FRONT 242 EN LIMA: YOU CATCH THE MAN!!!

¿Valió la pena viajar 32 horas ida y vuelta todo un fin de semana solo para ver  a  los belgas? Por supuesto que sí. El show de Front 242 resultó mejor de lo esperado. Los vídeos de sus presentaciones durante la pasada década, con set-lists densos y sosos, nos creaban ciertas suspicacias con respecto a lo que veríamos la noche del pasado sábado, que sin duda fue espectacular, con unos geniales y "enteros" Richard 23 y Jean-Luc De Meyer en sus roles de frotman, un Patrick Codenys demostrando toda su sapiencia al remezclar con sabiduría los temas clásicos, haciéndolos sonar más vigentes que nunca y teniendo en Tim Kroker al complemento ideal en la percusión electrónica.

Luego de unos deslucidos Arian 1 por fallas técnicas y otros "caprichos" tecnológicos,  hicieron su aparición unos enmascarados belgas, siniestros y uniformados de negro, con un look parecido con el que nos conquistaron en los 80s, aquel que encaja a la perfección con su detonante musical, es entonces que se deja escuchar los primeros sonidos de la envolvente "Moldavia" desatando la euforia de una enardecida masa, para luego continuar con una magistral y frenética versión de "Body To Body" coreada con entusiasmo por el respetable,  una celebrada "No Shuffle" y sorprendernos con "Tragedy For You", canción que no era interpretada por la banda en años, para luego dar paso a temas más contemporáneos como  "7rain" y "Together", pertenecientes a su álbum Pulse (2003).   

Tras su breve repaso por temas del "2000", Front 242 continuo "complaciendo nuestros pedidos", con "Take One" bailada a más no poder por la audiencia, para luego entregarnos al bombardeo sonoro de "Im Rhythmus Bleinben" provocando mayor algarabía  entre los fans.

Las oscuras atmósferas de "Quite Unusual" resultaron seductoras, mientras que la entrañable "U-Men", para muchos una pieza que significa nuestro primer encuentro con los belgas, nos mandó a sus épocas más lejanas, una remozada versión de "Until Death (Do Us Part)" nos hizo saltar sin parar nuevamente, para luego hacernos disfrutar con otra sorpresa de la noche "Lovely Day", ponernos "tensos" con la compacta "Commando Remix", logrando que nos dejemos llevar por el ritmo frenético de "Religion", y la esperada "Funkahdafi", para concluir con la más festejada de la noche "Headhunter" hasta resonar un ensordecedor "Four..You Catch the Man!", despidiéndose los músicos entre calurosos aplausos y gritos de ovación. Pero los belgas nos regalarían todavía un poco más de su peculiar arte. 

Front 242 retornó al escenario con la recordada "Don't Crash" y cerrarían con la profana "Welcome To Paradise" y así despedirse de sus seguidores. Una noche apoteósica como pocas, en donde los belgas recompensaron con creces una la larga espera y aquel sueño utópico que parecía verlos en vivo.

Aquí el mejor resumen del concierto en el you tube. 

       

   

FRONT 242: REGRESANDO DEL FUTURO

Recuerdo aquel jueves de pascua del 2007, cuando salté de alegría al ingresar a la website de Front 242 y ver incluida a Lima dentro de su gira a nuestro continente, la presentación sería un 25 de octubre, pero llegado el mes de agosto el tour se canceló, dejándonos a los fans con los crespos hechos. Si bien los belgas no habían hecho (y siguen sin hacer) nada del otro mundo hace años, resultaba emocionante ver en vivo a una de las bandas pioneras y revolucionarias del techno de vanguardia y una referencia obligada para entender la evolución de la “electrónica”, precursores del EBM (Electronic Body Music) y a los que otros catalogaron su música como industrial. Lo cierto es que en los 80s y aun comenzando los 90s, los sonidos expuestos por los belgas en sus diversas piezas musicales, se encargaba de recrear en nuestras juveniles mentes, paisajes futuristas, galácticos o causar la sensación de estar sumergiéndonos en las profundidades de un videojuego.

Mañana, sábado 25 de abril, por fin mañana tendremos la oportunidad de hacer estrellar el cuerpo al ritmo de sus sintetizadores, samplers, percusiones programas y toda la parafernalia electro liderada por Codenys, y las voces transgresoras de Jean-Luc de Meyer y Richard 23. Para las nuevas generaciones que desconocen de Front 242 aquí una pequeña biografía.

      

La ciudad de Aarschot, situada a 38 minutos de Bruselas fue el espacio elegido por el destino, para que los programadores, Daniel Bressanutti y Dirk Bergen (también diseñador) en 1981 dieran rienda suelta a sus instintos de innovación artística, concibiendo música a partir de las herramientas electrónicas emergentes, esos ideales se plasmarían ese mismo año por medio del single “Principles”. Paralelamente otro programador, Patrick Codenys (Daniel B. Prothese) y el cantante Jean-Luc De Meyer formaron Bajo Visor, ambos dúos terminaron uniéndose en 1982. Al principio Bressanutti, Codenys y De Meyer alternaron voces, pero De Meyer quedaría como vocalista y letrista principal.

Existen diversas hipótesis sobre el origen del nombre del grupo. Se cree que proviene de un levantamiento popular organizado, otra posición afirma que fue extraído del decreto que estableció la ONU en 1979 para establecer lo que sería la primera semana de paz después de la guerra de los seis días que tuvo su origen en el conflicto árabe-israelí, Resolución 242 del Consejo de Seguridad, en la que Israel debía retirarse de los territorios ocupados de Palestina, “o interpretado según la ideología del grupo, sería el avance del débil sobre el fuerte”. En una entrevista para la televisión belga, realizada a inicios de los 90s, Daniel Bressanutti dijo que “242” se usaba en vez de la expresión “¡maldita sea!”. También podría ser, por los 242 ciudadanos belgas condenados a muerte por colaborar con los ocupantes alemanes después de la Segunda Guerra Mundial. Para terminar con el origen del nombre, se presume que sencillamente Front 242, no tiene ningún significado en particular.

ESCULPIENDO EL FUTURO DESDE LOS 80S

El segundo single “U-Men”, precedería al lanzamiento del álbum debut Geography (1982) y posteriormente Dirk Bergen dejaría la banda para dedicarse por completo al diseño gráfico. En las presentaciones en vivo se sumaría a la banda, el percusionista Geoff Bellingham y Richard Jonckheere, más conocido como Richard 23 ingresaría formalmente como otro vocalista más.

Front 242 recogía la influencia de los alemanes Kraftwerk, pioneros de la música electrónica, el hibrido punk y electrónico de Throbbing Gristle, la enajenación techno expuesta por Cabaret Voltaire,  y reminiscencias del synthpop de comienzos de esa década, pero matizándolas con alta dosis de agresividad y ambientaciones futuristas pero embargadas por la angustia, dando origen al EBM, y cuyo EP No Comment (1984) se exhibe como influencia principal de dicho estilo.

En 1987 Front 242 sería fichado por el sello norteamericano “industrial” Wax Trax!, relanzando algunas de sus grabaciones previas y sacándolas a través de la colección de rarezas Back Catalogue (1987). Ese mismo año la banda lanzaría un nuevo álbum Official Version, mostrando un sonido más sólido y contundente destacando la adictiva “Masterhit”. Al año siguiente vería la luz, Front By Front, sin duda el mejor disco de los belgas, teniendo en “Headhunter” su primer éxito, alcanzando el puesto #13 en el Billboard Dance/Club Play Songs en los Estados Unidos. Durante los 80s, los belgas marcaron el sendero por donde debía transitar el futuro de la música electrónica.    

Hacia finales de los 80s Front 242 daría el gran salto al firmar con Epic Records, subsidiaria de la transnacional Sony Music,  siendo el primer álbum en lanzarse con su nueva casa discográfica Tyranny (For You) (1991), logrando escalar hasta la posición #95 en el Billboard 200. Posteriormente se reeditarían todos sus álbumes con nuevos artes de portada y trayendo como bonus tracks: Eps, singles, rarezas, demos y tomas en vivo. 

UNOS FUTURISTAS PERDIDOS EN EL FUTURO (1993-2015)

En 1993 la banda lanzaría dos álbumes, que podríamos decir seguían un mismo concepto, sonar más experimentales, espaciales, arriesgados, incluyendo guitarras sampleadas, voces femeninas y sonoridades más “ruidistas”. 06:21:03:11 Up Evil y 05:22:09:12 Off  descritos por la banda como “la dualidad del bien y del mal”, mostraban ambientes más tensos, siniestros, abrasivos, tortuosos y perturbadores, pero que no terminaron de cuajar ni mostrarse sólidos, el resultado fue poco convincente e hizo que muchos seguidores dejarán de seguirle el rastro a Front 242 de ahí en adelante, yéndose en pos las nuevas propuestas electrónicas que se asomaban por la época que también combinaban la música de baile con sonidos violentos como The Prodigy.  Ese mismo año Richard 23 haría mutar su nombre a Richard J.K.   

En 1994 se lanzaría Live Code, disco en vivo que recogería temas clásicos y del Up Evil, luego el álbum de remixes, Mut@ge.Mix@ge (1996), a pesar del auge de la música electrónica por aquella década, Front 242 optó por permanecer dentro de los circuitos alternativos, aunque más por una cuestión de crisis creativa que idealista. En 1998 saldría otra producción en vivo Re:Boot (1998).

Durante 5 años a causa de los diversos proyectos en que se involucraron sus integrantes, la banda no publico nada y sus apariciones en vivo se volvieron esporádicas, hasta el lanzamiento de su EP Still & Raw (2003), con el retorno de Daniel Bressanutti  y la aparición de un nuevo álbum Pulse, donde los músicos ensayaron sin éxito reinventarse a través de sonidos glitch y voces procesadas, aún en el look de sus protagonistas, hace rato habían colgado los atuendos militares y agresivos, para lucir más “cool” y aún como  inofensivos hip-hopers.

RETORNANDO DEL FUTURO

Desde el lanzamiento de su compilatorio Moments (2008) hacia adelante, Front 242 está yendo a lo seguro, presentando en sus shows en vivo, sus temas ochenteros más emblemáticos con ciertos arreglos aplicando la tecnología musical de vanguardia, además de regresar sus integrantes a su estética “castrense” pero no tan extrema como la de sus inicios, lo que ha significado que las presentaciones de los belgas se conviertan en una especie de “revival”, sino revisa sus conciertos en el youtube, sobre todo la de  los dos últimos años, ocasionado que la banda nos vuelva  a emocionar y escarapelar el cuerpo al escuchar su música. Sería engañarnos que los belgas hayan hecho algo decente en dos décadas pero su legado futurista ha sido más que suficiente, pues aquellas obras de arte bosquejadas por sus sintetizadores y computadoras sigue deslumbrándonos como antaño y haciéndonos apreciar el futuro todavía algo distante, por lo que el poder verlos mañana en la capital se convierte en una cita obligada.  

TWIN SHADOW: ECLIPSADO POR LOS OCHENTAS

ECLIPSE

TWIN SHADOW

Warner Bros

(2015)

Los avatares relacionados con accidentes en las pistas parecen perseguir al músico de origen dominicano George Lewis Jr, mejor conocido en el mundo pop como Twin Shadow, en su confesional “Five Seconds” nos relataba su coqueteo con la muerte tras un incidente con su motocicleta, y hace una semana el bus que transportaba a la banda como parte de la gira de su último álbum Eclipse, se estrelló con un tráiler en Colorado, felizmente sin pérdidas humanas que lamentar, pero sí con dos heridos de gravedad, el baterista Andy Bauer y el conductor del vehículo que todavía están en recuperación y un Lewis que será sometido a una cirugía reconstructiva en la mano ¿Casualidades del destino? Bueno dejémoslo ahí y solo anhelar la pronta recuperación de los accidentados. 

Pero con lo que el que artista sigue dándose tumbos y para nuestro bien, es con su pasión hacia el “radiable” pop-rock ochentero, masivo pero de buena factura. En Confess (2012)  lo fue con las sonoridades de la primera mitad de aquella época, con el new wave para ser más exacto, en esta nueva entrega lo es con la parte final de aquel decenio, en donde la balada pop “Alone”, interpretada con Lily Elise y sus referencias Richard Marx (¿¡!?)  O  “To The Top” saltan más a la vista, Chicago, Starship, son algunas influencias que se dejan entrever en esta nueva producción dispuesta a entregarse sin miramientos a la “masa”, a la vez que significa su estreno con Warner Bros, tras dejar la indie 4AD.

Su evolución del brumoso pop sintetizado de Forget (2010) al macizo pop rock, también bañado por “sintes”, de Confess (2012), y los dos años de silencio discográfico nos hacían creer que el nuevo trabajo de Shadow tomaría nuevos rumbos y afanes experimentales pero nos equivocamos (salvo las tres pistas finales), pues Eclipse se convierte en una prolongación de su grandioso antecesor, con menos revoluciones, intensidad y piezas de baile, algo más reposado y melódico, pero también con momentos más “sintéticos” pero igual de envolventes, donde las cajas de ritmos, guitarras procesadas y “overdubs” siguen  “retumbando” en sus canciones, como en la inicial y elegiaca “Flatiners”.  

"Whoa!" grita Lewis a todo pulmón en "To The Top"

En “When the light turno out”, la ligera voz de Lewis flotando sobre sintetizadores espaciales y percusiones sintetizadas nos hace evocar atmósferas ochenteras. El épico grito-coro “whoa” en “To The Top” nos golpea con todo, además de su portentosa sonoridad power-pop, lista para ser tocada en un estadio. El ya comentado dúo con Lily Elise en la pieza romántica de corte soul-pop, “Alone”, se convierte en una de las mejores del disco, por su conmovedora interpretación y pulcro trabajo en su sonido.

A partir de la tensa “Eclipse”, tema de atmosféricos y tribales tambores acompañados por minimalistas teclados, el álbum adquiere tintes más sombríos, como el sonido “seco” y compacto de la introspectiva “Turn Me Up” a pesar que Shadow intenta una seductora interpretación. Luego las guitarras chirriantes de “I’m Ready”, que van cambiando hacia sonoridades cada vez más sintetizadas y ascendentes hasta que terminan estallando y conquistándonos con sus empalagosos “I´m right here, i’m ready/ I need this love”, causándonos cierta sensación triunfal.

El house-beat de “Old Love/New Love” nos trae de nuevo la luz al álbum, tras algunos minutos de oscuridad,  con su fluido dance-pop, de exquisitos riffs a lo Chic y pulsantes pianos. Tras ofrecernos esta agradable pieza de baile, Shadow nos deja para recta final de Eclipse sus temas más arriesgados, como los saturados sintetizadores en “Half Life”, la inconexa electrónica de “Watch Me Go”, que por instantes se torna psicodélica y enajenada, perfecto fondo musical para que Lewis, reproduzca la palabra “…insane”, otra de mis favoritas del disco, y la finalmente la nostálgica y épica a la vez “Locked & Load”.

Twin Shadow ha ido a la seguro, aunque con letras más dramáticas que buscan el amor en medio de tanta desilusión,  deseando el efectivo “gancho” con sugestivos riffs, sintetizadores cautivantes, sonoridades rock que suenan a “clásico”, música para estadios, todo ello matizándolo con ambientaciones nebulosas.

El Eclipse Tour por ahora está suspendido hasta fines de mayo

Por ahora Lewis y su banda están recuperándose del accidente y se ha cancelado las fechas de la gira programas y se dice que se retomaría el tour a partir del 21 de mayo. Nuestras buenas vibras al músico que sigue demostrando que en el reciclaje sonoro 80s parece estar garantizado  su fuente de inspiración y clave del éxito. 

Disfruta el álbum 
https://open.spotify.com/album/4MkY7K5eyXl0Ts42KLCyir


Más información sobre el artista y sus anteriores álbumes
http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2013/02/twin-shadow-confesando-un-viejo-amor.html

EAST INDIA YOUTH: “EL RESULTADO FINAL NO ERA LO QUE ESTABA EN MENTE”

CULTURE OF VOLUME

EAST INDIA YOUTH

XL RECORDING

(2015)

Cuando William Doyle exterminó Doyle & The Fourfathers también se alejó de las guitarras para refugiarse a un teclado portátil y ensayar durante horas nuevos sonidos, presentándose bajo un renovado nombre, East India Youth, y presentarnos el 2014 el mejor álbum debut que haya salido del Reino Unido, Total Strife Forever, ganador del barclaycard Mercury Prize, donde el músico exploró con versátiles sonoridades electrónicas, creando sonidos atmosféricos, siniestros y futuristas, logrando piezas para la relajación “ambient”, de influencias Eno, así como otras para la pistas de baile, donde confluía lo espacial con lo íntimo.  

Toda aquella experimentación con sintetizadores y percusiones programadas resultó hipnótica y nos dejó en latente espera con respecto a lo que el inglés podría ofrecernos a futuro. Casi un año después Doyle nos entrega Culture Of Volume, lanzado el pasado 6 de abril a través de su nuevo sello, XL Recording.

Al igual que su anterior trabajo, el disco fue grabado y producido por el propio músico en su hogar de Londres, que a decir de sus liricas “el resultado no era lo que estaba en mente en un comienzo”, ¿cuál habría sido el planteamiento inicial del proyecto? Solo su creador lo sabe, pues en este nuevo álbum Doyle se apoya mayormente en sonidos más discotequeros y frenéticos, sostenidos por un sinfín de murallas de ruidos electrónicos, pero que en medio de ellas siempre sobresale la cristalina, cálida y por momentos angelical voz de “niño bueno” de su compositor, la compañera ideal para ser más atrayente su propuesta musical.    

En Culture Of Volume la electrónica se colude con lo sombrío a través de ritmos propios de clubes techno para conducirnos por las sendas del delirio, pero para nada embargados por la frivolidad y lo profano sino a través de sus liricas atacarnos de nostalgia, mostrándonos sentimientos descorazonados y luminosos como en “Carrousel”, en medio de tanto sintetizador embriagador. COV  cuya  portada se asemeja a la de anuario de escuela secundaria, pareciera un tributo a los héroes de la vanguardia art-electro-pop: Warhol, Eno, Pet Shop Boys y Bowie.

El álbum se inicia con la instrumental “The Juddering” cuyas aplastantes y ensordecedoras secuencias cíclicas de abstractos ruidos electrónicos van alterando nuestros sentidos, toda esa maciza sonoridad irá mutando  hacia sonidos de densos teclados  que terminará por transformarse en unos golpes “poperos” de piano que se entrelazarán con percusiones y beats atemporales en “End Result”, creando seductores ambientes de intriga y suspenso. Sintetizadores con el volumen al tope y otras herramientas electrónicas nos llevan hacia el frenetismo “trance” en “Beaming White”, ocasionando sensaciones psicodélicas teniendo en medio la interpretación delicada y cándida de Doyle, tema que exhibe claras influencias Pet Shop Boys.   

El promocionado single “Turn Away”, nos atrapa y conduce hacia sutiles atmósferas gracias a su confortable “suavidad” electrónica, que se irá convirtiendo en ambientaciones futuristas y espaciales. Doyle sabe cómo hipnotizarnos y en “Hearts That Never” saca todo el arsenal, pues sus palpitantes y acelerados beats sirven de plataforma perfecta para que se desplacen sus avasalladores sonidos computarizados que irán moliendo nuestro sentidos entregándonos hacia el frenesí, en donde la “tierna” voz del artista trata de “ablandar”  en algo tanta rudeza dancística, que por un momento cambiará hacia sonoridades minimalistas pero que cuando menos lo pensamos el músico vuelve a hacernos “despegar” con sus artilugios “electro”, construyendo con toda esa amalgama de sonidos electrónicos seis extensos minutos de éxtasis “dance”. Sin darnos cuenta ingresa “Enterity”, más flagelación de instrumentación electrónica para el cuerpo, simple y efectiva, que por momentos nos dará treguas con sonoridades “ambient” más reposadas.

Tras tanto jolgorio, viene mi canción favorita del álbum, “Carrousel”, hermosísima pieza edificada por ambientaciones de teclados y sintetizadores, que junto a la espacial y dramática interpretación de Doyle, se asemeja a una panorámica de bellos paisajes vespertinos, toda una caricia para el alma y que por momentos nos hace intentar ensayar la levitación. Emotiva y conmovedora.  

En “Don’t Look Backwards” carismáticos sonidos nos van “jalando” hacia ambientes místicos que por momentos adquiere tientes “mantra”. La melódica “Manmner Words”, la pieza más prolongada del disco, 10’18’’, posee unas particulares sonoridades electrónicas de manera replicantes y ondulantes, que nos ánima a  ensayar ciertos pasos de valz, conduciéndonos hipnóticamente hacia sensaciones delirantes que desembocarán hacia una atmósfera densa, tensa y misteriosa, sumándose insoportables ruidos sobre el cierre. Finalmente en “Montag Resolution” nos ofrece los pasajes más “ambient” del disco, golpes sintetizados cuasi metálicos van sucediéndose progresivamente hasta desvanecerse.   

Doyle nos ha vuelto a cautivar con su delirante propuesta, donde nuevamente nos hace convivir lo festivo con nuestro lado más íntimo y  hacer de la nostalgia algo para el disfrute.

Disfruta el álbum completo aquí: 

https://open.spotify.com/album/2li0SgHlqjpPF2gqTr5FHh

  

UNDERPOP: POP ROCK EN PERÚ VOL. 2.1

RESEÑA

POP ROCK EN PERÚ VOL. 2.1

UNDERPOP

(2015)

El colectivo de bandas nacionales liderado por el “hiperactivo” Josué Vásquez, nos presenta con la calidad que los caracteriza y en menos de un año, su tercer compilatorio, mostrándonos un loable progreso en cuanto a selección de las bandas y temas, así como la consolidación de algunas de ellas, resaltando Irinum  y su embelesado dance. Si bien en esta ocasión el disco está más orientado con respecto a sus antecesores a sonoridades post-punk y new wave, podemos encontrar grupos que ensayan la fusión como Ankalli y posturas más rockeras como Estado Naranja  y Stereocósmica, habiendo también espacio para tonalidades más románticas.

El disco va con todo desde el arranque con la bailable y discotequera “Cruel Corazón” de Irinum cuyo cautivador dúo practicado por sus cantantes aunándose a los teclados y beats impregnan momentos de envolvente dramatismo. Por las vertientes de la ternura melódica va “Tus sueños (en mi mente)” de Voz y Noz, por ese mismo sendero nos conducen Refugio Interior y su melodramática “Días de Despertar”. Mareacristal con su suavidad pop y unos teclados que nos evocan al “Just Like Heaven” de The Cure nos proporcionan ambientes más relajados en "Ella".

El bloque romántico del “plástico” lo imponen las baladas “Deternerme” de Audiorama, de tintes más rockeros, “Te veo partir” de Giovanni Derteano, de aires más íntimos y “No podrás” de The Red Rojo, de corte más pop. El ambiente festivo retorna al disco con el electro-pop de Noche Futura y su epónimo tema, los arreglos guitarrísticos post-punk de Senderos Sombríos en “Nubes Negras” y las compactas sonoridades dance de Videoteips en la instrumental “Tres colores”.

Ankalli con su esperanzador afro-andino “Pa’delante” y Toño López con “Aniquilado”, construido sobre bases “bolerísticas” y criollas, irrumpen y sorprenden gratamente en medio de tanto pop-rock.

Stereocósmica con su hard-rock nos comparte a través de su pieza, los postulados de su propuesta. Por el lado pop-rock están Fernado Kno & La corona con “Historias sobre los cuerpos” e Índole con “Sangre nueva” que muestra ciertas reminiscencias con Mar de Copas y Cementerio Club, si mencionamos “deudas con”, Ausencia con su “hardcore positivo” en “Paradojas”, las tiene con los Inyectores.

Mención aparte (no porque sean de nuestra tierra) los arequipeños de Entrenieblas con su épico post punk “Llévame” se erigen como lo mejor del compilado, mostrándonos la propuesta más madura y sólida, un plus tener dentro de este compilatorio a una de las mejores canciones del 2014.  

Finalmente cierran el compilatorio las densas oscuridades sonoras de Mamífero en “Así”, el rock ecléctico de Miguel Ganggini en “100 años”, Pastizal y su interesantísimo “The day i met you”, pieza de somnífero y delirante techno y la dureza rockera de Estado Naranja con “Trataré”.  

Nuevamente son 21 tracks de impecable sonido y de atractivas propuestas para mantenernos alertas y al día de las propuestas del combo sónico dirigido por el baterista de Bocanegra y ex Dolores Delirio, haciendo ya de las tres “B” (bueno, bonito y barato) un sello distintivo de las producciones de Underpop. Esperamos con ansias el lanzamiento de la cuarta edición que anhelamos siga experimentando esa senda ascendente por la que han transitado sus tres entregas. 

Te dejamos algunos vídeos de las bandas