NICK CAVE & THE BAD SEEDS: DURO TE ES DAR COCES CONTRA EL AGUIJÓN PARTE III (1991-1999)

ENTRE LA TEMPESTAD Y LA CALMA POR SEGUNDA VEZ

Pareciendo algo cíclico, repetitivo, o como ya planteado de antemano, Nick Cave & The Bad Seeds nos ofrecen para la década de los noventas la misma ¿fórmula? Musical utilizada durante los ochentas, es decir pasar de lo salvaje, perturbador y sombrío a lo apacible, sosegado y calmado, iniciando la década de la misma forma que lo hicieron en los ochentas. Muestra de ello son álbumes como Henry’s Dream y Let  Love In, donde regresan a aquel sonido crudo y sucio, pero sin llegar a la paranoia primitiva de sus comienzos, y terminan el decenio (aunque tempranamente) con el tierno The Boatman’s Call (1997). Me explico mejor, era como ir del From Here To Eternity al The Good Son nuevamente.

Aunque esa tempestad y calma sonora no es tan radical ni marcada entre los diferentes álbumes producidos en los noventas, estos climas sonoros se van intercalando entre las diversas canciones de los mismos, es decir no podemos afirmar que hay un álbum que sea de puras canciones duras ni otro de canciones delicadas, salvo The Boatman’s Call.

Lograr hacer cuatro grandes álbumes en solo 7 años es algo muy destacable, cada uno de ellos derrochando madurez y solidez musical. La experiencia en la brega son plasmados a la perfección en los extraordinarios Let love In (1994) y  Murder Ballads(1996). Nick Cave & The Bad Sees, dan muestras de que aún tenían mucha creatividad por ofrecer así como corazones por desgarrar, cerebros que patear y cuerpos que sacudir con su delirante propuesta lirica y sonora.

HENRY’S DREAM (1992)   

El séptimo álbum de Nick Cave & The Bad Seeds significó para muchos fans el retorno del lado más radical y visceral de la banda, un alivio tras el “shock” que significó para ellos The Good Son, fue un esperanzador renacimiento hacia el crudo y áspero sonido que los cautivó varios años atrás.

Como ya era una costumbre para cada nuevo álbum, la formación experimentó algunos cambios, Kid Congo Powers dejó la banda e ingresó el bajista Martin P. Casey, pasando Harvey a la guitarra, otro arribo fue el del pianista Conway Savage.

Henry’s Dream es melancólico, conmovedor, triste pero también vibrante, en donde la temática gira entre el pecado y el sufrimiento. De arranque el disco golpea los sentidos  con la escalofriante “Papa Won’t Leave You, Henry”. Nick sigue derrochando dramatismo en sus interpretaciones, como solemnidad en el canto de “Christina The Astonishing” y gritos apasionados en “I Had A Dream, Joe”, los chillidos de “Jack The Ripper” o los canticos estruendosos de “Brother, My Cup Is Empty”. Las delicadas “Straight To You” y “The Loom Of The Land” son muestras de amor y ternura en medio del torbellino. El álbum es una nueva pesadilla sónica para el disfrute.

LET LOVE IN (1994)     

UNA OBRA MAESTRA (con mayúsculas), un álbum memorable el que hicieron Nick y sus malas semillas, desde la primera vez que lo escuché, sentí que se me escarapelaba el cuerpo con esas líneas sombrías y tenebrosas de “Do You Love Me” o el latigazo sonoro de “Loverman”, era suficiente para sentir que estaba ante un gran disco.

Let Love In es un álbum de texturas increíbles, de escultural brillantez, intenso y deslumbrante, en donde sale algo de la cruel belleza del pasado. El resultado fue un disco cuya fortaleza y cohesión aventajó en algo lo previamente alcanzado por los Bad Seeds, y cimentado lo que vendría a continuación.

Para Blixa Bargeld este álbum significó un “gran y maduro registro que representa el comienzo de un nuevo periodo para los Bad Seeds”, de otro lado para Mick Harvey “Let Love In era un ejemplar Bad Seeds álbum, tomamos lo que habíamos aprendido de Henry’s Dream que fue solo hacer lo que habíamos mejorado, es decir dejar de ser flojos y decirnos ‘eso es suficiente’”.  Let Love In sería una experiencia de aprendizaje para la banda, Blixa explicaría que  “con cada grabación trataba de encontrar algo nuevo que podía hacer, buscando nuevas maneras de tocar la guitarra porque soy un anti-guitarrista” ello se ve cristalizdo en temas como “Red Rigth Hand” o “Loverman”.

Nick Cave hizo algunos bocetos para las canciones en Londres con Rowland S. Howard y James Johnston de Gallon Drunk, incluyendo una muy primera versión de la frenética “Thisty Dog”. “Do You Love Me” fue escrita en también en Londres, en una barraca a la espalda de la casa de Nick en Notting Hill. “Tomé la primera línea de algo que mi antigua novia Anita Lane me dijo cuando ella estaba recordando nuestra relación, todo fuego y ruido” confesaría Nick sobre el origen de la canción.

“Do You Love Me” es arreglada alrededor de la línea de bajo de Martin P. Casey con liricas que son hipnóticas y desesperantes. Ese título abría y cerraba el álbum, creando una atmósfera sónica ideal de escalofriante perversidad.

“Red Rigth Hand” fue tomada de un fragmento del jam titulado “Where the Action Is”, que está incluido en el bonus track incluido en el dvd que acompaña  a la edición remasterizada del álbum del 2011, en donde Mick y Thomas tocaban una especie de ritmo latino a la cual Nick le agregó una precaria lirica. Harvey recuerda que existían dos versiones, ambas las grabaron como piezas instrumentales y que eso “fue tocar sin una guía vocal”. La canción narra la historia de un carismático líder de una secta de los suburbios de la ciudad. Una campana de iglesia, un órgano, la reverberante guitarra de Blixa y una línea de bajo casi funky construyen el fondo musical que acompaña al apocalíptico relato. La perturbadora pieza aparecería en las tres entregas del film Scream.

Tanto “Jangling Jack” como “Thirsty Dog” son dos canciones vehementes de liricas nihilista e innecesaria violencia, tan brutales y horrorosas en toda su amplitud.  La antítesis, quizás, es la bella y agradable “Nobody’s Baby Now” que es una continuación de la balada de amor que Cave había estado puliendo a lo largo de sus álbumes. Mientras tanto “Loverman” retorna al Bad Seeds sencillo, visceral y de densa atmósfera, en donde los esquizofrénicos cantos y gritos de Cave colindan con lo demoniaco. Su comienzo lento  y amenazador es de pronto sacudido por una estruendosa explosión sónica de ruidos y gritos. “Ain´t Gonna Rain Anymore” se encarga de transportarnos a un ambiente sonoro de siniestro y suspenso mientras que “Lay Me Low” es un tema dramático y desquiciado a la vez. Cierra  el álbum la perturbadora “Do You Love Me? (Part 2)” la continuación de la pieza inicial, pero esta vez el relato continua bajo un sombrío y espeluznante ambiente sonoro construidos por diferentes instrumentos de cuerda, con un Nick que emana una voz enfermiza, propia de una maníaco asesino o pervertido pero que igual llega a cautivarnos cuando entona el estribillo “do you love me…”.   

La reedición del álbum es acompañada por su respectivo video documental, bonus, y los videos de “Do You love Me”, “Red Right Hand” y el alucinado “Loverman” en donde se filmó a Nick y su banda durante sesiones de hipnosis, como para que se escarapelar aún más el cuerpo y sacudir los sentidos. Let Love In es uno los mejores álbumes de los noventas y junto con Your Funeral…My Trial disputan el puesto por el mejor álbum hecho por la banda.      

 MUDER BALLADS (1996)  

Más de sesenta muertos a lo largo de once canciones, es el resultado de este extraordinario álbum ¿conceptual? Que gira en torno a la muerte y el asesinato, temas que Nick había abordado desde su época con The Birthday Party, y volvería a visitar en varias ocasiones a lo largo de su rico catálogo Bad Seeds.

Esa tierna e infantil pintura de la portada, de la cabaña en medio del bosque en tiempo de nieve, no ofrece ninguna pista del contenido del álbum, inspirado en baladas sobre asesinos, un tipo de canción popular del siglo XVIII que narraba crímenes cruentos. Algunos especularían que la imagen de la portada es la visión que el asesino tiene sobre sus próximas víctimas.

Al terminar Let Love In Nick tenía canciones de sobra que trataban sobre asesinatos como “O’Malley’s Bar” y “Song Of Joy” que eran muy buenas como para dejarlas ser solo b-sides. Sobre todo la primera, que para Cave marcaría el camino de la siguiente producción. El álbum nunca se planeó como un disco normal, iba a ser la banda sonora de una película. Para Mick Harvey “era un álbum de transición entre Let In Love y The Boatman’s Call”.   

Blixa y Nick concibieron la idea de hacer un álbum que hable exclusivamente del asesinato a través de baladas, canciones folks, canciones blues, añejo rock and roll y canciones rap. La otra canción, “Song of joy” fue originalmente titulada “Red Right Hand N°2”, que Mick Harvey la recuerda como “una canción profunda  y aterradora”.

Las canciones de Murder Ballads varían mucho en su estructura y presentación, desde iluminadas hasta absurdas, de perturbadoras a psicóticas pero todas narradas de manera magistral y espeluznante por Nick, en la que parece divertirse a plenitud. En la revista Caleta N°12 Marco Rivera clasifica el álbum en tres ejes según sus líricas: “serial Killers (‘Song Of Joy’, ‘O’Malley’s Bar’), la criminal fascinación por la belleza (‘Henry Lee’, ‘Lovely Creature’ o [Where The Wild Roses Grow]) y la exaltación del asesinato como marginal/maldito (‘Stagger Lee’ o ‘The Curse Of Milhaven’)”.

Al hablar de Murder Ballads  hay que resaltar el aporte de las grandes interpretaciones de Nick en sus dúos conformados con J.P Harvey (su novia de entonces) y Kylie Minogue respectivamente.

Para este nuevo álbum llega a la banda el baterista Jim Sclavunos, proveniente de la escena newyorkina del CBGB quien había tocado con Sonic Youth, The Cramps y Lidia Lunch entre otros.

Los Bad seeds entrarían al Sing Sing Studio de Melburne para terminar de hacer realidad su alucinada propuesta, en donde crearían el álbum con relativa rapidez, cuyas sesiones de grabación se caracterizaron por una banda que acudía al estudio sin nada preconcebido y un Nick llevando un par de libros escrudiñados de antiguas baladas asesinas, entonces vendrían las adaptaciones y las ideas musicales, aunque Nick ya había hecho algunas estructuras básicas para las canciones. Luego se realizaba una lluvia de ideas y la banda al final de la jornada se marchaba con la grabación de la sesión para escucharla y regresar al día siguiente.

El álbum se inicia con la tétrica “Song Of Joy” pieza musical sombría y decadente en donde la narración y la ficción se unen  a la perfección para relatar el tormento de un testigo de la masacre vivida por su propia familia a manos de un asesino que escribe en las paredes con la sangre de sus víctimas. La violencia ensalzada en su máximo esplendor es la grotesca pero no por ella deja de ser magnifica  “Stagger Lee” basada en una antigua balada folk americana, por  aquella época Nick asistía a conciertos de bandas “gangsta rap” y algo de ello influye en la interpretación del “crooner” en el tema, haciendo una especie de extraño “rapeo” gótico. Jim Sclavunos recuerda sobre la creación de la controvertida canción: “traje esta versión a Nick pues pensé que la disfrutaría pero no imaginaría realmente lo que haría con ella”. El hipnótico ritmo de la canción fluyó de la inspiración  del bajista Martin Casey a quien se le había pedido que toque algo suave y sexy, toda la banda al unísono, tras escuchar la seductora línea de bajo de Casey exclamaría: “¡Esa  es!”. La química fue tal que el tema se terminó en una hora (¡!), hay que resaltar los terroríficos gritos de Blixa hacia el final de la pieza que según algunos miembros de la banda les hizo  “erizar los bellos de la nuca” al escucharlos.

Luego del caos y furor sembrado por “Stagger Lee”, el ambiente es apaciguado por la bella “Henry Lee” cantada a dúo con P.J Harvey, Nick sentenciaría al respecto: “la contribución de Polly volvió esta sencilla canción de inmediato en un clásico”, resultando pegajoso y dulce corito (La la la la / la la la la lee /A Little bird down on Henry Lee). La canción fue inspirada por el tema “The Curse Of Millhaven” corte rabioso, totalmente opuesto a la delicada pieza en mención, y cuyo coro es muy similar (La la la la la la lie / All God’s children they all gotta die). Blixa y Mick Harvey conversaron y se peguntaron “¿por qué no hacer una versión lenta de lo que habían tocado?” y en eso se convirtió  “Henry Lee”.

El single se convirtió en el más vendido de la banda en todo el mundo

“Lovely Creature” se encarga de crear un paisaje sonoro alucinante como si estuviéramos en medio de un remolino, en donde el sonido se traslada de manera ondulante, y de fondo se deja escuchar los seductores coros de Katharine Blake. El segundo dueto del álbum, Nick lo conforma con la cantante australiana Kyle Minougue para la hermosa “Where The Wild Roses Grow” con cuarteto de cuerdas incluido, donde se expresan tanto la vida como la muerte, y en donde el asesino responde con una pedrada en la cabeza ante las muestras de amor de su amada. En 1989 la banda ya había intentado hacer un dúo entre Nick y Kylie pero fue negado por su representante, según él por la ocupada agenda de la artista. En esta ocasión los Bad Seeds no estaban dispuestos a otro rechazo, así que hicieron el contacto con Michael Hutchence (el fallecido líder de INXS) quien era pareja de la australiana. El single se convertiría en un éxito que los llevaría a presentarse en Top Of The Pops, pues era sin duda uno de las canciones más sobresalientes del álbum, el single se convirtió en el más vendido de Nick Cave & The Bad Seeds en todo el mundo. 

El violinista Warren Ellis, actual brazo derecho de Nick, tiene una mayor participación en la banda tocando el violín y acordeón en el monstruoso “Curse Of Millhaven”, cuyo relato maldito es el de una muchacha adolescente que asesina a los habitantes de su aldea. Ellis tocaría en otras 3 canciones “Willow Garden”, “The Ballad of Robert Moore and Betty Coltrane”, y “King Kong Kitchee Ki- mi- O”, todas saldrían como b-sides, y están incluidas en la reedición 2011 del álbum.

“The Kindness Of Strangers” es una pieza triste y fúnebre que termina escuchándose de fondo el  desgarrador llanto y lamento de una mujer. “Crow Jane” es  otra canción reescrita de una pieza tradicional que data de 1900, la música creada por los Bad Seeds es el perfecto soundtrack para apreciar bellos atardeceres melancólicos. “O’Malley’s Bar” es una marcha ascendente de prolongados 14 minutos en donde un hombre harto de las burlas decide vengarse de cada uno de los presentes en el bar, es así que el susodicho comienza a ejecutar a sus víctimas a diestra y siniestra, y cada muerte es narrada por Nick de manera muy explícita y detallada además de cierta dosis de ironía y humor negro, sencillamente una canción fabulosa. Luego de escuchar esta serie de temas que conforman una especie de ópera grotesca se “cierra el telón” con el cover de Bob Dylan “Death Not The End”, en donde cada uno de los participantes vocales cantan un estribillo del tema (entre ellos Shane McGowan (Pugues), PJ Harvey, Kylie Minougue, Blixa y el debut de Thomas Wylder).

Fred MacPherson vocalista de la banda Spector comentaría sobre el tema: “es como si los actores de una obra salieran al final para que el público los aplaudiera, y éste se diera cuenta que se trata de personas comunes que solo representaban a un personaje”. Esta canción es la única donde no hay asesinos ni muertos, la pieza suena algo distendida y burlona pues todos parecen cantarla de manera feliz, otra vez pues está presente ese ambiente de humor negro.

“Death Not The End” pone el efectivo colofón a este álbum lleno de crimen y muerte, pero también inspira cierta nostalgia como si se acercara el fin de una etapa, de una despedida triste. Sería pues el último gran álbum de los Bad Seeds, y para algunos integrantes el último en el que darían rienda suelta a su creatividad. A pesar de que pronto se reunirían para hacer otro disco.

La reedición 2011 de Murder Ballads, es acompañada por un dvd que contiene el respectivo documental del álbum, los videos de “Where The Roses Grow”, “Henry Lee” y “Stagger Lee”, así como una serie de bonus track, ya comentados anteriormente. Este álbum al igual que el anterior, es otro del catálogo de los Bad Seeds que pueda estar considerado entre lo mejor de los noventas.

THE BOATMAN’S CALL (1997)

“No creo en un Dios intervencionista” 

(Into My Arms)

Este álbum fue la antítesis de su demoniaco predecesor. Delicado, íntimo, por momentos triste y  oscuro, The Boatman’s Call plasma la idea de concebir un álbum de amor, teniendo como soporte musical una instrumentación acústica muy básica y sencilla, en donde los Bad Seeds no tocarían todos a la vez sino se turnarían su participación a través de los diferentes temas.

El dolorido semblante monocromático de Cave en la portada nos avisa que no habrá espacio para sonrisas ni humor negro, entregándonos doce canciones dolorosas y existenciales, en donde resalta la voz del “crooner”  al interpretar sus tiernas composiciones.

Cuando la banda estaba creando Murder Ballads paralelamente Nick escribía una serie de canciones que eran totalmente opuestas a la temática de las “baladas asesinas”, mientras se mezclaba el mencionado álbum, Nick se iba al estudio adjunto acompañado de Casey y Wydler y con un piano trabajaban un grupo de canciones que eran quietas e introspectivas.

Mick Harvey diría sobre el álbum “es un disco intensamente personal entonces era natural que Nick debía tener más control sobre su música”. Los Bad Seeds se limitarían a asumir el papel de una delicada banda sonora de las confesiones de Cave.

La grabación de este álbum se desarrolló en el legendario Abbey Road Studios de
Londres, logrando una experiencia diferente para la banda, por ejemplo Blixa se sintió algo incomodo pues no se acomodaba a su forma de trabajar. “Solo había una sala, todos estaban en la misma y no me gusta estropear la base de la canción mientras intento probar cosas nuevas. Así que me hicieron una pequeña sala extra; yo me recluía allí adentro, pero aquello no fue muy bueno para mí. No me gustó mucho ese proceso de grabación” confesaría Blixa.

"...había gente que debía retirarse..." Mick Harvey

Para Harvey “fue un proceso raro, era como dar un paso atrás ya que no hice lo que solía hacer, en cierto modo durante mucho tiempo trabajé duro con los arreglos y tocar cosas distintas o sustituir voces o sonidos. Era un sitio tan pequeño, que no podía realizar funciones que había hecho hasta entonces…pero ello también sirvió para darme cuenta de que había gente que debía retirarse y no sabían cómo ser reservados en su enfoque y ser muy selectivos con cuándo tocar y cuándo no… puso a prueba a The Bad Seeds para sacar a luz sus puntos fuertes…demostrando cuánta empatía tenían con Nick”.

El baterista Thomas wylder confesaría que “nunca había tocado la batería tan lenta”, mientras que su colega  Jim Sclavunos diría que “la parte más desafiante era ser paciente…restringirse tu mismo algunas veces del entusiasmo de tocar. Pero, fue realmente grandioso el verse forzado a ejecutar lo estrictamente necesario…fue un momento muy especial de la existencia de la banda, y de la existencia de Nick como un compositor”.

Para Warren Ellis The Boatman’s Call evoca “un sonido puro. Los instrumentos y las voces tenían un sonido muy puro. Las voces son sin efectos, ni forzamientos. Estas tienen un bello tono. Es un tono, que pienso Nick siempre había tenido y algo que había realmente buscado a través de los años.”

Nick Cave tenía una visión clara de lo que quería lograr. “Fue el primer álbum que hice obviamente auto referencial. Las canciones dramatizaban ciertos aspectos de mi vida…Hay un gran valor en este tipos de canciones pero existen también adentro algo heroico que, al final, resultan incomodo para mí”.

Desde el arranque con la excelente “Into My Arms” se percibe en las canciones de Nick una inmensa sensación de pérdida proveniente aparentemente de una ruptura amorosa, la obsesiva “Black Hair” no será acaso en alusión a PJ Harvey. Volviendo a la canción inicial del álbum, es simplemente una pieza hermosa y emotiva construida solo a base de piano y voz, en donde sus liricas me resultan impactantes “I don’t believe in interventionist God/ But I Know, Darling, that you do/ But if did I would kneel down and ask him/Not to intervene when it came to you/ Not To touch a hair on your head/To leave you as you are/And if He felt He had to direct you/Then direct you into my arms./ Into My arms, O Lord”. Es pues el tema más destacable del álbum. Así mismo su respectivo video (también monocromático) resulta realmente conmovedor al observar los rostros de seres en estado depresivos, ¡directo al corazón!.

“En aquel tiempo las palabras de Cristo tuvieron un gran impacto sobre mí”

“People Ain´t No Good” es otra tierna pieza que sigue la misma instrumentación de sus antecesoras, el tema incluso formaría parte de la película “Shrek 2”, y es allí donde creo recae una de las debilidades de este álbum, las canciones son cortadas por la misma tijera, y es que a veces lo homogéneo puede resultar un buen recurso, pero en este caso por momentos llega a cansar. Aunque al final es cuestión de gustos, en su tiempo el álbum fue condenado por algunos críticos mientras que otros lo alabaron. De todas formas el álbum formaría parte de los rankings de los mejores álbumes de los 90’s y en varias listas superando en posiciones a los extraordinarios Let In Love y Murder Ballads , lo vuelvo a repetir, es cuestión de gustos.

Otras destacables piezas son “There Is a Kingdom”, “Far From Me” y “Brompton Oratory” que muestran cierta conexión de Cave con Dios. Nick confesaría que por esa época estaba leyendo el Nuevo Testamento, escribiendo temas sobre la redención, intervención divina e iconografía bíblica. En aquel tiempo las palabras de Cristo tuvieron un gran impacto sobre mí” admitiría Nick.

“(Are You) The One That I’ve Been Waiting For?” y “West Country Girl” con sus tiernas melodías son otros puntos altos del álbum, destaco sobre todo la segunda por el bello sonido producido por el violín de Ellis, y ese aire western que impregnan las cuerdas de los músicos. La triste “Green Eyes” a pesar de no ser una grandiosa canción, pone un correcto final a este buen álbum, opaco (no por su calidad) de la misma forma que la magnífica fotografía de la carátula (hecha por el gran Anton Corbijn).

La reedición 2011  es acompañado por un dvd que contiene el documental del álbum, así como el excelente video, ya comentado, de “Into My Arms” y “(Are You) The One That I’ve Been Waiting For?”, y  como bonus tracks los temas “Little Empty Boat”, “Right Now I’m A-Roaming”, “Black Hair (Band Version)”, “Come Into My Sleep” y “Babe, I Got You Bad”, buenas canciones que pudieron tener mejor suerte pero que por su colorido y por momentos de aparente alegría no encajaban dentro del concepto que Nick había establecido para The Boatman’s Call.

Así se terminaría la década para Nick & The Bad Seeds, con esa misma ternura con que la iniciaron con The Good Son, pero siempre llevando consigo ese mensaje desesperado y oscuro en sus letras y esa exquisita sonoridad sabiéndola conducir entre la tempestad y la calma. Pasarían cuatro años para escuchar una nueva producción de crooner infernal y sus malas semillas pero eso será parte una futura entrega. 

                                        

           

DURA COSA TE ES DAR COCES CONTRA EL AGUIJÓN - PARTE II (1986-1990)

DE LA TEMPESTAD A LA CALMA

Kid Congo Powers, Nick Cave y Mick Harvey en vivo

Los álbumes Your Funeral…My Trial (1986), Tender Prey (1988) y The Good Son (1990) comprenden para algunos la etapa más creativa de Nick Cave & The Bad Seeds, mostrando un ascendente progreso sonoro en relación a sus tres primeros magníficos discos, caracterizados por lo minimalista, lo tanático y lo salvaje,  propuesta musical que fue oleada y sacramentada con alta dosis de blues y  rock’n’roll en pleno apogeo  new wave. Esta nueva etapa de la banda muestra un alejamiento con su primitivo sonido, para hacerlo madurar más y hasta presentarlo de manera más asequible sin caer en las concesiones o lo “comercial”, por esta razón podemos decir que se paso de la tempestad a la calma, pero la calidad musical siguió esa dirección cuesta arriba  que Nick y su grupo parece siempre la tuvieron clara y que los llevaría a consolidarse como banda de culto.

Por otra parte está también la transformación vocal de Nick, de vocalista con canto orate y esquizofrénico a un armonioso “crooner” del infierno, así como una mayor participación y relevancia del órgano y del piano en el sonido de los Bad Seeds.

YOUR FUNERAL…MY TRIAL(1986)

Grabado (para variar) en el Hansa Studios de Berlín bajo las perillas de Flood y la producción de Tony Cohen durante julio de 1986, fue el disco que sufrió más fisuras en la interna durante su concepción. Thomas Wylder  quien había venido a tocar la batería sufrió un accidente que le impidió ejecutar su labor en óptimas condiciones por lo que Mick Harvey  tuvo que encargarse de esa tarea, a ello se sumaría la partida del bajista Barry Andamson quien solo participó en dos temas “Your Funeral My Trial” y “Jack’s Shadow”, haciéndose cargo también del bajo y de otros instrumentos, convirtiéndose  forzadamente en el multi instrumentista de la banda, y Nick estaba cada vez más complicado con las drogas.

Pero muchas veces es en medio de la adversidad donde sale aflora lo mejor de uno, y es que en medio de este panorama aparentemente adverso que le tocó vivir a Mick Harvey, dio muestra de su extraordinario talento como músico, y fue sin duda el gran artífice musical de este álbum, considerado por los fans de la banda como su obra maestra, y uno de los mejor álbumes de los ochentas.   Tuvo el reto de crear la música y ser capaz de coger la visión sonora que Nick Cave tenía para este disco, y sin duda lo logró con creces.

Your Funeral…My Trial  es una transición en donde se nota un deseo por componer canciones más íntimas. Los temas principales sobre los que reposa esta obra son: Dios-Amor-Cárcel. En el álbum se desarrolla una fantástica mezcla  entre lo absurdo y lo racional, en donde se deja percibir  una pena, así como pasión por lo terrorífico y lo extraño.

El disco fue lanzado originalmente en una edición de doble EP,

El disco fue lanzado originalmente en una edición de doble EP, uno llamado Your Funeral   en donde el agua es el elemento unificador de sus canciones, como el río en “Sad Waters”, el diluvio en “The Carny” y la simbología de las llaves que caen como lluvia en “Stranger Than Kindness”.  El otro acto titulado bajo el nombre de My Trial tiene como tema en común la cárcel. Cada Ep era pues un conjunto diferente.

Si seguimos el orden de la edición inicial, el primer EP se inicia con “Sad Water” y ese canto triste y lúgubre que va acompañado por esa marcha ascendente de quieta y sutil música que acompaña la voz de Nick que tiene como fondo un audio ininteligible de su propia voz, logrando un raro pero atractivo efecto. Prosigue “The Carny” en donde el sonido de una armónica nos introduce a un ambiente desolador, sonido que se va desvaneciendo para dar paso al xilófono y a un piano que ejecuta una marcha repetitiva creando una sensación como si el sonido “flotara” y llevándonos hacia una atmósfera de pesadilla en donde transcurre los relatos de circo aterrador con muñecos ventrílocuos y gente deforme, combinándolos con personajes bíblicos. Esos momentos discordantes crean una tensión única de música surrealista y perturbadora.  “Your Funeral  My Trial” es el lamento hecho canción, en donde Nick se desgarra el alma cantándola, nuevamente el ambiente de tensión es sembrado por su música. Finalmente “Stranger My Kindness” es una deprimente y  desesperante canción que denota música triste. El extraordinario efecto de la guitarra fue concebida por Blixa quien la tocó con los 4 dedos sin púas o “uña” “básicamente me limo las uñas contra las cuerdas… [Apliqué] una técnica como de hélice” diría el guitarrista al respecto sobre cómo logró tal efecto que logra hipnotizar al oyente durante toda la canción.

El Segundo EP  se inicia con la genial “Jack’s Shadow” en donde otra vez logra cautivarnos con esos rarísimos efectos de guitarra y el bajo de Adamson que se asemeja al sonido de un amenazador enjambre de abejas, logrando una sonoridad muy tensa, violenta e inquietante que sirve de perfecto fondo para el relato de un tipo que sale de la cárcel y no soporta la luz ni el sol ni la sociedad en que ahora vive. Blixa explicaría que el efecto de la guitarra provenía de “un ventilador a pilas que intenta tocar la guitarra (¡!)”. Ese denso y ondulante sonido del bajo en “Hard On For Love” junto a los golpes de la batería resulta como un golpe a los sentidos además del canto agresivo de Nick. “She Fell Away” es una pieza siniestra, oscura y terrorífica construida por la marcha galopante del piano, xilófono, bajo, riffs de guitarras y hasta el sonido de un extintor golpeado por Thomas Wydler, y el ya característico canto fantasmal de Nick muy apropiado para este tipos de temas, otra excelente pieza extraída del inframundo. Cierra la excelente “Long Time Man” un cover de Tim Rose, canción que muestra la excelente voz de Nick, en donde por momentos se quiebra, irradiando pena, dolor pero a la vez energía. Una pieza épica y emocionante que logra escarapelar el cuerpo por su profunda emotividad, otro corte espectacular.  

La reedición del 2009 contiene como bonus la canción “Scum” dedicada a un periodista musical, en donde Nick precisamente no trata de elogiarlo; y la cuarta parte del documental sobre la banda en donde se relata el panorama que se vivió durante la creación del disco así como su impacto.

Todas las canciones que contienen Your Funeral…My trial son geniales y logran convertirlo en un excelente álbum de parajes sonoros delirantes brindándole un carácter majestuoso a esta obra de arte  ¿la cúspide creativa de Nick Cave & The Bad Seeds? Para muchos, sí.

TENDER PREY (1988) 

“Siempre he visto mis canciones como fragmentos de una cosa más grande. Ellas se entrelazan, van de la mano como un eslabón, son amigos unas con otras y viven razonablemente feliz dentro de la comunidad que he construido para ellas”.                                          Nick Cave

Por esa época los Bad Seeds se habían convertido en un quinteto con la inclusión del guitarrista ex Cramps y fundador de Gun Club Kid Congo Powers, quien ya había apoyado a la banda durante la gira del Your Funeral… y de Roland Wolf en el piano y órgano. Tanto para Nick Cave como Mick Harvey el origen de su quinto álbum estaba relacionado con lo desafiante, peculiar, oscuro, voyerista y caótico, además que Nick estaba peor que nunca con las drogas.

Tender Prey fue un puente de palabras y emociones por donde transitan  las líneas autobiográficas de Nick. De Berlín a Londres, del pecado a la redención, de la antigüedad bíblica a la visión surrealista de la Norteamérica sureña solo concebida en la mente de Nick. Pero también en donde hay espacio para el amor y la melancolía.

El álbum fue grabado en diferentes estudios de Alemania, Inglaterra y Australia entre agosto  de 1987 y enero de 1988, Nick compuso sus canciones en base a piezas instrumentales de piano, por ello este instrumento adquiere una preponderancia aún mayor a la ya demostrada en el anterior álbum de los Seeds y de paso marcaría la pauta de lo que   iba a ser la música de la banda. El LP sería el último de los  grandes discos en Berlín, aunque se grabó en varios lugares.

Nick en una escena del video de "The Mercy Seat"

Hablar del Tender Prey es resaltar una de las mejores composiciones de Nick Cave “The Mercy Seat” tema que abre el álbum. Con respecto a la canción Mick Harvey recuerda que “desde el principio sabía que tenía algo especial. Empezó de la forma típica en que empiezan las cosas con un bucle que Nick quería que retocara. Quería hacerla más rápida. Algo muy agresivo, un bucle muy crudo que te  martillase” para Flood “fue una extraña yuxtaposición de instrumentos sonando juntos”. El tema narra el drama de un asesino que es condenado a la silla eléctrica y está a la espera de su ejecución. Nick asume el papel del forajido interpretándolo de manera aterradora y siniestra,  teniendo como fondo musical murallas de sonido creadas por guitarras, violines y bajo con un toque épico, representando los sentimientos y pensamientos perturbadores del narrador.

Esa muralla de sonido va yendo en aumento al igual que la electricidad que matara al condenado, y causa en el oyente un efecto como si la música estuviera flotando y yendo de manera ondulante, además de causar una sensación como si algo está derrumbándose. Blixa Bargeld confesó alguna vez  “sé que Nick solía decir cuando muera podré decir que yo compuse ‘The Mercy Seat’” Sin duda se trata de una de las mejores canciones de la historia del rock.

“Up Jumped The Devil” tiene un sonido de bajo repetitivo que sostiene el acompañamiento del piano y relata la historia de un demonio haciendo fechorías, en donde grafica muy bien al diabólico personaje, la vida nocturna y los bares, además de una interpretación vocal que pareciera representar al mismo demonio. “Deanna” es una canción alegre, bailable, rocanrolera, psicodélica  y festiva que es una narración personal en donde se plasma el sentimiento de ser joven, enamorarse y estar viviendo fuera de los límites impuestos por la sociedad. Es también una especie de apología al amor salvaje, disparatado y violento. Nick demostró que podía componer una canción alegre sobre asesinos, de una pareja que se divierte de lo lindo mientras se mata entre sí. Una pieza ideal para cualquier “tono” y bailarla saltando sin parar.  “Watching Alice” es una estremecedora y bella pieza musical apoyada otra vez en el sonido del piano que nos introduce a un ambiente lleno de tristeza y pena.  

“Mercy” es otra pieza musical que transita por los caminos de la melancólica, y que nos relata según Cave la historia de Juan el Bautista en prisión y su decapitación, ésta fue una de las canciones instrumentales que formó parte de la sesión original, y el piano se encarga de darle una ambientación oscura al tema. El canto de Nick es simplemente conmovedor pues expresa una especie de anhelo y dolor.

El sonido de una “blusera” armónica nos introduce a un ambiente de western maldito con el que Nick y los Bad Seeds  nos traen el infierno en la tierra, con un tema psicodélico, turbio y delirante, caracterizado por su fuerza y agresividad y ese estribillo gótico y repetitivo que terminará por posesionarse de nuestras mentes  “You better run, your better run and run and run ...run to the City of Refuge” creando un clima sonoro realmente alucinante, otro punto superlativo del álbum.   

Los Bad Seeds llegaron a ser 5 en Tender Prey

En “Slowly Goes The Night” el piano otra vez nos hace transitar por parajes lánguidos. En “Sunday’s Blues” vemos a través de las líricas de Nick las emociones convertidas en personajes. “Sugar Sugar sugar” no tiene  nada de dulce, es agria, amarga, truculenta y de agitada demencia, en donde su portentosa batería y su guitarra “flamenca” construyen una atmósfera de música densa. Finalmente “New Morning”, son de esas canciones para terminar el día, que nos transporta hacia el rock’n’roll de los 50’s y 60’s tipo la serie “Happy Days”.   

Algunos detractores de Tender Prey dicen “que se trata solo de ‘The Mercy Seat’ y nueve temas más” nada más ajeno de la realidad, pues se trata de un álbum compacto, quizás no al nivel de obra maestra que significó Your Funeral…My Trail  pero no por ello deja de mostrarnos el nivel de madurez musical y creatividad que había alcanzado la banda y a Nick en su esplendor como compositor a pesar de estar fundido con sus demoniacas adicciones.

La reedición del 2009 trae las versiones acústicas de “Deanna”, “The Mercy Seat” y “City of Refuge” , así como el audio del video de “The Mercy Seat” y el b-side “Girl At The Bottom Of My Glass”. Además de contener el respectivo video documental del álbum y sus singles “Deanna” y “The Mercy Seat”.

THE GOOD SON (1990)

El periodo entre este álbum y Tender Prey había sido difícil para Nick pues estaba tratando de alejarse de su adicción a la cocaína, y fue justamente que durante la gira de ese álbum que recala en Brasil, es allí que el “crooner del infierno” experimenta algo diferente en el ambiente de tierras brasileñas. “Fuimos a Brasil de gira, recuerdo saliendo del aeropuerto y caminando por las calles, en medio del calor y experimentando un inmenso peso psíquico alejándose de mí ser”.

Esa carga pesada que había llevado Nick entre Berlín y Londres se iría desvaneciendo paulatinamente. Brasil le dio una nueva perspectiva, durante esa jornada conoció a su novia Viviane Carneiro y pasaría allí dos años, puliendo sus líricas acorde a su nueva manera de vivir.

Lanzado en abril de 1990, The Good Son no fue solo una crónica de una nueva actitud sino un álbum que en alguna manera fue una catarsis para Cave. “En mi opinión, The Good Son fue el registro más audaz, riesgoso y subversivo, aún más que los primeros discos…” manifestaría Cave al respecto.

El ánimo y optimismo de la gente brasileña a pesar de vivir en un país convulsionado por la violencia, la crisis económica y la pobreza tuvo una monumental influencia sobre The Good Son.

Las grabaciones del álbum se hicieron en Sao Paulo, los Bad Seeeds recuerdan que el  estudio era bueno pero existían algunos inconvenientes para ellos  como tener los instrumentos en una misma habitación o dificultades para comunicarse con los músicos de la sinfónica pues no entendían el inglés.   

“Foi Na Cruz” es el tema que abre el disco, es una pieza religiosa "gospel" adaptada por Cave, en la que Nick nos mezcla el pecado, amor y el perdón, emanado emotividad religiosa, logrando una bella pieza de redención. Ese coro que acompaña a Nick desde el inicio crea una atmósfera demoledoramente conmovedora y tierna que impacta hasta lo más profundo de nuestro ser. Esta canción representa  el interés de Nick por la cultura brasileña, los cantos religiosos, su impresión por la pasión con la que retrataban las imágenes de Jesús, y la religiosidad del pueblo de ese país.

Los Bad Seeds nuevamente reducidos a cuatro

“The Good Son”  tiene un inicio espectacular con el estribillo repetitivo “One More Man Gone” que suena genial, hipnótico y cautivante, para seguir la historia con una marcha tipo cowboy mezclada con música setentera, en donde el “buen hijo” tormentosamente es testigo del retorno del hermano sacrílego y el logro del perdón, el correcto muchacho intenta llamar la atención de su familia pero nadie le hace caso porque están ocupados con el otro hijo que llega a casa. Sigue “Sorrow Child” que como si fuera ya una fórmula establecida para cada tema de este disco, busca impactar al oyente desde el inicio, y es que el arranque nos golpea los sentidos con esos  susurros de ultratumba que se escuchan a todo volumen, “Sorrow’s child…”, fantasmagóricas voces que poco a poco nos llevan hacia bellos parajes construidos por el piano pero que siempre tranza con lo siniestro.

El álbum prosigue con otro extraordinario tema, “The Weeping Song” que posee ciertos aires de folklore celta, y en donde por momentos el dúo conformado por Nick y Blixa pareciera que se les ha ralentizado el sonido de sus voces reflejando un tono salvaje. La música es siniestra, turbia y oscura, teniendo de fondo una serie de ruidos que sumados al fantasmal dúo, crean un ambiente gótico ideal.   Después continua la hermosa  “The Ship Song” cuya letra evoca amor y ternura, la cual fue escrita por Cave mientras estaba sentado con su novia en un puerto. “The Hammer Song” es toda una pieza épica siniestra y misteriosa construida por los músicos de la banda en unión a una orquesta sinfónica, evocando  nuestra mente a una lucha en medio de los mares, sin duda otra canción fuera de serie.

Cierran la emotiva “Lament” que tras refugirase en sus siniestros sonidos sucumbe ante su enternecedor coro, el estallido rocanrolero y blusero de “The Witness Song”, y la dulce “Lucy”. Muchas de las canciones del álbum fluyeron del interior de Nick, son confesionales. El compositor comentaría sobre el disco “Pienso que The Good Son  fue bello. Tan simple como eso. No puedes objetar su belleza” razón no le falta al “crooner del infierno”, The Good Son es uno de los álbumes más hermosos que junto a los Bad Seeds puedo haber hecho.  

“Pienso que The Good Son  fue bello. Tan simple como eso... ”

La reedición del 2009 contiene los b-sides “The Train Song” (otra “song” más), “Coks’n’Asses” y “Helpless”, así como el video documental del álbum y los videoclips de “The Weeping Song” y “The Ship Song”.

Nick Cave & The Bad Seeds terminaron e iniciaron una nueva década dejando a sus seguidores más radicales algo desconcertados por esa transición de la tempestad a la calma que había experimentado su propuesta musical durante los ochentas, llegando hasta lo accesible pero para nada liviano en cuanto a calidad musical se refiere, sino todo lo contrario, llegaron a la cúspide de su creatividad. ¿Qué depararía la banda para la nueva década?, ¿la propuesta se suavizaría aún más o  retornaría el salvajismo sonoro del ayer? Los noventas nos darían las respuestas.