LAS MEJORES CANCIONES DEL 2013

Aquí algunas de mis canciones favoritas de este 2013, sin ningún orden en particular...

ARCHIVOS INÉDITOS: LO MEJORES DISCOS DEL 2012

LO MEJOR DEL 2012

Nunca publique mi lista de los mejores álbumes del 2012, así que a manera de "memorabilia" , a continuación los mejores discos de hace un año, según los gusto de este humilde servidor, a manera que nos preparamos para publicar la lista de este año en estos días....

1. "BLOOM" - BEACH HOUSE

 Publicado en http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2013/02/beach-house-aflorando-la-nostalgia.html

2. "ANASTASIS" - DEAD CAN DANCE

Publicado en http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2013/02/dead-can-dance-no-estaban-muertoshan.html

3."EKTASIS"- JULIA HOLTER

Publicado en http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2013/12/julia-holter-y-ahora-quien-la-detiene.html

4. "COEXIST" - THE XX

Publicado en http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2013/01/the-xx-en-la-repeticion-esta-el-gusto.html

5. "III" - CRYSTAL CASTLES

6. "CONFESS" - TWIN SHADOW

Publicado en http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2013/02/twin-shadow-confesando-un-viejo-amor.html

7. "THE SEER" - SWANS

8. "ALWAYS" - XIU XIU

Publicado en  http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2012/12/xiu-xiu-siempre-haciendo-musica-para.html


9. "VISIONS" - GRIMES

Publicado en http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2013_01_01_archive.html

10. "NOCTURNE" - WILD NOTHING

Publicado en http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2012/12/nocturne-la-vision-pop-de-jack-tatum.html

11. "CENTIPEDE HZ" - ANIMAL COLLECTIVE

 12. "VALTARI" - SIGUR RÓS

Publicado en http://tesorosenlatierra.blogspot.com/2013/12/sigur-ros-celestial-sonido-sacudiendo.html

13. "R.I.P" - ACTRESS

14. "UNTIL THE QUIET COMES" - FLYING LOTUS

15. "BLUNDERBUSS" - JACK WHITE

REM: GREEN - 25th Anniversary Deluxe Edition

GREEN

R.E.M.

Warner Bros (2013-reedición)

Recuerdo bastante 1989, mi paso por segundo de secundaria y sus fiestas entonadas por la música de New Order, Depeche Mode, The Cure, y para mi sorpresa R.E.M con sus empalagosas y festivas “Stand” y  “Get Up”, que era parte del nuevo material de la banda, por ese entonces, y que marcaba un distanciamiento con aquel sonido sobrio y serio que reflejaban sus anteriores trabajos, pero la marcha marcial y oscura de “Orange Crush”, que sonaba sin parar en radio Doble9, pondría el equilibrio a lo que hasta esa época había escuchado de su sexto álbum, Green. Disco que serviría de transición entre el viejo sonido de R.E.M y el nuevo.

Veinticinco años después, se lanza la reedición de este álbum, cuyos orígenes se remontan cuando nuevamente con la participación del productor Scott Litt, la banda prepara los demos en Athens, bajo el lema de “no escribir más canciones tipos R.E.M” arengado por su vocalista Michael Stipe. Con este material, entre los meses de mayo y julio de 1988, los R.E.M se encierran en el Ardent Studios de Menphis, para concebir el disco y terminarlo en el Bearsville Studios de New York.

Para la grabación de este álbum, algunas cosas cambiarían para la banda, la primera y más importante, es que  significaría el debut con su nuevo sello, Warner Bros, quienes también habían fichado a The Replacements, The B-52s y Hüsker Dü. Otro cambio, era el plazo para terminar el disco, fue más extenso que en anteriores oportunidades, pues las preocupaciones para costear ese proceso habían aminorado.

Berry, Stipe, Buck y Mills , 25 años atrás...

Por el lado musical, R.E.M que se había caracterizado por desarrollar a lo largo de sus cinco álbumes, enigmáticas piezas a medio-tempo, semi-folk y por ahí algunas baladas rockeras, a manera de refrescar sus composiciones, sus músicos, Peter Buck (guitarra), Mike Mills (bajo) y Bill Berry (batería), exploran con nuevos instrumentos, entre ellos acordeones y mandolinas, éste último ya Buck lo había utilizado en Document y en esta ocasión intentaría seguir creando nuevas sonoridades con dicho instrumento.  Un ejemplo de dicha exploración sónica, se traslada en el tema  “You Are The Everything”, en donde Mills toca el acordeón, Buck la mandolina y Berry  el bajo, siendo un claro ejemplo de hacia dónde iría la música de R.E.M en un futuro cercano (el Out Of Time de 1991). Finalmente Scott Litt introdujo en el grupo una nueva manera de trabajar, desarrollando primeramente la parte de la composición musical, dejando para después la parte lirica, con el indiscutible  sello de Stipe, siempre firme e impactante.

El 8 de noviembre de 1988, fue la fecha elegida para la salida de Green, el mismo día que George Bush, padre, fue elegido como sucesor de la Casa Blanca. El álbum no significó la completa reinvención sónica que sus integrantes se habían trazado con este,  pero sí plasmaba el crecimiento artístico que sus integrantes iban experimentando, y que seguirá cautivando a los fans más duros de la banda, a  pesar de sus canciones de pop más accesible, que sin duda iba un poco en contra de la historia de la banda, pero  terminaría conquistando al público que no sabía de la existencia de la banda. El título del álbum condensaba, las nuevas preocupaciones sociales de la izquierda liberal de la época.      

Material que contiene la reedición 2013

El álbum se inicia “Pop Song 89” y un Buck en la guitarra regalándonos unos riffs de guitarras, a lo Stone y Kins, además de mostrarnos un sonido ciertamente más accesible, y que con la festiva “Get up” se notaría aún más,  ya hablamos de la luminosa “You Are The Everything”, “Stand” nos muestra lo más óptimo y alegre que la banda había hecho hasta ese entonces, aunque con un sonido premeditadamente infantil, pegadizo y jocoso, hasta aquí podríamos decir que R.E.M había lanzado las canciones más comerciales de su historia, pero no por esto sinónimo de malas, sino todo lo contrario, sonaban brillantes. Y sobre esa estructura se constituiría uno de los mejores discos de los ochentas, el éxito de Green  llevó al cuarteto de Georgia a seguir llenando estadios.

Si bien Green no exhibe una atmosfera tan politizada con su antecesor, Document, se presentan todavía algunas alegorías  como en  la sombría “World Leader Pretend” que también sirve para presentar las preocupaciones personales de Stipe, o el arte de la portada del disco, en donde árboles y telégrafos se cruzan, y cuya contracubierta de color naranja, es una referencia al Agente Naranja que usó Estado Unidos en la guerra de Vietnam para arrasar las selvas del país. La alusión resulta más clara en “Orange Crush”, cuyos sonidos crean un ambiente de horror y alucinación, liderados por la punzante guitarra de Buck, siendo bien secundado por los redobles marciales de Berry, los apoyos vocales de Mills, y perfectamente complementados los ruidos de las hélices de un helicóptero, los gritos de unos eufóricos soldados marchando y las fantasmagóricas voces de Stipe a través de un megáfono, logrando a mi gusto, la cúspide del álbum, mientras que también hay espacio para las preocupaciones ecologistas que son mostradas en la oscura “I Remenber California” , pieza que cierra el álbum.        

Cabe destacar también la sonoridad sureña plasmada en la sepulcral “The Wrong Child”, la enérgica “Turn You Inside-Out”, manifiesta las luchas de lidiar con la fama. En “Hairshirt” por primera vez Buck, utiliza la mandolina como instrumento para liderar la música de una canción, y el bello bonus track que debe su existencia al encantador juego de voces de Stipe con Mills, y sus psicodélicas melodías.   

Tracklist del disco en vivo que acompaña al álbum original

Green había traído algunas canciones anómalas al patrón del repertorio del sonido R.E.M., para algunos la propuesta seria de la banda, estaba siendo remplazada por algo más superficial e insensato, pero no entendían que la banda estaba yendo por un sendero de sincera y autentica exploración sónica, sin ningún ánimo de ser una banda llena estadio, que la música de la banda y los gustos de las masas hayan coincidido fue una feliz coincidencia, que se repetiría en álbumes posteriores.

La impecable reedición de Green, está compuesta por una caja pequeña, que contiene dos discos, el álbum original con un sonido realmente extraordinario, y un generoso concierto de 20 temas, ofrecido en noviembre de 1989, además de contener postales individuales con el rostro de cada uno de los integrantes de la banda, y un gigantesco póster de la banda. Una edición obligatoria en la colección de todo aquel que se jacte seguidor de la banda.       

  

THE HOUSE OF LOVE: ZAFANDO DE LA OSCURIDAD

SHE PAINTS WORDS IN RED

THE HOUSE OF LOVE

CHERRY RED RECORDS (2013)

Este 2013, ha sido un año de retornos, algunos espectaculares y grandiosos como el de Nick Cave & The Bad Seeds, David Bowie o Suede, buenos como el de My Bloody Valentine, decepcionantes como el de Depeche Mode, y decorosos como  el de The House Of Love, con su digno She Paints Words In Red, caracterizado por sus luminosas sonoridades electroacústicas, marcando un aparente adiós con el sonido sombrío y psicodélico de sus inicios.  

El sexto álbum de la banda, y el segundo tras su reunión en el 2003, nos presenta un disco sin hits pero que resulta muy agradable su escucha, poblado por una serie de melodías a medio tiempo, de claras influencias sesenteras, reflejando sus gustos por los Beatles o los Stones, y  experimentando con el country y el folk en algunos parajes. Como me decía “Wicho” García de Mar de Copas, en una entrevista el mes pasado, a veces las bandas al pasar los años, llegan a una etapa en las que vuelven a sus  influencias, y sobre ellas inician un proceso de reinvención. Eso mismo sucede con The House Of Love para She Paints Words In Red.

Aunque el álbum marca un ligero distanciamiento con su sonido primario, en su elaboración pareciera que el punto de partida hubiera sido también retomar la fórmula mágica, no solo musical sino contextual, que les dio el éxito, volviendo casi a su formación inicial, con Guy Chadwick (guitarra y voz),  Terry Bickers (guitarra), y el regreso de Pete Evans en la batería, volver a trabajar con su productor Pat Collier y la fotógrafa Suzie Gibbons, la autora de las fotos de sus primeros Lps y singles. Por lo menos el ambiente volvía a ser el mismo.

Terry Bickers y Guy Chadwick 

Ahora, los resultados, She Paints Words In Red no es un álbum que capte de inmediato la atención de sus fans, es más quizás a algunos los decepcione, cuando lo escuché por primera vez, tras varios meses de espera, con bastante molestia reflexioné “¿Tanto aguardé por este adefesio de disco?”, no le encontraba sentido al álbum y menos ganas de siquiera reseñarlo, pero se trata de un trabajo al que hay que darle más de una oportunidad y escucharlo varias veces para asimilar los cambios que The House Of Love ha experimentado en su sonido. Si estás a la espera de escuchar nuevos “Shine On” o “Christine”, olvídalo, es lo primero que te tienes que concientizarte si deseas darle una chance a este registro.

Y es que quizás todavía no nos damos cuenta que estamos ante unos músicos bastante maduros, que ya no son los jóvenes de antaño que nos deleitaban con sus guitarras atmosféricas, filosas melodías post-punk y delirante psicodelia. Ahora nos presentan un trabajo elegante con un grupo de canciones que logran un álbum homogéneo, que no suena para nada forzado, sino en el que se sienten a una banda  muy cómoda deslizándose en su nuevo territorio sonoro, sin sonar complacientes, pero muy felices de lo que están haciendo y haciéndonos sentir cómodos.

Como lo mencionamos anteriormente, la característica del álbum es su sonido electroacústico, construyendo melodías a medio tiempo, que tienen en la interrelación  de voces y guitarra entre Guy y Bickers, a su estructura principal, demostrando algunos de los momentos más finos de la banda, y que la química entre ambos músicos permanece intacta. En donde sus canciones exhiben sencillez y no se prolongan más de lo necesario. 

El corte inicial “A Baby Got Back On Its Feet” muestra un ligero intento por recrear las sonoridades del pasado, sigue la acústica y rítmica “Hemingway”, el tema que da título al álbum “She Paint Words In Red” resulta placentera  al deleitarnos con sus juegos de cuerdas. “PKR” trae los mejores momentos del disco, pues volvemos a escuchar aquel sonido que nos enamoró de la banda, donde las cuerdas se unen para lograr sensaciones de tensión in crescendo, y a Evans con una propulsiva percusión que va reventando sus tambores con gran energía sobre el final. Lo apacible retorna con “Lost In The Blues”, en donde las letras de Guy Chadwick  recrean esa particularidad tan anglo de componer a la frustración.  “Low Black Clouds” muestra nuevamente, aunque por  instantes, esas geniales atmósferas sónicas construidas en el pasado y cierto coqueteos con el country. En  “Money Man” nuevamente una embelesada progresión de cuerdas acústicas origina confortables sensaciones para los oídos. Las melancólicas cuerdas acústicas de  “Trouble In Mind” nos remiten a gloriosas sonoridades sesenteras. 

“Never Again” tare más combinaciones electroacústicas y revivalismo 60s, que se prolongará con la dulce “Sunshine Out Of The Rain”. En “Holy River” las guitarras de Chadwick y Bickers emiten sonidos expansivos que crean cierto ambiente nostálgico, cerrando la bella  “Eye Dream”, que al igual que la pieza inicial, se manifiestan deseos por recrear lo mejor del sonido de la banda de la época de sus orígenes, mostrándonos  un sonido sombrío y desgarrador.

A pesar de tratarse de un buen álbum, She Paints Words In Red no ha tenido gran repercusión de la prensa de su país, por ejemplo la reseña respectiva aparecida en The Guardian, no alcanzó siquiera las 35 palabras, y ahora yo no le estoy dando más de 8 párrafos, y es que The House Of Love, “ya fue”, la banda ya no genera el mismo entusiasmo de hace dos décadas, por más que nos entreguen generosos discos como este.  Difícilmente volverán a crear algo comparable a sus gloriosos inicios. Podrán seguir deleitando a sus más acérrimos fans con confortables sonoridades pero de ahí a deslumbrarlos con sus futuras producciones parece una tarea harto complicada. 

20 AÑOS DE MAR DE COPAS: ENTREVISTA CON WICHO GARCÍA

ENTREVISTA CON WICHO GARCÍA

El pasado mes de noviembre Mar de Copas estuvo por Arequipa, promocionando su reciente álbum SEIS y su compilación de canciones inéditas y rarezas,  LADO B. Sus primeras producciones en 9 años. Gracias a las gestiones del buen J.J. Castro de la banda El Aire, pudimos contactarnos con Luis García, más conocido como “Wicho”, vocalista del renombrado grupo limeño, para sostener una conversación sobre su última producción, algunas anécdotas  y los 20 años de Mar de Copas, en donde Wicho se mostró a lo largo del diálogo como un tipo, sencillo, divertido y muy carismático.

DE SECTARIO A MASIVO

"Fugitivo" y "Mujer Noche" se volvieron en sendos himnos de la época

Guido: Wicho, ¿Qué tal los 20 años? ¿Cómo la han pasado?

Wicho: Volando, sin darnos cuenta, chambeando y siempre la pregunta: ¿Cómo hemos estado juntos tanto tiempo? Es que la chamba no ha parado, y si faltara la chamba y nos viéramos las caras, hace rato no hubiera existido Mar de Copas, pero la chamba no ha cesado, prácticamente tocamos cada fin de semana, un promedio de 45 conciertos al año, es un montón; eso es lo que nos ha mantenido juntos todos estos años, la chamba y las ganas de seguir tocando.

G.: ¿Cómo ha sido el proceso de haber pasado de ser un grupo de tocar para un reducido circuito entre  Miraflores y Barranco a ser un grupo para tocar ante miles de personas?

"Tras esa puerta", "Sobre las vías del tres", "Esos Días", el mejor álbum de la banda

W.: Bueno, eso fue gradual, si bien empezamos tocando en locales chicos, eran pocos locales y era casi el mismo público el que nos seguía, y éste fue creciendo en la medida que también fue creciendo la difusión, porque antes era solo la pasada de casetes, luego la de CD, pero no estábamos en ningún medio en realidad, las radios se dieron cuenta que existíamos en el 97 y de ahí al 99 con el Suna, no solo sabían que existíamos, sino estaban pendientes del siguiente disco, ahí cambió la cosa un poquito, y ese público que al principio, digamos que del 93 al 99, había crecido bastante, ya no era solo los que conocían todas las canciones, sino los que escuchaban las canciones que pasaban en la radio, cambió bastante en cantidad y calidad, hay mucha gente que inclusive, bueno es la cosa que no entendimos mucho, público que nos escuchaba desde el inicio se fue porque nos volvimos masivos, no lo entendí, pero en realidad yo me alegro, yo no entiendo si les gustaba la música, o la onda de ser ‘underground’ o ‘¿por qué te gusta este grupo? ¡Ah! Porque solo a cuatro gatos’,  ‘te gusta la música del grupo, o no te gusta’, pero este nuevo público no solo era masivo sino tenía una amplitud generacional y nos ha hecho crecer como grupo de escenario, toda esa energía que te da el público, estar ante 15 mil personas que están coreando tus canciones, eso te lleva a tocar mejor y a tener una interacción con el público  y aparte te anima a entender que estar en el escenario, es algo distinto a lo que era en el principio, antes éramos unos hongos y  nos daba miedo estar ahí.

G.: ¿Cómo crees que ha contribuido los videoclips en la difusión de la banda?

"LB", "Despedida". El álbum más experimental de la banda

W.: Mira tengo todo un rollo con los videoclips, no me interesa mucho el aspecto visual, pero es un problema personal, nada que ver con el resto del grupo, pero sí son importantes, son al final el comercial de la canción que deseas promocionar, digamos que a partir de los 80, el tema del videoclip empieza tomar fuerza, la gente quiere ver, mis hijos quieren ver, me dicen ‘mira esa canción ¿Cuál? La del video tal’; todo lo asocian con lo visual, pero para mí no se da, porque yo sigo en la época del vinilo. Sí considero que es importante los videoclips, la promoción se hace más fácil y creo que nunca antes habíamos tenido tantos videos para un disco, así que creo que es importante la difusión por medio de los videoclips aunque no me guste.

G.: ¿Qué tal la acogida en provincia?

"Suna", "La máquina del tiempo", el disco que los lanzó a la fama

W.: Bien, desde que en  el 2005 salió “Un día sin sexo”, se abrió una puerta bien grande con un público mayor, no solo chiquillos sino que fue una canción que caló mucho en gente encima de los 40, incluso de los 50. A partir de esa canción empezó a  ir gente bastante mayor a los conciertos. Ahí está una de nuestras fans conspicuas que tenemos, que se llama Mercedes, ella empezó a ir a los conciertos acompañando a su hija que era menor de edad y termino yendo ella sola finalmente, es una fan a muerte, a raíz de esa canción, allí comenzó a  descubrir las otras canciones. Hay gente que me ha parado en la calle, Señoras me detienen ‘usted es el que canta esa canción, mi hija ven para acá’. Desde el 2006 en adelante hemos hecho provincias como nunca antes, acrecer más el mercado, en Huancayo, en Arequipa, en Trujillo, en Cusco, entonces hemos tenido bastante más chamba en provincias que en Lima.

SEIS

G.: ¿Por qué 9 años desde el último disco?

La inédita "Ramera" conquista más fans

W.: Principalmente por la chamba, creo que el 50% fue eso y lo otro ha sido por las cosas que han ocurrido en el camino, anécdotas, como problemas personales, se murió el papá de Manolo y eso le cortó la inspiración en el momento que estaba haciendo las canciones nuevas, hubo un bajón y dejamos de ensayar, cuando retomamos, Phoebe tuvo su 3^er hijo, y de allí el 2008 yo tuve mis 2 hijos, Toto lo de sus mellizas, y de allí distintas circunstancias que nos detuvieron desde el 2007, que era realmente la época en que empezamos, de allí al 2010 nos reunimos para haber qué pasaba, ‘¿seguimos o no seguimos? ¿Hacemos un nuevo disco o no lo hacemos?’ Y decidimos que a partir del 2011  empezaríamos hacer una producción con fechas, desde el 2011 fue todo un proceso con pre-producción, planear, conseguir la plata.

G.: ¿Por qué duró tanto la producción del álbum (2 años)?   

Maxi de rarezas más videoclips para pc.

W.: Más que la grabación fue todo el proceso, comenzar nuevamente a ensayar, seleccionar qué canciones iban, ver qué faltaba, decidir que íbamos a sacar dos discos, eso también, sacar LADO B, pues habían una serie de canciones por ahí sueltas, desperdigadas y sin grabar, y decidimos, sí ok, hagámoslo, entonces meter todo eso en el proyecto era bien difícil, ya no eran 12 canciones sino 26, eso también alargó todo un poco, y después nada, conseguir la plata, los auspicios, tener que contar con un productor, era ya otro costo, era difícil ver cómo íbamos a fabricarlo, entonces ha sido el proceso de pre-producción, de volver a ensayar, de retomar los ensayos de lo que ya había, de componer lo nuevo, etcétera, ha sido largo.             

G.: ¿Por qué no grabaron el disco en “Villa Rubí”?

W.: En Villa rubí se hicieron los demos, como siempre yo hice la pre-producción, hasta allí llegó mi trabajo, y de me quedaba cantar. Ahora ¿Por qué?, bueno el productor tenía su propio estudio y bueno el cambio incluía eso con productor nuevo, en un estudio que no fuera el nuestro, era algo lógico, todo nuevo.  

G.: Siempre la característica del grupo ha sido hablar del desamor y amores frustrados, y su último disco se caracteriza por mostrar una imagen gris en su presentación ¿Hay alguna relación entre el concepto visual y la música del álbum?

W.: No, en absoluto, porque la carátula yo la hice hace más de 2 años, o sea ya estaba hecha como concepto y como idea, son fotos de un amigo, Hans Stoll, las vi en una muestra y me dije ‘qué paja estas fotografías, me gustaría hacer una carátula con ellas’, y las hice, y quedaron como una idea, y cuando  llegó la hora en la que teníamos que presentar un proyecto de carátula, el único que tenía una propuesta era yo. A veces hay otras propuestas por ahí, pero esta vez era la única, entonces es la que quedó, ganó porque era la única.  

G.: ¿Qué diferencia tiene “Seis” con otros discos de Mar de Copas?

Un retorno por partida doble

W.: La primera, es la producción de Rafo Arbulú, el sonido, eso tiene que ver más con el sonido; porque en lo que se refiere a composición, lo que me parece que es bacán, es que de alguna manera se ha mantenido el cambio principal que ha habido en Mar de Copas, a partir del 2005 con Si algo así como el amor está en el aire que para mí fue el haber  cerrado un ciclo de composiciones de Manolo, que es que él, ha comenzado a componer canciones que suenan como lo que él escuchaba, lo que todo comenzábamos a escuchar al  principio, parecía que estabas escuchando canciones no editadas, desconocidas de los grupos que escuchábamos en la época, porque al comienzo te pareces a tus influencias demasiado y hasta a veces sentir que te estás copiando, pero luego empiezas a experimentar y evolucionar y toda esa vaina y de pronto llega un momento en que retornas a tus orígenes pero ya no como una copia, sino como si fuera la continuación de que tu escuchabas al principio. Entonces, yo sentí eso en  Si algo así como… y lo he sentí aquí pero con el agregado que hemos regresado a la etapa de la experimentación, hay un poco de los dos, como en la época del III, entre lo experimental y esa onda de escuchar canciones de grupos muy antiguos, de grupos que escuchabas de chico. Creo que por ahí va la diferencia.     

G.: Justamente hay dos canciones que me llaman la atención, “Edificio República” y “Tomar su mano”, hay influencias más guitarreras, más “noise”…  ¿Existe  alguna intención de experimentar a futuro por ahí?

CD/DVD de su acústico del 2004. Videografía completa

W.: Más pesadas, guitarras pesadas, pero no hay ninguna intención, salieron en los demos,  los trabajamos y algunos temas quedan otros no.  

G.: ¿Ustedes ya no están distribuyendo sus discos?

W.: No, ya no, desde el anterior disco no lo hacemos, al principio lo distribuíamos pero ya no desde el 2007 o 2009 dejamos de producirlo. Lo que hacemos es contratar una distribuidora, que firma un contrato de distribución con nosotros por una cantidad de discos, se termina ese stock y renovamos el contrato por otra cantidad. Que es lo que se hace ahora, al no tener industria, disqueras ni sellos, distribuidoras que fungen como sellos.

G.: ¿Qué tal la acogida del último disco?

W.: Bastante buena. Para las dudas que tenemos antes de sacar un nuevo disco, ‘¿Va gustar o no va a gustar?’ En realidad han sido muy positivas. Hasta ahora no he escuchado nadie de la gente que escucha Mar de Copas, porque de hecho hay gente que dice: ‘Agh, los odio’, pero a los seguidores les ha parecido pajísima, les ha gustado canciones que me parecía no les iba a gustar mucho, ha sido muy buena la recepción, ha sido muy buena la venta.       

Los temas que nunca aparecieron en sus álbumes de estudio

G.: ¿Cuántos discos han vendido?

W.: Dicen que tenemos disco de platino por “Seis”.

G.: ¿Existe un afán autodestructivo en el tema “Dos caras”?

W.: No, para nada. Yo creo que son frases como lo dijo Manolo, en el conversatorio de la católica, las escribe en momentos de inspiración, o de “desinspiración” como él mismo dice, y después que trata de adecuarlas a la música, muchas cambian por una cuestión fonética, hay muchas cosas que están allí, simplemente porque suenan bien con la música, no necesariamente porque tienen que significar algo o significan algo, porque fonéticamente funcionan.

G.:   ¿Cómo en “País de tus sueños”?

W.: Claro, no hay ilación, no hay ni siquiera una historia, son oraciones, palabras juntas que parecen fueran una historia, pero te dices ¿De qué está hablando esto? Pero te deja sensaciones nada más, es una forma de escribir finalmente. Pero hay muchas cosas que se cambian en el camino porque musicalmente suenan mejor.

“SEIS” EXPLICADO POR WICHO

A su peculiar manera Wicho, nos comenta y explica cada una de las canciones del nuevo álbum de Mar de Copas.

Dos Caras. “habla de que este mundo es dual, estamos siempre entre dos extremos, no sé si la canción trata de eso, pero cuando la presento, por si acaso lo digo. Todas las cosas tienen dos caras” 

Siglo XX. “Es una canción de nostalgia, que tiene  que ver directamente con los padres, con nuestros recuerdos de infancia”  

Cómo Pensar Que No Te Quise. “¿Qué será? Pregúntale a Manolo (Risas)”.  

Atardecer.  “Es una canción sencilla y adolescente y nada más”

A Solas. “Era una canción que estaba desechada, porque prácticamente no tenía letra, era de tres o cuatro frases y solo una melodía sugerida, pero en realidad esa armonía y melodía eran tan interesantes que yo la rescaté, y le dije a Manolo ‘¿Y esta?’ Y se había olvidado por completo, fue por el 2007, entonces me la encargó, trabajé la letra y darle una forma armónica y melódica. Pero creo que no hablan de nada en particular, eran frases que estaban ahí y trate de darle un sentido, muy parecido con lo que hice con las letras de Narcosis. Fue una canción construida en base a una sensación.”   

Edificio República. “No entiendo absolutamente nada. Es una ‘Manolada’, es abstracta.” 

Cada Siete Tardes De Sol. “Es del tipo ‘A solas’, frases hechas en base a recuerdos”

Tomar Su Mano.  “Es como esta pero más abstracta todavía, yo la pondría en el saco de Edificio República.”

Desconocidos Íntimos. “Yo la había desechado, me parecía que era una canción menor, la deseché pero finalmente quedó. Cuando hubo un consenso de qué canciones le gustaba a los integrantes de la banda, era tan distinto todo que dijimos, ‘¿por qué no dejamos todo?’. La única que salió de la lista y que no está aquí pero terminó en Lado B es ‘Soledad’.”

Olas Plateadas. “Es una canción más bien co-compuesta con Octavio, hijo de Manolo, es como una cosa bien ligera, en realidad, no es una historia, son como sensaciones  un poco más que tiene que ver con lo que Octavio le propuso a Manolo para hacer la canción”.

Pensando En Ti.  “Esa canción es más consistente con la historia, es de la que me gustan bastante a mí,  es de las canciones que me parece bien ‘marcopera’ en el sentido, por ejemplo de Entre los Árboles, ese Mar de Copas bien clásico.

Visiones. “Manolada total pero posiblemente una de las canciones más logradas”.

ABSOLVIENDO CURIOSIDADES

G.: ¿Existe algún trato o pacto para que Manolo cante siempre la última canción de cada álbum, pues sucede ello en varios álbumes y también en Seis?

W.: No, por ejemplo “Canción” la cantó porque Rodrigo Quijano se la regaló, y la incluyó al final porque fue una especie de cábala, por lo menos en estos 20 años, unos 10 hemos terminado todos los conciertos con ese tema, hasta que un día dijimos ‘oe ya pues’, “Viajo en tu piel” también tiene el mismo origen, a parte como secuencia funcionaba como canción final.  

Cuando empezamos a componer, y comenzamos a decidir qué canción va y qué no va, Manolo me dice generalmente ‘esta la voy a  cantar yo’, entonces él decidió ya cuales va a cantar, y algunas que se deciden ya después. Por ejemplo, “Soledad”  yo le dije ‘esta canción no la voy a cantar; uno, no me parece que fuera para mi voz, y dos, se acopla muchísimo más a tu voz, y en realidad no se acopla a nada, no se acopla a Mar de Copas, no  porque sea mala, sino porque no encajaba, fue hecha por gente ajena a la banda’    

G.: Entonces es una coincidencia

W.: Más que coincidencia, yo diría que simplemente se ha dado así…hay canciones que yo hubiera querido cantar como “Morir un poco”, para es el mejor tema que ha compuesto Manolo, de lejos el mejor tema de Mar de Copas, es una canción que hubiera querido cantar en el disco y que  la canto a capella cada vez que puedo, me encanta esa canción. 

G.: ¿Esperaremos otra vez casi una década para un nuevo disco?

W.: Eso quién lo sabe, espero que no, porque ahora como se vienen los nuevos proyectos, un tercer disco de los Trece Baladas,   y yo estoy pensando seriamente retomar mí proyecto de  “acuistisolos” y tengo en la cabeza y en el papel algunas cosas que he avanzado, por allí me mande componer algunas cosas, y no pase mucho tiempo para que salga algo nuevo, pero ¿quién sabe?    

G.: ¿20 años atrás pensabas que podías vivir de la música?

W.: ¡Noooo! Este sí por un lado pues ya estaba trabajando en un estudio, pero en realidad cuando empezamos con Mar de Copas, yo no le daba más de 10 años, decía ‘bueno será hasta que dure’. Además cuando empezamos mi compromiso fue ese, en realidad yo entré al grupo casi terminando la grabación del primer disco, por eso casi todo el primer disco es cantado por Manolo y la condición fue esa, ‘pero te quedas’ me dijeron el resto, porque yo ya tenía una fama de abandonar los proyectos, bueno dije ‘está bien, hasta el final, hasta que dure’.   

G.: ¿Qué sientes por la pérdida de Lou Reed? (había sucedido solo una semana atrás)

W.: Bueno, no somos eternos, es el destino natural de todos nosotros morir, hacia eso vamos, así esa comprensión vamos, porque culturalmente tenemos una comprensión de la muerte absolutamente errado, lo vemos con miedo y creo que las religiones, sin ningún ánimo de chocar con alguien han malversado este tema, definitivamente estamos aquí para aprender ‘¿Quiénes somos?’ y enfrentarnos a la muerte como parte de la vida, simplemente cómo hemos entrado a esta vida, fase, plano, mundo, como quieran llamarle, en algún momento tenemos que salir y regresar de la fuente de dónde vinimos, eso es todo, finalmente la muerte es la continuación.

Ahora, el aporte de Lou Reed a la música, fue espectacular en lo que se refiere al lenguaje, un poco como Dylan diría yo, Dylan rompió mucho el esquema del lenguaje en el rock, comenzó a escribir de una manera y sobre cosas que nadie había escrito antes, claro a partir de un tema más bien social y de rebeldía que después derivo a una onda más poética. En cambio Lou Reed, empezó prácticamente con un tema más puramente artístico, pero rebelde en la manera de simplemente romper con esquemas y con sus propios esquemas, de alguna manera rompió con los esquemas que existían pero simplemente siguiendo su propio camino sin mirar a los costados, ese pata lo que nos ha dejado es finalmente es ‘haz tu propio camino’ aunque tengas que verte con 20 trenes.  Yo creo que es la poesía, la manera de hacer las cosas más sencillas porque los ritmos de las canciones no tenían más de tres o cuatro acordes, y sin embargo también hizo experimentaciones electrónicas y nunca dejó la cuestión básica del rock’n’roll y con eso ha hecho un universo tan grande y tan rico como influencia para un montón de gente, que yo creo se resume en la simplicidad, complicar las cosas es facilísimo, cualquiera puede hacer música dificilísima, pero hacer las cosas sencillas y con esa contundencia y ese corazón, finalmente creo que Reed lo que tenía es que iba al corazón de las cosas, podía decir cosas con una letra muy sencilla, con cuatro acordes pero que te desbarataba en el alma.

EL ORIGEN

Cuando ya la entrevista parecía concluida mi hija Anthonella le hizo una pregunta que pensé podía parecer cansada para Wicho, pero sin embargo nos dimos con una entretenida anécdota que tenía que ver con el origen de la banda.                       

Anthonella: ¿Por qué “Mar de Copas”?

W.: Porque son unos borrachos (todos se ríen). Exactamente la anécdota es esta: Bueno, nos reunimos cuando acabamos de componer el disco y todavía no teníamos el contrato con el Virrey, simplemente habíamos terminado de grabarlo , no sabíamos cómo íbamos a editarlo y nos reunimos porque el nombre propuesto para el grupo era  “As de Copas” que es una parte de “Corazón de Acero” que eso lo había propuesta Manolo, entonces a ninguno de nosotros le gustaba, después Manolo propuso un segundo nombre que era peor, “La Suerte”, entonces dijimos “no, hay que reunirnos para elegir  un nombre”, todos llevamos un nombre, yo llevé uno “Mar”, porque me gustaba un grupo de esa época, más que todo su nombre que era “Mar otra vez”, un grupo español medio “oscurón”, el nombre me parecía pajísima, tenía como imágenes, era como llegar a tierra y de allí vuelves a un viaje, a un mar otra vez, entonces yo dije ‘a mí me gusta mar’, por ahí fueron como 50 nombres: “Corazón de piedra ”,  “Mar de Corazones”, y tragos vienen ,tragos van, porque nos reunimos en un bar ,como soy el único que no toma, eran por lo menos 4:30 ó 5 de la mañana, yo dije: ‘me voy, ya me aburrí, no hemos logrado nada’, se pusieron a jugar, a bailar, no decidíamos nada  y habían miles de nombre y finalmente y dije, ‘bueno, no hemos logrado nada, no hemos designado, lo único que hemos logrado es este MAR DE COPAS, así que me voy’ y Manolo dijo ‘¡ESO!’   (Risas) totalmente borracho. Al día siguiente cuando todos nos acordamos, dijimos, ‘no, Mar de Copas, ni hablar’, pero sucedió que una semana después, creo que fue la radio Doble9, porque habíamos dejado algunos casetes en diferentes emisoras, la que nos llamó y nos preguntaron ‘¿Cuál es el nombre del grupo?’  Y Manolo consultó ‘¿cuál era el últimos que quedamos? Mar de Copas’, ya dile Mar de Copas y quedó aunque a las chicas no les gustó mucho la idea.