Cada vez más cerca del final ...
20
BENJI
SUN KIL MOON
CALDO VERDE RECORDS
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| http://open.spotify.com/album/4pC2URLdvle8V6Um4qxh46 |
Desde
el 2002, luego de fenecer como Red House Painters, Mark Kozelek -músico de
origen californiano- adoptó el nombre de Sun Kil Moon para emprender su
proyecto personal, tomado del boxeador coreano de peso ligero Moon Sung-Kil (pues
el artista es un apasionado del deporte de los guantes), para convertirse en un
orfebre del folk rock. Su sexto trabajo lo lleva a la cumbre de su carrera,
creando un disco de dramático y desgarrador folk, con una instrumentación muy
básica y caracterizada por el canto desesperanzado, amargo y pesado,
relatándonos estremecedoras historias propias de la mortalidad, “las cosas se vuelven más pesadas conforme
envejeces, a los 47 años no puedo escribir desde una perspectiva de un joven de
25 años. Mi vida ha cambiado mucho y el ambiente que me rodea” confesó el
músico a Pitchfork.
Kozelek
le puso al álbum el título de Benji en referencia una de sus películas
favoritas de la infancia que tiene el mismo nombre, con el propósito de crear
un contraste con la oscuridad que reina en el disco. Las delicadas y bellas
cuerdas acústicas de las iniciales “Carissa” y “I Can’t Live Without Love
Mother’s Love” nos trata con ternura (aunque el relato de la primera es
trágico), pero el ambiente sonoro se irá enturbiando con la sombría “Truck
Driver” y adquiere aires épicos con la estupenda “Dogs”, las hipnóticas cuerdas
de “Pray For Newtown” nos termina por envolver con sus ambientaciones
cíclicas. En “Jim Wise” el bizarro sonido de un rhodes piano nos termina
cautivando y preparándonos para disfrutar de la esplendida marcha bluesera “I
Love My Dad” enriquecida con coros gospel. Otra vez la hermosura de las cuerdas
acústicas ejecutadas in crescendo nos conmueve el alma, en el extenso relato “I
Watched The Remains The Son The Same” explicándonos su experiencia al ver el conocido
film de los Led Zepellin y su niñez. La marcha desenfadada y cruda de “Richard
Ramirez Died Today Of Natural Causes” resulta genial, entregándonos Kozelek y
su banda, la mejor canción del disco, y uno de los mejores temas del año. Tras
el perturbador tema, la melódica “Micheline” nos regresa la calma. La cromática instrumentación de “Ben’s My
Friend” nos entrega los instantes más coloridos del álbum-pieza compuesta
pensando en su amistad con el Death Cab For Cutie, Ben Gibbard.
Aun
en medio de su obra de oscuro folk confesional, narrando con inteligencia
aquellos momentos que marcaron su pasado y siguen perturbando su presente, podemos
hallar bellos y conmovedores momentos, que resultan entretenidos. Estamos ante
unos de los favoritos a disco del año. La melancolía exhibida en Benji
por aquellos que han partido de esta vida dejando su legado de lucha
frente la adversidad es verdaderamente devastadora.
19
ENCYCLOPEDIA
THE DRUMS
Minor Records
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| http://open.spotify.com/album/1Iotu801AyeA67OfdfCsJQ |
La banda se
redujo a dúo, Jacob Graham (guitarra) y Jonathan Pierce (voz), pero su sonido
adquirió mayores dimensiones, paradójicamente su paleta sonora se incrementó
para proporcionarnos paisajes más variados y psicodélicos en este álbum,
apelando a los sintetizadores y la electrónica para la obtención de lo antes
mencionado, además de matizar su peculiar sonido con sonoridades new wave y
post-punk. Desde la “surfera” “Magic Mountain” cuyas distorsiones y voces histriónicas
resultan desquiciadas, el ambiente andrógino de la preciosa “I Can’t Pretend”,
los pegajosos y melódicos fraseos de guitarras de “I Hope Time Doesn’t Change Him”, la abrumadora y delirante “Let Me”,
las exploraciones “robóticas” en la etérea “Bell Laboratories”, la emotiva “There
Is Nothing Left”, hasta el delicioso manjar “sintético” que nos ofrecen con la
fina “Wild Geese”, The Drums nos entrega
un esplendido álbum.
18
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| http://open.spotify.com/album/29luvT98TnqHjVDYSRbbrj |
YOU'RE DEAD
FLYING LOTUS
Warp
Como lo
demuestra el surrealista arte de su portada, escuchar este disco resulta todo
un viaje psicodélico, pasado de vueltas, producto del caos experimental que
propone el músico norteamericano de electrónica Steve Ellison (Flying Lotus) en su quinto álbum. Donde se combinan free-
jazz, hip-hop, ambientaciones astrales, y orientales, con percusiones inconexas,
grabaciones añejas de películas “B” de ciencia ficción, acelerando y reduciendo
la marcha sonora e improvisando y probando con todo ese cúmulo de sonidos
reunidos para esta obra, dejándonos desconcertados en muchos parajes del álbum,
por su alucinada sonoridad embargada por una incertidumbre que resulta
embriagadora. Inquietante música tanto como la muerte.
17
ST VICENT
ST VICENT
Mis
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| http://open.spotify.com/album/2PbvQ5ALJj6uXgz5X3ghro |
Luego
de trabajar junto a David Byrne (ex Talking Heads) en el álbum Love
This Giant (2012), la multiinstrumentista natural de Dallas, Annie
Clarck, más conocida como St. Vicent, retorna con su cuarta larga duración. Logrando la perfección de su sonido de pop
experimental, esta vez sostenido sobre las sonoridades de retorcida y
excéntrica electrónica, sin embargo a pesar de la calidad del trabajo de la
artista no podemos afirmar que estamos frente a una obra de vanguardia pop ni
nada por el estilo, pues lo suyo suena a lo ya experimentado por Siouxsie And
The Banshees en temas como “Peek-A-Boo” más de dos décadas atrás y desarrollado
con mayor amplitud en su disco solista Mantaray del 2007. Pues desde el
arranque al escuchar las distorsionadas y chirriantes guitarras sampleadas de
“Rattlesnake”, el ruido de cuerdas en clave glam-rock de “Birthday In Reverse” o
los vientos de “Digital Witness” matizados con electrónica y endulcorados con
la sensual voz de la Clarck, me resulta imposible no recordar a la Sioux.
Pero
dejando a un lado las comparaciones, St. Vicent nos entrega hermosos temas como
la apasionada y envolvente “Prince Johny”, cuyos densos teclados de fondo y
percusión minimal resultan geniales para que se deslice la dolorosa voz de
Annie, y esos pegajosos “Oh oh oh oh!” del coro, que se resisten a abandonar mi
mente. Con ese mismo sonido seductor prosigue “Huey Newton”, irrumpida por unas
escarapelantes distorsiones guitarreras. Unos endiosados arreglos de viento nos
atrapan en “Digital Witness” para luego estrellarnos contra samples, loops y
otros artilurgios electrónicos. La
seductora voz de Clarck en “I Prefer You Love” nos termina hipnotizando a
medida que disfrutamos de sus sonidos espaciales. Si bien St. Vicent cultiva un pop experimental
y arriesgado, su música resulta accesible y encantadora, pues a pesar de las
atronadoras percusiones y filosas distorsiones de “Regret” se esconde un tema
embargado por la ternura. “Bring Me Your Love”, “Psycopath”, “Every Tear
disappears” y “Severed Crossed Fringers” solamente termina de confirmarnos la armoniosa
y barroca combinación de dulzura con dureza, que posee este gran álbum.
16
TOO TRUE
DUM DUM GIRLS
Sub Pop
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| http://open.spotify.com/album/2ntrA9zaxFlkTsQ7228LnV |
La
sensual voz de su vocalista, líder y guitarrista Dee Dee Peny flota en medio de
cambiantes atmósferas que transitan entre las tinieblas y la melancolía. El
penetrante mensaje de su último tema, la hermosísima balada “Trouble Is My
Name” (I had a visión/ i begged and i
pled/ i had a vision/ i wanted to be dead….i had a visión/Destruction ruled/I
had a vision/the flames cooled/ trouble is my name, is it your name too?) resulta
realmente conmovedor. Así
como también la nebulosa, fúnebre y siniestra “Lost Boys And Girls Club”, cuyas
guitarras exhiben clara influencia del The Cure más oscuro y gótico. A decir de
Dee Dee Peny, Too True ha logrado “un sonido
rock’n’roll más grande (¿?),
orientado hacia el pop inglés de los 80s y el brit pop de los 90s”.
Too True si bien es un trabajo menos
agresivo que sus predecesores, trae un conjunto de canciones de tonalidades
claroscuras, de envolventes y seductores riffs, pero a la vez más limpio y
pulido. Otro tema destacado del disco es “Too True To Be
Good”, onírica y bailable pieza, de circundante base rítmica, donde la
seductora voz de Penny nos conduce a ensoñadores parajes.
15
CARLA BOZULICH
Constellation
Sonidos
intimidantes, desgarradores y angustiantes son los pilares que hace atractivo
este nuevo acto de la Bozulich, tomando como base sonoridades blues, folk, country,
góspel y rock. El inconexo inicio con “Ain’t No Grave”, la metálica y enferma “One
Hard Man”, convirtiéndose en un tormento industrial, esa increíble atmósfera
de pesadez en “Don’ Follow Me” o infernal de “Deeper Than The Well”, cuyos
retorcidos arreglos de cuerdas resultan irritantes y perturbadores, el ambiente espectral de la hipnótica “What Is
It Baby” y la reconocida transgresora voz de la artista, son los puntales de su claustrofóbico
Boy. Simplemente estremecedor.
14
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| http://open.spotify.com/album/0F1pMhF8Vy74nKkQeLBfrd |
ARE WE THERE
SHARON VAN ETTEN
Jagjaguwar
Desde sus
inicios la natural de New Jersey, siempre se ha inspirado en el desamor y todo
ese abanico de funestas sensaciones y consecuencias que ofrece, y Are
We There no es la excepción, pero esta vez quiere que prestemos
atención al final de su reciente romance,
donde sus melancólicos pianos, como soporte principal, y guitarras se adaptan a
la perfección con la voz de Van Etten, impregnando en cada una de las piezas
una atmósfera de dramatismo que fluye de manera lenta y cálida a lo largo de la
obra, destacando “Afraid Of Nothing”, “Your Love Is Killing Me” y “You Know Me
Well”.
13
ANGEL GUST: RED CLASSROOM
XIU-XIU
Bella Union
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| http://open.spotify.com/album/7nox0SRTfTyUKyfbNusbbN |
Un álbum de panorama sombrío donde se funden desde el lo-fi, noise, punk
y otros estilos, con altas dosis de agresividad, matizados por sintetizadores. Cuando se combina synth-pop con sonoridades
lóbregas, el disco alcanza niveles superlativos. Este álbum “irradia” por todos
lados, esa extrañísima aura Xiu-Xiu: belleza, violencia, horridez, angustia e
incertidumbre, a pesar de haber reducido considerablemente su arsenal de
instrumentos a tan solo sintetizadores analógicos, programadores rítmicos de
los años 70 y un equipo de batería. Paradójicamente en medio de esta actitud
minimalista, Xiu-Xiu saca las canciones más experimentales y opresivas de su
carrera. Creando desquiciadas atmósferas sonoras como en “Adult Friends” o la sórdida
“Cynthia’s Unisex”.
Angel Gust:
Red Classrom
está marcado por un tenso clima de principio a fin, teniendo al terror, la demencia
y al drama como sus principales aliados. En donde los Xiu-Xiu han superado sus
propios límites de sordidez, haciendo de lo espeluznante su bastión primordial,
logrando que lo desagradable tenga efectos totalmente opuestos. Cuyo sonido
transgresor también puede resultar para algunos de las cosas más chocantes,
alucinadas y horribles que haya escuchado en su vida. Sin duda estamos ante el
disco más presuntuoso y angustioso del ahora dúo, llevando su música a índices
de siniestralidad y atrocidad mucho más desconcertantes de lo habitual, donde
decadencia, disonancia y extremismo se condensan a la perfección en los doce
actos sónicos que conforman esta obra musical de arte abstracto y subliminal.
12
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| http://open.spotify.com/album/4vHpLVNZR9XG6xo2kf79a8 |
THE FUTURE'S VOID
EMA
Matador Records
Bajo el nombre de EMA, se escuda una hija de Dakota
de sur, Erika M. Anderson para entregarnos contundente ¿synth-rock? Se podría
decir a la música que desarrolla, la gruesa capa de ruidos electrónicos, golpes
industriales y synths en la áspera “Satellites”, la sensual “So Blonde”, los
emotivos in crescendo de “3Jane”, la angustiante electrónica de “Clhulu” y su
rabiosa interpretación, la densa “Smoulder” cuyo distorsionado y espeluznante
canto resulta escalofriante, la percusión maquinal y atmosférica de “Neuromancer”,
el minimalismo espectral de “When She Comes”, la interpretación solitaria tras
un piano en “100 años”, la experimentación electrónica de retumbantes percusiones
en “Solace” y el elegiaco cierre de “Dead Celebrity” son muestras de la versatilidad expuesta por
la artista en su magistral obra. Esta rubia va en serio.
11
WARPAINT
WARPAINT
Indigo
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| http://open.spotify.com/album/09dQDtKaIuTaQvVHjFhEV4 |
Un disco arriesgado y plagado de excelentes
canciones, para saborearles una y otra vez e ir encontrándoles tras cada nueva
escucha razones de sobra para regocijarnos con sus sonidos, poblados por una
serie de detalles y recursos que se convierten en todo un festín, al ir
descubriéndolos; y es que mucho de su excitable sonido se debe al
talento de sus integrantes sumado a la mano divina del reconocido productor
Mark Ellis, mejor conocido como “Flood” (Depeche Mode, U2, Nick Cave & The
Bad Seeds, entre otros) quien ha logrado brindarle solidez y madurez al sonido de la banda.
En una entrevista para NME,
la baterista Stella Mozgawa afirmó que Warpaint planeaba hacer un “experimento y escribirlo…”. Jenny
Lee Lindberg bajista
del grupo quien elaboró la composición del nuevo material, señalaría que la
mayoría de las canciones fueron escritas “en
medio de pruebas de sonido, ensayos y
cosas que fluían en el escenario”. La guitarrista y cantante Theresa Wayman
manifestaría que “la intención de la
banda, era crear un sonido minimalista, experimentando más con guitarras
acústicas e instrumentos de percusión”. Mientras que la también guitarrista
y cantante Emily Kokal resaltaría que el R & B y la música rap influenció
en el sonido de Warpaint, señalando además que la incorporación de cajas de
ritmos y ruidos, crearon ambientes sonoros peculiares a los estándares del
rock, obteniendo un sonido “definitivamente
diferente” al de su primera larga duración.
Las
primeras escuchas del disco, nos puede sonar a característico post-punk o revival
noventero entre The Cure etapa Wish, insertándose capas de trip-hop bristoliano,
sonoridades más atmosféricas, etéreas y espectrales, matizadas con psicodelia,
como si las féminas brindarían tributo a sus influencias, pero no es así, pues
las californianas demuestran que a partir de ese bagaje sónico, son capaces de
llevarnos a transitar entre lo placentero y lo difícil, cuyos ambientes sonoros son adornados por las sensuales y fantasmales voces de Emily y theresa, demostrándonos que en
medio de sus oscuras y tenebrosas sonoridades podemos encontrar la belleza, y
que entre tantos parajes grises existe lugar para delicadas texturas. El
envolvente y excepcional bajo se convierte en el soporte principal sobre el
cual giran las melodías y estructuras sonoras de Warpaint, muestra de ello
es su adictivo single “Love is To Die”, en donde Jenny Lee se porta como la
alumna más aplicada de Simon Gallup. Los etéreos y
sinuosos arreglos de guitarras en combinación con sintetizadores y otros ruidos
ambientales, crean unos ensoñadores climas sonoros, para nada angelicales sino
tensos, que nos mantienen en un suspenso hasta el fin.
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