También nos ayuda a buscar nuevas formas de experimentación musical con distintos instrumentos.

¿Cómo ha sido para ustedes batallar en un país donde vuestro estilo no es conocido? ¿Cuál ha sido el máximo rango de exposición o logro que han alcanzado?   
S. Ha sido complicado. Hemos tocado en la mayoría de festivales importantes del país, también hemos hechos bastantes conciertos autogestionados, hemos ido a radios y salido en los principales medios impresos, sin embargo, Ecuador es un país pequeño, demográficamente estamos en contra, además está el hecho de que la música que hacemos no es un estándar local. De cualquier forma, estamos viendo que, con este álbum hay más gente en el país que está interesada en Sexores.

¿Qué nos pueden contar sobre la escena “underground” o alternativa ecuatoriana?
S. No nos hemos sentido parte de una escena, aquí todo es muy segregado, la verdad. Somos una banda con un sonido diferente, y creo que, para formar parte de alguna escena, tienes que tener un sonido parecido.

Emilia en pleno trance. Foto: 2046 by Luna 23 disponible en el facebook de la banda
A diferencia de sus anteriores álbumes, aunque en temas del Red Rooms como “U.R.S.S. Girls”, ya lo venían realizando en menor grado, en “East/West” le añaden más “loops”, programaciones y sintetizadores a su sonido ¿Cómo se generó este proceso de innovar con sonoridades sintéticas para su introspectiva propuesta? ¿Cómo se vuelven a animar a experimentar con la electrónica? Pues leí, que en sus inicios un poco que rehuyeron de ella para no sonar “industriales” ni festivos.  
S. La electrónica siempre ha sido un componente importante en la banda, incluso en Historias de Frío, ahí se pueden escuchar instrumentos programados. La diferencia a nuestra etapa inicial es la solidez del proyecto en todos los sentidos. Cuando empezamos la banda teníamos entre 23 a 24 años, estábamos probando, teníamos otros integrantes. Ahora consideramos a esto nuestra profesión, y eso ha ayudado totalmente a la habilidad de tomar todo tipo de elementos para incluirlos en nuestra música. East / West es un experimento y a su vez un tributo a la música con la que crecimos, por eso la electrónica vuelve a tomar presencia y dejamos a un lado el trabajo con guitarras y baterías acústicas.

Adicional a la incursión de la electrónica, ¿Qué otra novedad nos ofrece en East/West?
S. El uso de sintetizadores y procesadores de voz, en este disco usamos algunos sintetizadores análogos y vocoders. Líricamente el disco es muy personal, interpretaciones de nuestros propios estados de ánimo o de nuestras experiencias en ciudades específicas.

Así será la gira de Sexores por Perú, Bolivia y Chile
“East/West” está siendo lanzado por Buh Records, ¿Cómo se inició la relación con el sello peruano?
S. La relación se inició en 2015, cuando Luis Alvarado nos contactó para ir por primera vez a Lima. A partir de ese año hemos estado en constante contacto con el sello, sobre todo para hacer conciertos en Lima. Ahora sentíamos que la mejor forma de potenciar este lanzamiento era haciéndolo a través de Buh Records, es un sello posicionado, con mucha experiencia, eso era lo que nos interesaba. Nos sentimos contentos de poder formar parte de su catálogo.

El disco adicional que forma parte de la edición doble de East/West, está plagado por “drones” y piezas de corte “ambient”, ¿El futuro de Sexores será hacia la electrónica más densa y experimental?
S. Como banda tal vez no, pero como músicos independientes tenemos todas las ganas de meternos a experimentar más dentro de esos estilos. En un futuro tal vez salgan trabajos independientes a Sexores. El futuro de este proyecto, al menos a mediano plazo, es de dos discos más, uno apegado a la idea de East / West, y otro que explorará otras sonoridades.

EAST/WEST TRACK BY TRACK
En esta segunda parte de nuestra conversación con Emilia y David, los músicos ecuatorianos amablemente nos reseñan cada una de las pistas que forman parte de su impecable disco doble.
EAST/WEST
“Tales of the East Coast: a) Bluish Lovers”
David. Es una canción de amor en pareja; visualmente está inspirada en Nueva York y es la primera parte de esta especie de cuentos de la costa este estadounidense. La primera vez que fuimos a esa ciudad, personalmente me dejó una fuerte impresión: hacía mucho frío y las calles eran inmensas, básicamente éramos Emilia y yo en un lugar que nunca olvidaremos.
“The City That Sorrow Built”
David. Siempre bromeo que otro nombre para esta canción podría ser Quito, aunque a veces siento que la música es demasiado buena como para describir a esta ciudad, sin embargo, me quedó con la imagen del Quito lluvioso y lleno de neblina; esta canción significa eso, el lugar que produce toda mi tristeza, no me gusta vivir aquí, pero a la vez no me quiero ir porque aquí están las personas que amo.
“When I'm in Your Eyes”
Emilia. Esta canción es una especie de estado de ánimo desde el punto de vista de un niño abortado que entiende que es mejor irse antes que ser una carga para una madre que no escogió esa responsabilidad. Sabe que ella lo amará y que permanecerá en sus recuerdos, pero él también la ama y prefiere dar su vida por ella.
“Tropical Nest”
Emilia. Es un retrato de la vulnerabilidad de las niñas en Latinoamérica. Aquí eres culpable si te violan pues fuiste responsable de provocarlo. Por ser niña debes asumir los estereotipos de la sociedad que te limitan a perseguir tus verdaderos sueños.
“Underneath”
Emilia. La escribí para los abuelos de David, específicamente. En general, aquí hablo de las parejas que han sobrevivido al tiempo. Las relaciones cambian con los años, pero se deben afrontar juntos los momentos buenos y malos, la salud y la enfermedad.
“Evil Drivers”
David. Está canción está inspirada en los comics de Ghost Rider, en Hellraiser y en algunas road movies. Hay como un deseo de justicia y venganza dentro de una canción que en los sintetizadores suena a Pet Shop Boys. Para hacer que la idea lírica calce en una canción tan estilizada, prefiero pensar en las películas de Nicolas Winding Refn o en esos clásicos ochenteros como Maniac Cop o Into the Night, son mejores referencias visuales.
“Berlin”
David. Es una confusa carta de amor que evoca obsesión y masoquismo dentro de secretos matices líricos y una instrumentación agresiva. La canción perfecta para bailar en los clubes de Europa del Este. Me inspiré cuando estuvimos viajando por Europa, sobre todo cuando conocimos un par de clubes en Berlín.
“Rigel”
Emilia. La curiosidad a lo desconocido, la vida más allá de nuestro planeta. Muy lejos en las estrellas puede que se encuentre alguien que todavía está esperando conocerte.
DISCO INSTRUMENTAL
“The Great Blue Hole”
Emilia. Siempre hemos sentido curiosidad por el fondo del mar. Hay mucho por conocer, pero nuestro cuerpo no nos lo permite.
“Dazed”
Emilia. Sentirse aturdidos por la vastedad, estamos solos en realidad en medio del universo y somos un punto insignificante dentro del infinito.
“#nsfk”
David. Todas las perversiones y los vicios de los adultos. Estamos podridos y nos da náuseas la corrupción de la mente humana.
“Tales of the East Coast: b) Neon Hearts”
David. Es una variación instrumental de Bluish Lovers, pero en este caso representa un “pad” infinito.
“6th floor”
Emilia. Es una representación del hastío por la cotidianidad, pasar la mayor parte del tiempo dentro de una oficina, hasta casi convertirse en una máquina.
“Tibidabo”
Emilia. Amamos Barcelona, pero cuando fuimos la primera vez nos costó adaptarnos al nuevo ritmo de vida. La primera tarde que visitamos el Tibidabo y encontramos el museo de autómatas como por coincidencia (la especialización de Emilia) entendimos que ese era nuestro destino.
“Luna”
David. Dedicada a los animales de la calle, que han sido o no abandonados y que deben pasar un sinfín de penurias, desde encontrar comida, hasta cruzar la calle y buscar un lugar para dormir.
“This is Not My Way Back Home”
David. Cuando regresamos a Ecuador a pesar de que tuvimos mucho más apoyo del público, nunca nos sentimos tan aceptados como en Europa. Es como si fuésemos alienígenas tratando de comunicarse en un idioma desconocido.

RETROSPECTIVA